CATHEDRAL
Stained Glass Stories (1978)
El grupo norteamericano Cathedral, al igual que
Starcastle, basó su estilo en gran medida bajo la fuerte
influencia de Yes, pero en el caso de este quinteto, fue
el sonido de "Tales From Topographic Oceans" y
"Relayer", discos más orientados hacia lo étnico y el
jazz vanguardista los que sirvieron de modelo. Esto se
hace evidente a partir de la profusión de estructuras
jazzeras y la presencia de sonidos percusivos casi
tribales, así como en los solos del guitarrista, los
cuales nos recuerdan a varios pasajes de "Gates Of
Delirium" y en general, del "Tales". También cabe
resaltar el uso extensivo que el tecladista hace del
mellotron, que para entonces ya estaba un poco pasado de
moda en los círculos progresivos. Tuvieron que pasar
tres años de continuas presentaciones públicas desde la
fundación de la banda para que pudieran ver plasmada su
obra en un disco de vinilo. El sonido, a pesar de ser
grabado a fines de los 70s, resulta un tanto oscuro,
como si se tratara de una grabación en un estudio
rústico de fines de los 60s. Esto no resulta, sin
embargo, un defecto necesariamente: más bien, de forma
voluntaria o involuntaria, ayuda a resaltar la
orientación casi gótica que Cathedral le da a su
repertorio. Las letras no son muy abundantes, pero
suelen resaltar la belleza y los beneficios de la
introspección y la búsqueda del yo interior; la
transmisión de este tipo mensajes hace un interesante
contraste con los oscuros pasajes instrumentales
interpretados por los músicos. Si bien la banda tiene
éxito a la hora de construir ricos y oscuros ambientes
musicales, no sucede lo mismo con la elaboración y
composición de melodías: el factor melódico resulta más
bien pobre, lo cual es una lástima teniendo en cuenta
que se hace evidente en cada una de las canciones una
verdadera habilidad técnica de parte de los músicos. Tal
vez este aspecto pudo haber madurado posteriormente,
pero desafortunadamente Cathedral se disolvió poco
tiempo después de terminar la grabación de SGS. Aunque
el nivel de todos los temas es muy parejo, cabe destacar
"Days & Changes", el instrumental "Gong" y "The Search",
que cierra el disco.
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HANDS
Hands (1977-1080)
Hands es una de las bandas norteamericanas más
versátiles e interesantes de la escena progresiva
setentera de su país, pero como en el caso de However y
otras más, nunca pudo obtener un decente contrato de
grabación, por lo que su primera presencia en el mercado
discográfico consistió en una edición en CD del
repertorio que acumularon en varios demos, entre 1977 y
1980. El sonido es bastante bueno en la mayoría de los
casos, teniendo en cuenta la procedencia de sus fuentes.
El grupo supo en gran medida sacar buen provecho de la
versatilidad de cada uno de sus integrantes, no solo en
lo que concierne a la eficacia de las ejecuciones, sino
también en la integración de diversos elementos
estilísticos para la conformación de una propia
personalidad musical, interesante por su riqueza. Las
composiciones exhiben un alto nivel general de
creatividad, acorde con la variopinta ideología
estilística del grupo. Algunos de sus temas los acercan
al prog sinfónico de fuertes tonos rockeros y melódicos,
similarmente al mejor Kansas, y en sus pasajes más
extravagantes, incluso a Gentle Giant (‘Triangle of New
Flight’, ‘Worlds Apart’); mientras que otros se inclinan
más hacia climas más elegantes de corte jazzero y
matices eficazmente armados, a lo Happy the Man
(‘Zombieroch’, ‘Mutineer's Panorama’, ‘Mindgrind’).
También encontramos temas breves de corte introspectivo,
con una estructura típica de cámara (‘Prelude # 2’, ‘The
Tiburon Treasure’) o de corte más tirado al folk
(‘Greansoap’). Pero en definitiva, los temas
predispuestos a llamar la atención de manera más notoria
son los más extensos, pues por ello mismo dan espacio
más que suficiente para la confluencia de las diversas
facetas de Hands en un solo número; tales son los casos
de ‘Dreamsearch’ y ‘Antarctica’. En suma, el repertorio
de este CD es una verdadera gema progresiva,
injustamente postergada por el mercado musical, pero
afortunadamente rescatada por Shroom Productions para el
deleite de los fans del progresivo que aun seguimos
existiendo en la actualidad.
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HAPPY THE MAN
Beginnings (demos de 1974 y 1975)
Aunque la revisión de la trayectoria de Happy The Man
seguirá un orden estrictamente cronológico, creemos que
no es recomendable iniciarse en la carrera de este
fantástico grupo norteamericano comenzando con esta
compilación de sus primeros demos, editada a finales de
los 90´s. El sonido de los demos, aunque no cuentan con
una calidad aceptable, refleja de manera inequívoca el
virtuosismo interpretativo de los músicos y la delicada
belleza de sus temas, aunque también se nota que en sus
temas más extensos aparecen recurrentemente cambios de
ritmo bastante forzados y poco fluidos. En sus inicios,
la orientación de HTM apuntaba a la vertiente jazzística
de tipo Canterbury, tal vez con una tendencia más
oscura, junto con un sentido del humor abiertamente
heredado de Frank Zappa, lo cual es recalcado por el
estilo teatral del canto de Cliff Fortney. Éste solo
aparece en los cuatro temas grabados a inicios de 1974,
cuando el grupo estaba recién formado. Los otros tres
temas, todos instrumentales, forman parte de demos
grabados a mitad del año siguiente, y es justamente en
ellos donde el ahora quinteto muestra un sentido más
cohesivo en la interpretación y arreglos de sus temas,
así como una mayor absorción de elementos sinfónicos
añadidos a su estilo. Es esta amalgama de jazz y
sinfonismo la que habría de marcar la orientación
progresiva de HTM en el futuro.
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HAPPY THE MAN
Death´s Crown (demos de 1974 y 1976)
Otra selección de demos, esta vez de la segunda mitad de
1974 y de inicios de 1976. En el primer rubro tenemos a
la extensa suite progresiva (alrededor de 40 minutos de
duración) que da título al CD. Basada en conceptos en
torno a la muerte, el Purgatorio y la entrada al Cielo,
lo cual explica su carácter predominantemente etéreo, a
veces casi siniestro, en esta suite HTM experimenta con
estructuras sinfónicas de herencia genesiana y
cameliana, dadas las exigencias de un proyecto musical
de tal envergadura. Se trataba de un proyecto
multimedia, pues la interpretación en vivo de "Death´s
Crown" incorporaba coreografías, mímicas y proyecciones
de slides. También de 1974 es el demo de "New York
Dream´s Suite" (que luego habría de aparecer en su
primer disco oficial, editado por Arista). Ya sin la
presencia de Dan Owen, HTM se luce como quinteto en el
demo de 1976 de "Merlin Of The High Places", tema que
sirve como un acertado adelanto de la riqueza de
melodías y texturas que habrá de caracterizar al
repertorio de esta banda durante su etapa de madurez. A
partir del alejamiento de Owen, HTM decidió continuar
estrictamente como un quinteto.
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HAPPY THE MAN
Happy The Man (1977)
Desde su álbum debut, Happy The Man exhibe un estilo y
un sonido bastante maduros, que beben de las fuentes
jazzísticas del Canterbury, el sinfonismo melódico de
Camel y Genesis, y algunos toques pastorales y barrocos
(similares a los que encontramos en los temas más
delicados de Gentle Giant, por ejemplo). Con todo, HTM
logran desarrollar una personalidad propia tanto en la
composición como en la limpia ejecución de su material,
casi completamente instrumental, el cual se caracteriza
por alternar melodías de sublime y delicada belleza
("Upon The Rainbow", "Carousel", "Hidden Moods") con
otras más juguetonas y moderadamente agresivas ("Stumpy
Meets The Firecracker In Stencil Forest", "Knee Bitten
Nymphs In Limbo"), siempre con su infaltable toque de
elegancia: incluso, ambos aspectos se funden
simultáneamente en los temas más largos ("Mr. Mirror´s
Reflection On Dreams" y "New York Dream´s Suite"). El
ensamble grupal se sostiene sobre el altísimo y muy
parejo nivel interpretativo de los músicos de HTM,
aunque quien logra destacar de todo el conjunto es el
tecladista Kit Watkins, cuyo estilo se inspira por igual
en la furiosa pirotecnia de un Keith Emerson, la
sensibilidad jazzística de un Dave Stewart y el sentido
melódico de un Pete Bardens. Con todo, cabe señalar que,
bajo el virtuoso despliegue de solos de guitarra,
sintetizador y vientos, HTM se preocupa principalmente
por el trabajo de equipo, que presenta un trabajo
armónico grupal consistente y bien construido.
Imprescindible.
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HAPPY THE MAN
Crafty Hands (1978)
El segundo LP de HTM básicamente sigue por todas las
vertientes iniciadas en el primero, mas no se trata de
una simple copia de éste. El ingreso del nuevo baterista
le da nuevos bríos a la banda: Ron Riddle exhibe, dentro
de las coordenadas jazzísticas, un estilo más fuerte y
compacto que su predecesor, lo cual no solo permite dar
entrada a un sonido grupal más fuerte, sino que también
ayuda a darle mayor consistencia a las complicadas
estructuras rítmicas de los temas que componen este
disco, empezando por el fascinante y breve instrumental
de entrada, "Service With A Smile". También destaca
"Open Door", hermoso tema medio sinfónico, medio
pastoral, así como los juguetones "Ibby It Is" y
"Steaming Pipes", el extremadamente melancólico "The
Moon, I Sing", y "Wind Up Doll Day Wind", único tema
cantado del disco, el cual exhibe el mayor nivel de
agresividad instrumental de que son capaces HTM. Al
igual que el primer disco, también se trata de un
trabajo altamente recomendable, e incluso, comparándolo
con aquél, éste exhibe una mayor madurez estilística y
un ensamble grupal más compacto.
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HAPPY THE MAN
Live (1978)
Grabado a partir de un concierto realizado en Washington
a fines de 1978, "Live" ofrece como su novedad más
notoria la presencia del baterista francés Coco Roussel.
Resulta que Ron Riddle decidió abandonar el grupo
después de las sesiones de grabación de "Crafty Hands".
El reemplazo resultó bastante adecuado: Roussel cuenta
con la suficiente elegancia jazzística y precisión
rítmica como para sostener con bastante solvencia los
intrincados temas de HTM. En vivo, el sonido del grupo
exhibe una fuerza rockera que no se muestra tanto en sus
trabajos en estudio. Como parte del repertorio para este
concierto, HTM interpretaron un arreglo más fuerte y
psicodélico de "Carousel", inicialmente incluido en el
disco debut.
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HAPPY THE MAN
Better Late... (1979)
Recién remezclado y editado en 1989, "Better Late..."
presenta lo que hubiera sido el tercer y último trabajo
discográfico de HTM, a partir de un par de demos
grabados en febrero de 1979. Tras una incesante y
agotadora lucha frente a la incomprensión de la prensa
musical y el desinterés de los sellos discográficos,
junto con la irremediable partida de Kit Watkins a las
huestes de Camel, HTM decidió separase, con lo cual se
frustró cualquier plan de editar estos temas de manera
apropiada. A pesar de tratarse de unos demos, el sonido
es bastante nítido y eficiente. De los diez temas que
componen este trabajo, cuatro son cantados. Uno de
ellos, "Shadow Shaping", critica abiertamente el negocio
discográfico, mientras que "Such A Warm Breeze" exalta
las bellezas de la naturaleza con un tono extremadamente
lánguido. Sin embargo, como siempre, los instrumentales
son los que más destacan, en especial, "At The Edge Of
This Thought" y "Eye Of The Storm" (luego versionado por
Camel), rebosantes de melancolía, así como "Run Into The
Ground" y "Labyrinth", más energéticos. Tras contemplar
el resultado global, el oyente se da cuenta que los
tonos melancólicos abundan tal vez en exceso, con lo que
la dimensión más agresiva del sonido de HTM pierde
lamentablemente bastante presencia. Aún tratándose de un
trabajo recomendable, sobre todo por la delicada belleza
que destila, no logra reflejar todas las aristas de la
personalidad musical de HTM, y por tanto, no resulta un
disco redondo.
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HOWEVER
Sudden Dusk (1981)
Después de ocho años de formada, recién en 1981 However
pudo editar su primer disco de vinilo. Éste consistía en
una colección de temas grabados entre 1974 y 1980, la
cual lejos de ser una compilación caótica, más bien
mostraba una secuencia a la vez coherente y variada. El
estilo de However fusiona en dosis equitativas la onda
jazzera satírica de Frank Zappa y del Canterbury (Soft
Machine, Hatfield And The North) con las disonancias
armónicas masivas del RIO (Henry Cow, Art Bears), dando
como resultado un concepto musical sumamente intrincado,
contundente y creativo. Prueba de ello son temas como
“It´s Good Fun”, “Beese”, “Grandfather Was The Driver” y
“Trees For The Forest”, en los cuales los solos de
vientos y guitarra, junto con las florituras de Peter
Mark Prince en el bajo, se despliegan sobre una base
melódica y rítmica complicada. A la par de todo esto, el
ensamble grupal logra mantenerse sólidamente compacto.
Mención aparte merece el tema que da título al disco,
formado de ambientes sonoros etéreos, así como los temas
de corte pastoral titulados “Louise Sitting In A Chair”
e “In The Midst Of The Making”, llenos de una belleza
serena y envolvente: lejos de desentonar con el ambiente
integral del disco, sirven como necesarios momentos de
reposo. En líneas generales, “Sudden Dusk” resulta una
muestra de alta calidad del progresivo jazzero más
radicalmente vanguardista.
En 1983 editan otro álbum llamado "Calling".
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LEVIATHAN
Leviathan (1974)
Disco del 74, grabado en Menfis, Tenesee, Estados
Unidos.El estilo del album es una mezcla de heavy prog
bien equilibrada. En cuanto a las piezas hay buen uso de
teclados y se incluye un mellotron. Este es un disco en
los cuales se cuidan los arreglos y existen desarrollos
sinfónicos , en momentos es muy agresivo y en momentos
es muy lento y melodioso. Sobre los músicos no se sabe
quien toca qué pero en los créditos las piezas son de
Grady Trimble , Wain Bradley y Don Sweringer. Sobre la
tendencia existe mucha influencia del progresivo que se
hacía en Europa por los arreglos tan clásicos pero con
un toque muy propio. Sobre el diseño de portada es un
excelente concepto con alegoría a una serpiente marina
típica de un mapa de navegación de la edad media.
El disco está dividido de la siguiente manera:
Chapter one
Section One
Arabesque: Pieza abridora con gran fuerza utilizando
guitara, organo , mellotron , bajo y batería
Angela: Tiene atmosferas suaves de guitarras
psicodéilicas en la apertura, y se sigue desarrollando
acompañada por unas tonadas de flauta y usando el
mellotron como una orquesta, y con armonias de piano
durante el desarrollo del tema.De base estan el bajo y
la bateria. .
Endelss Dream: Piezas ligada al anterior con un puente
de mellotron como atmosfera y siguiendo el tema con bajo
y usando el piano, organo y guitarra para acentuar , se
crea una buena atmósfera un tanto oscura- piscodélica
hacia lo místico.La batería marca un ritmo suave con
tintes a lo jazz. En esta pieza hay un buen solo de
organo.
Section Two:
Seagull: Esta es una pieza más tradicional dentro del
hard rock con teclados que hacen pensar en Deep Purple,
esto contrasta con la secuencia intermedia totalmente
arreglada en forma clásica usando piano, percusiones y
el mellotron como orquesta; este contraste es bien
llevado por el gran ingenio musical de este grupo.
Angel Of Death: Esta pieza sigue la tendencia hard rock
con una bella y cuidada sencillez que no la deja caer en
lo trivial.
Always Need You: Pieza hecha a manera de balada usando
piano sobre la base tradicional (bajo y batería) pero
siempre utilizando el mellotron como orquesta, dandole
la dirección hacia el rock progresivo.
Quicksilver Clay: pieza final donde se cojugan todas las
endencias que se escucharon durante el desarrollo del
disco , a veces oyendose a la Uriah Heep.
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THE LOAD
Praise The Load (1976)
En mi opinión este grupo es uno de los mejores grupos
estadounidenses que han existido. La banda se forma en
Columbus,Ohio en marzo de 1973.El tecladista Sterling
Smith tocó con The Grayps y en 1970 con J.D. Balckfoot.
Después se reorganizaron a finales de 1970 y Deve
Hessler se unió al grupo tocando el bajo y se nombraron
"Osiris". Osiris abrió conciertos para Alice Cooper,
Iron Butterfly, The MC5 y tres shows con la Mahavishnu
Orchestra, después se separan. The Load hicieron su
propia compañía de discos llamada "Owl Recording Studios
Inc." en Noviembre del 73, rentaron una grabadora Scully
de ocho canales que grabó el festival de Woodstock. El
estudio se construyó dentro de una casa de 165 años de
antigüedad en las afueras de Columbus. Praise The Load
es el primer álbum de tres que debieron salir editados
por Owl Recording Studios. Este album es edtidado en cd
por Laser's Edge incluyendo dos bonus tracks "Sit Down"
y "She Calls My Name".Este primer álbum es de una
tendencia claramente clásica a decir de Sterling Smith
es un gran tecladista que gusta de hacer revisiones de
los clásicos e incluirlas en sus álbumes. este grupo
puede ser considerado al lado de los grandes grupos de
tendencias hacia la música clásica y gran uso de
teclados como The Nice, ELP, Collegium Musicum, Trace y
Ekseption. Praise The Load es una verdadera obra de arte
dentro del progresivo sinfónico. Quizás sea un poco
aventurado pero al mismo tiempo es posible que sea
cierto decir que Sterling Smith fue el mejor tecladista
de rock progresivo estadounidense que ha habido. Praised
The Load (CD): Fandango, Flyaway, Brandenburg # 3 (
tercer movimiento), Dave's 'A' Song, The Betrayal, The
William Tell Overture, Sit Down, She Calls My Name.
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THE LOAD
Load Have Mercy (1977)
Este es el segundo álbum del grupo, existen partes de lo
que hubiera sido el tercer disco, el cual nunca salió.
Las piezas que corresponden al tercer album son: "One Is
Gone, Choices, Too Much To Believe". Los tracks
restantes del tercer álbum fueron guardados, excepto
"The Betrayal" que se incluyó en su primer álbum. "Load
Have Mercy " fué concluido en 1977 el sonido de este
sigue la tendencia del primero, un claro predominio de
teclados con influencias clásicas y jazz, los arreglos
son más cuidados y hay más participación de la guitarra
enriqueciendo el sonido. En el cd se incluye Eitel's
lament, pieza nunca antes grabada. Se dice que esta
pieza épica de más de 12 min. fue uno de los grandes
éxitos tocados
en vivo del grupo. Para grabar esta pieza se le sugirió
a Sterling Smith que la banda se reuniera y entonces
este viajó a a Ohio para reencontrarse con Dave y Tom.
La pieza fue escogida de la segunda toma.
Sobre esta pieza hay una leyenda que esta el el booklet
del cd y dice: "Se ha dicho que nunca puedes regresar. Un
frío día de invierno, tres amigos regresaron el reloj y
recrearon 12 minutos de magia de rock progresivo"
Ken Golden -The Laser's Edge
8/95.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
The Inner Mounting Flame (1971)
Un debut deslumbrante. Los antecedentes de los trabajos
con Miles Davis (Bitches Brew es algo que nadie debería
dejar de escuchar) o el trabajo solista previo de JML no
dan la pauta de lo que aquí se desarrolla, ms allá de
que en este último, "My Goals Beyond", JML se hace
acompañar con Goodman y Cobham. Ante nada esto es
realmente fusión, hay un verdadero equilibrio entre el
jazz y el rock, JML recurre a riffs rockeros y estira
las cuerdas como un músico de blues, además de
mostrarnos su sorprendente digitación. Cobham sienta
pautas en la batería que influenciarán a muchos
bateristas del rock. No es necesario hablar mucho sobre
la calidad de Hammer en los teclados, pero lo que
inevitablemente llama la atención son los duelos
permanentes entre la guitarra y el violín eléctrico de
Jerry Goodman con discantos, contrapuntos y todos los
ejercicios armónicos imaginables en escalas infernales
que llegan a su máxima expresión cuando tercia el mismo
Hammer. La precisión, y contundencia de Cobham se acopla
a esta conjunción (no lucha) de egos. Rick Laird en el
bajo sale airoso aunque es indudablemente el miembro más
discreto. En algunos temas como "A Lotus on Irish
Streams" la banda reposa en una buena melodía para
permitirnos un descanso de los tempos alucinantes que
predominan en el álbum. No es demasiado arriesgado
afirmarr que MO nos adelanta ciertos aspectos de lo que
tan magistralmente desarrollará el Crimson de Fripp,
Wetton, Bruford algunos años despues.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Birds of Fire (1972)
Al igual que el anterior álbum, salvo "Miles Beyond" del
propio Miles Davis las composiciones pertenecen
íntegramente a JML, . Sin embargo puede notarse un mayor
reparto e los espacios de lucimiento personal. Hammer
incorpora el sintetizador Moog incrementando el
potencial sonoro de los teclados. Cobham de a momentos
tiene un protagonismo inusitado para un baterista en una
banda como esta. El primer álbum es tal vez más compacto
y homogéneo. Este presenta mayor variación,
incorporación de elementos sinfónicos, algunos ritmos
folk y búsqueda melódica. No están ausentes los temas de
tempo vertiginoso y los característicos contrapuntos.
Inner Mounting Flame y Birds Of Fire conforman lo mejor
de esta etapa de la MO. Como hecho curioso este álbum
instrumental figuró en el Top Twenty del ranking de
Billboard.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Between Nothingness and Eternity (1973)
Registro en vivo. Se comenta que se notaban ciertos
conflictos internos en la banda y probablemente esto
tenga que ver con un descenso de nivel en la calidad
musical de este disco con respecto a los anteriores.
Tengo la impresión de que se ha roto el delicado
equilibrio existente entre las personalidades musicales
avasallantes que conforman la banda y salvo en algunos
pasajes, en lugar de trabajar como una unidad los
miembros se pasan la posta para liderar mientras el
resto de los musicos se limita a acompañar. Solo tres
temas, con una composición, la de menor duración,
llamada "Sister Andrea" perteneciente a Hammer. La
calidad sonido no es exactamente deslumbrante pero es
aceptable para un disco en directo. En definitiva: algo
lejos de la calidad de los dos primeros discos.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
The Lost Trident Sessions (1973)
Grabado en Londres en 1973 este álbum recién fue editado
en 1999. Primero dejado de lado por decisión de los
miembros de la banda que prefirieron publicar el disco
en vivo Between Nothingness and Eternity, luego estas
cintas se consideraron perdidas hasta que fueron
casualmente encontradas. Los tres primeros temas son
Dream, Trilogy, y Sister Andrea, que en versiones
diferentes conforman lo que fue el disco en vivo. En
principio podría hacerse de estos temas los mismos
comentarios ya hechos para el otro trabajo. Sin embargo
en mi opinión el trabajo mostrado por los músicos es mas
más amalgamado en la producción en estudio y lo
encuentro superior. Solo la mitad de los temas pertenece
al guitarrista británico, repartiéndose Goodman, Hammer
y Laird la autoría de los tres restantes. Debe tenerse
en cuenta que a pesar de ser un álbum de estudio está
grabado en un solo día. El que hubiera sido el tercer
álbum de MO, y último de la formación original, está
para miA mitad de camino entre la majestuosidad de los
dos primeros discos y el registro en vivo que es para mi
algo decepcionante.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Apocalypse (1974)
John McLaughlin decide disolver la original Mahavishnu
Orchestra para dar lugar a una idea que será un enorme paso
adelante en su carrera compositiva.
Con su renovada formación alinea un nuevo violín solista de
la mano de Jean Luc Ponty (Frank Zappa, George Duke) y
agrega la dulcísima y sobresaliente voz de Gayle Moran
(esposa de Chick Corea) quien se encargará también ahora de
los teclados.
El disco es una rara joya, una pequeña obra de arte
emparentada con grandes y ambiciosas producciones, llevada a
cabo y ejecutada brillantemente con un puñado de virtuosos
músicos de distintas extracciones musicales y vertientes.
La participación de la Royal Filarmonic Orchestra, cuyo
arreglo estuvo a cargo del joven Michaell Gibbs, es decisiva
en "Vision is a naked sword" dándole carácter de obra
maestra al ensamble pero realmente se destaca en todo el
disco.
El album contiene cinco piezas de corte sinfónico y con
amplia participación de las cuerdas y un enfoque mucho más
prolijo que el empleado con la anterior formaciónalcanza un
vuelo pocas veces logrado por formaciones similares.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Visions Of The Emerald Beyond (1975)
Un total de 13 temas muestran todo el potencial de la nueva
MO que se luce en su nueva versión desarrollando piezas
ampliamente coloreadas con rock, blues, funk y hasta algunos
guiños al gospel y al AOR sin descuidar los toques clásicos,
vivamente aderezados en este caso por la presencia del
soberbio violín de Jean-Luc Ponty y el trío de cuerdas que
forma parte de la banda.
El trabajo de la batería es a la vez más consistente y
técnicamente más logrado que en Apocalypse. El bajo también
se destaca debido a una mayor presencia del instrumento
gracias al personal sonido que le aporta Armtrong.
Los vientos refuerzan los arreglos con armonías interesantes
y con una ejecución bien precisa. Solamente los teclados
declinan presencia, en este disco a cargo de Gayle Moran,
cumpliendo un rol de acompañamiento armónico sin destacarse
como instrumentos solistas y limitados a ser partenaires de
McLaughlin y Ponty.
La totalidad de las composiciones pertenecen a JML con la
única salvedad de "Cosmic Strut" co-escrita con el
fantástico baterista y productor Michael Walden.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Inner Worlds (1976)
Debut discográfico de JML ejecutando una guitarra con
sintetizador.
Tal vez este disco se separa un tanto del resto por volver
más su mirada sobre la fusión de diversos estilos sin
alejarse tanto de la influencia de John Coltrane en la
visión musical de McLaughlin. Los teclados aquí vuelven a
ser importantes de la mano del eximio tecladista Stu
Goldberg quien acompañará los siguientes pasos de JML tras
su salida de Shakti. "In my life" es una nueva colaboración
de McLaughlin con Michael Walden -por entonces 'Mahavishu' y
'Narada', respectivamente- una composición más cercana a un
himno religioso pop que al jazzprog pero que muestra algunos
arreglos interesantes y una soberbia participación de JML en
guitarra acústica de 12 cuerdas. Junto a 'River of my heart'
son las baladas pop que contiene el album. El tema que le da
título al disco así como 'Miles out' son más experimentales
y exploran las posiblidades técnicas de los instrumentos
electrónicos utilizados aunque no muestran conceptos
musicales claros. El resto del disco navega por diferentes
climas y líneas rítmicas que sirven de excusa para largas
improvisaciones.
Un disco bastante opaco y marcadamente por debajo de las
posibilidades de los músicos que participan en él donde
únicamente sobresale 'The way of the pilgrim'.
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MIRTHRANDIR
For You The Old Woman (1975)
Album grabado en Orange, Nueva Jersey, USA en 1975.Grupo
estadounidense con una clara tendencia hacia el
progresivo europeo de la época con buenos desarrollos y
arreglos de las piezas. El grupo tiene audibles
influencias de Genesis , Gentle Giant , Yes y Premiata
Forneria Marconi. Los musicos tienen un buen nivel de
preparación pero creo que no llegan a tener un estilo
bien definido.Haciendo una alegoría a su sonido, el
álbum se escucha como un gran buque de guerra pero sin
timón. Son cinco temas los que constituyen este disco:
For You The Old Woman, Conversation With Personality
Giver, Light Of The Candle, Number Six, For You.
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STARCASTLE
One (1976)
Starcastle son considerados como los imitadores
arquetípicos de Yes, lo cual no está muy lejano de la
verdad, pero queda algo más que decir acerca de ellos.
Banda fundada como quinteto a inicios de los 70´s, se
convierte en un sexteto cuando convocan a Terry Luttrell
para que ocupe el lugar de cantante solista una vez que
éste se apartó de REO Speedwagon. Dado el registro tenor
agudo de Luttrell, así como la tendencia sinfónica del
material de la banda y su gusto por las armonías
vocales, era obvio que su punto de referencia principal
tenía que ser Yes: ellos optaron por tomar como modelo
el material de Yes de los años 71-72, reforzando el
aspecto rockero y sinfónico, y aminorando el aspecto de
corte folk. En cuanto a "One", su primer disco, refleja
las típicas limitaciones de una banda aún inmadura que
se aferra demasiado a su modelo: esto se refleja
claramente en sus tres primeros temas, donde los músicos
y vocalistas, a la par que muestran sus respectivas
habilidades técnicas individuales, no pasan de ser
hábiles clonadores. Más bien es en los cuatro últimos
donde van mostrando indicios de originalidad. Los
instrumentales "Stargate" y "Nova" son contundentes,
mientras que "Sunfield" y "To The Fire Wind" exhiben un
claro esfuerzo por crear melodías interesantes e más
intrincadas. En suma, un disco recomendable para los
fans de Yes que gusten de investigar en sus imitadores,
pero que hay que tomar con pinzas a la hora de evaluar
su aspecto creativo. Destacan en especial las
performances del bajista y del tecladista, a pesar de
ceñirse demasiado a los parámetros respectivos de Squire
y Wakeman.
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STARCASTLE
Fountains Of Light (1977)
En este su segundo trabajo discográfico, Starcastle
logran un mayor nivel de imaginación y complejidad a la
hora de componer y arreglar las melodías y los cambios
de ritmo en las seis canciones que lo integran: sin
embargo, este mayor despliegue de creatividad no los
libera aún de su altísimo nivel de dependencia respecto
a los parámetros musicales de Yes. Con todo, es justo
reconocer que las armonías vocales son más elaboradas, y
el ensamble instrumental de los cinco músicos adquiere
una mayor integridad, aunque el bajista y el tecladista
siguen siendo los que más se lucen dentro del conjunto.
"Fountains" y "True To The Light", los dos temas más
extensos, junto con el atractivo y enérgico tema final
titulado "Diamond Song (Deep Is The Light)", son los que
mejor reflejan la madurez alcanzada por el grupo en este
momento de su carrera. También merece mencionarse el
hermoso tema de corte folk acústico "Portraits", cuya
introducción y conclusión recuerdan bastante a los
pasajes acústicos del "And You And I" de Yes. Después de
FOL, los siguientes trabajos de Starcastle mostrarán un
evidente declive creativo, con lo cual tenemos que este
disco significa su pico artístico.
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STARCASTLE
Citadel (1977)
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STARCASTLE
Reel To Real (1978)
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RETURN TO FOREVER
Light as a feather (1970)
Básicamente se trata de un disco de jazz pero su concepción
tan avanzada para la época lo convierte en una suerte de
puente entre el jazz moderno y el jazzrock o jazz
progresivo, estilo pronto a desembarcar y en el que RTF se
destacará junto a otros grupos como The Electromagnets o
The Mahavishnu Orchestra e intérpretes de la talla de Herbie
Hanconk o George Duke.
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RETURN TO FOREVER
Return To Forever (1971)
Chick Corea emprende una de las etapas más fértiles y
concibe la música que plasma en este album en compañia de
Stanley Clarke, ya instalado en un rol más preponderante a
partir de sus habilidades únicas con el contrabajo y el bajo
eléctrico a lo que se agrega ahora su talento como
compositor.
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RETURN TO FOREVER
Hymn of the Seventh Galaxy (1973),
Con su tercer disco, RtF inicia su fase más orientada
hacia la fusión jazz-rock. El tema homónimo que da
inicio al disco lo anuncia de modo directo, sin mayores
preámbulos. El sonido es más agresivo, y las
composiciones, sin abandonar del todo las vertientes
latinas exóticas que signaron los álbumes anteriores,
dan un espacio preferente a las florituras agresivas y
tensas de guitarra y teclado, con el bajo de Stanley
Clarke siempre encontrando un espacio para lucirse de
forma casi ‘autónoma’ dentro del conjunto, aumentando
con ello la sensación de tensión presente en cada tema
de este disco. Lenny White logra a la vez cimentar una
base rítmica sólida y lucirse constantemente en diestros
redobles, completando el paisaje de libre expresión
retratado por el ensamble instrumental. El nivel de los
seis temas que conforman ‘Hymn...’ mantienen
exitosamente un nivel muy parejo, pero podemos destacar
temas ya clásicos dentro del repertorio de RtF, como son
‘Captain Senor Mouse’ y ‘Theme to the Mothership’, así
como esa alucinada composición de Clarke titulada ‘After
the Cosmic Rain’.
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RETURN TO FOREVER:
Where Have I Known You Before (1974),
Aparte del cambio de guitarrista, a favor de la entrada
de di Meola – visto en retrospectiva, el guitarrista
‘arquetípico’ de RtF -, también notamos un cierto cambio
de actitud musical con respecto al disco anterior. Ya no
prima la agresividad sonora, sino el manejo de texturas
más reposadas, lo cual hace sentido con la temática más
emocional e introspectivo del disco, inspirado en un
poema de Neville Potter que versa sobre la conexión
interpersonal del yo y el otro: la presencia de
ocasionales interludios de piano de cola ayuda a
transmitir dicho espíritu intimista. La incorporación de
sintetizadores dentro del arsenal sonoro de Corea ayuda
a ampliar el espectro sonoro de la banda. El funky,
sazonado con un poco de soul, es uno de los ingredientes
más saltantes y recurrentes que encontramos aquí, lo
cual permite que los toques latinos vuelvan a salir a
flote con mayor fluidez. ‘Vulcan Words’ y ‘Beyond the
Seventh Galaxy’ son característicos de la vertiente
general del disco. Mis favoritos personales son, por un
lado, la hermosa composición de Lenny White titulada
‘The Shadow of Lo’, y el tema de cierre, ‘Song of the
Pharoah Kings’, que a lo largo de sus 14 minutos de
duración regala al oyente los pasajes más energéticos
del disco.
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RETURN TO FOREVER:
No Mystery (1975),
Este disco claramente sirve como un puente entre el que
le precedió y el que habría de sucederle, pues su
repertorio se divide en dos orientaciones. Por un lado,
tenemos en temas como ‘Dayride’ y ‘Sofistifunk’ una
continuación, e incluso realce de las marcas funky y
latina del jazz fusión cultivado propiamente cultivado
por RtF. Pero por otro lado, en la secuencia de los tres
temas finales, ‘No Mystery’, ‘Interplay’ y ‘Celebration
Suite’ – tal vez la parte mejor lograda del disco -
encontramos una inclinación más clara hacia los colores
sinfónicos. La presencia cada vez mayor de los
sintetizadores sirve de herramienta eficaz para empezar
a trabajar este aspecto. También destaca ‘Flight of the
Newborn’, tema que significa el debut de Al di Meola en
el área composicional de la banda: en dicho tema el
susodicho guitarrista despliega con la destreza que lo
caracteriza una energía abierta y envolvente que lo hace
resaltar en medio de dos instrumentistas de tan fuerte
personalidad como son Corea y Clarke. Por su parte,
White sigue tan eficiente y creativo como siempre. En
líneas generales, tenemos aquí un disco que no llega a
tener el aura mística funky del Where Have I... ni el
luminoso resplandor sinfónico del Romantic Warrior, por
lo que suele ser un poco visto por encima del hombro por
conocedores y críticos musicales. Pero creo que este
disco debe ser apreciado por lo que es básicamente: un
puente estilístico entre dos de los discos más logrados
de toda la carrera de RtF.
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RETURN TO FOREVER:
Romantic Warrior (1976)
Éste es, según muchos fans y comentaristas, el mejor
trabajo discográfico de RtF. Esta percepción sin duda se
fundamenta en el despliegue, a la vez absorbente y
elegante, de elementos y texturas sinfónicas, las cuales
sirven para realzar contundentemente la ampulosidad y
majestuosidad inherentes a la fusión cultivada por la
banda. Como resultado, el sonido vuelve a retomar una
actitud más agresiva y energética. El bagaje
instrumental aumenta en número (más sintetizadores, más
guitarras acústicas, más instrumentos de percusión), lo
cual juega al servicio de la orientación ‘orquestal’ que
predomina en este disco. Sin dejar de estar presentes
los elementos funky y latinos (en ‘Majestic Dance’ y
‘The Romantic Warrior’), es la ampulosidad sinfónica el
elemento más obviamente destacado. ‘Medieval Overture’ y
‘The Romantic Warrior’ son claras muestras de ello. Pero
son los dos últimos temas los que, en mi opinión,
destacan dentro de un conjunto de por sí de un altísimo
nivel uniforme. ‘The Magician’ y ‘The Jester and the
Tyrant’ exhiben una mezcla poderosa e inteligentemente
equilibrada entre la dirección jazzera propia de RtF y
los delineamientos originales de este disco: en
especial, el segundo de los temas mencionados, que
aprovecha su extensión para dar espacio a una diversidad
impecablemente ordenada de atractivas melodías y
ambientes elegantes. En lo personal, coincido en que es
el trabajo más atractivo de RtF, por exhibir tanta
riqueza e imaginación en sus melodías e intrincados
arreglos.
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RETURN TO FOREVER:
Musimagic (1977)
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RETURN TO FOREVER:
RTF Live (1977)
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RETURN TO FOREVER:
This is Jazz (1978)
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