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LOS CIMIENTOS DEL R.I.O.
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Gestores y miembros
fundadores del movimiento. Fueron como grupo los primeros en
abandonarlo por su disolución. Una de la bandas de R.I.O. con
discografía previa a la formación de este colectivo, como también lo
fueron Stormy Six o Sammla Mamma Mannas, por ejemplo.
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HENRY COW
Leg End, 1973
Álbum debut de esta maravillosa e innovadora banda, con Mike
Oldfield como ingeniero de sonido. “Nirvana for Mice”es una
agradable melodía, iniciada por los bronces e interrumpida por
jugueteos de guitarra y teclados, a su vez interceptada por las
exposiciones de vientos, y así sucesivamente, mientras el bajo trata
de arribar a un protagonismo escapando al mero nexo entre las
secciones rítmica y melódica, mientras la batería realiza un trabajo
complejo, tanto como en todos los temas del álbum. Estéticamente
cercano a la fusión y seguramente influenciado por vertientes del
Canterbury, pero rompiendo esquemas previos constantemente. El
comienzo de “Amygdala” nuevamente rememora el llamado jazz rock
británico con una bellamente extraña melodía que se torna cada vez
más intrincada aunque sin perder su esplendor. Insólitos zumbidos de
los saxos abren “Teenbeat Introduction”, y son seguidos caóticamente
por le bajo y la batería, para continuar en “Teenbeat” un camino de
ordenamiento precedido por sombríos coros. Es a partir de aquí donde
los músicos se turnan para intervenir en lujosos contrapuntos de
diversa intensidad que abren a texturas polifónicas y armonías
ocasionalmente disonantes. Tenemos un respiro con la delicadeza de
“Nirvana Reprise” para pasar a la intrincada sutileza y ascendentes
escalas de “Extract from The Yellow Half Moon and Blue Star”. En
“Teenbeat Reprise” vistan los terrenos más intensos del álbum. Hay
que destacar el alucinante sonido de la guitarra. Luego en “The
Tenth Chaffinch” le toca el turno a la complejidad del atonalismo y
a la ruptura de todos los esquemas clásicos del rock. Creo no estar
equivocado al afirmar que la conmovedora y melancólica melodía de
“Nine Funerals of the Citizen King” homenajea abiertamente a Robert
Wyatt. El álbum cierra con otra demostación de ña necesidad de
apertura hacia paisajes por explorar en “Bellycan”. De escucha
obligatoria para quienes no se conforman con convencionalismos.
Altamente recomendable. Participan Fred Frith en guitarras, violín,
xilofón, piano, Chris Cutler en batería, percusión, piano. John
Greaves en bajo, piano, voz, Tom Hodgkison en saxos, clarinete,
órgano, voz y Geoff Leigh en saxo, flauta, clarinete, voz.
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HENRY COW
Unrest , 1974.
La salida de Geoff Leigh coincide con el ingreso de Lindsay Cooper
(fagot, oboe, flauta dulce, voz) para conformar el equipo más
reconocido de HC. El primer tema “Bitter Storm Over Ulm” nos
advierte sobre los intrincados caminos que recorreremos en el álbum.
Con enorme naturalidad desarrollan una obra de complejidad armónica,
pero entretenida y cómodamente asimilable. “Half Asleep, Half
Awake”, es otro ejercicio en el que dotan de belleza a una música
que podría sonar poco convencional a los oídos del oyente promedio
de rock. La gracilidad de los vientos contrastan con los contenido
ataques de la guitarra que resuelven en un hermoso y discretamente
enredado solo de piano. Más árido puede resultar “Ruins”, más
inmerso en el atonalismo y en atípicas secuencias rítmicas, pero
dinámico y contagioso con un afanoso trabajo de guitarra eléctrica
que brota entre los fragmentos que honran a la composición
contemporánea. Tenemos un respiro con la afable beldad de “Solemn
Music”, pero es desde aquí que los temas desfilarán sin concesiones,
con las desconcertantes sonoridades y voces de “Linguaphone, con la
inteligente mordacidad de “Upon Entering the Hotel Adlon” con un
soberbio trabajo grupal en los terrenos de la improvisación libre.
Si bien “Arcades” es nuevamente un tema reposado y a estas alturas
ya suponemos que es la calma que precede a la tempestad, “Deluge” es
en realidad un tema oscuro, serpenteante e intrigante que culmina
con un toque humorístico que nos permite respirar más tranquilamente
sobre el final de los temas de la edición original.
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HENRY COW
In Praise of Learning
(Henry Cow/ Slapp Happy), 1975
Un álbum diferente a los anteriores, producto de la unión de
miembros de Henry Cow con los de la banda alemana Slapp Happy. Las
relaciones entre las dos agrupaciones se inician cuando el también
conocido como realizador de historietas Peter Blegvad se encontraba
de gira con los alemanes Faust en Holanda, coincidiendo allí con
Henry Cow. En 1974 graban juntos un álbum de Slapp Happy, “Desperate
Straights” y posteriormente “In Praise of Learning”. Sin embargo
probablemente a instancias del mismo Blegvad la unión no prevaleció.
Los desarrollos musicales de Henry Cow parecían ser muy complejos
para el guitarrista. “War” llama la atención por las excentricidades
vocales de Dagmar Krause y Begvad más que por su complejo
tratamiento de la fusión con jazz. “Living in the Heart of The
Beast” abre con un impresionante sonido de la guitarra de Frith que
da lugar a la extravagante pero magnífica voz de Dagmar. Múltiples
climas se desarrollan desde aquí en más con sucesivos protagonismos
de los diferentes músicos, logrando los mejores pasajes cuando la
intensidad y el trabajo grupal predominan. Como ya es costumbre
rompen toda esquematización rítmica en el trabajo experimental de
“Beginig: The Long March”. La enmarañada hermosura de Beatiful as
the Moon – Terrible as an Army with Banner”, nos sitúa de nuevo en
contextos mas conocidos, aunque este tema es solo un remanso para un
provisorio. sosiego antes de volver a las facetas más experimentales
con “Morning Star” y de una nueva confección sobre el material
grabado en de “Beginig: The Long March” que lleva el nombre de
“Lovers of Gold”. Un disco que por múltiples razones no logra la
fuerza de la coherencia de los otros trabajos de la banda.
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HENRY COW
Western Culture 1978
El primer tema, “Industry” es un maravilloso equilibrio. entre la
composición avantgarde y el sentimiento rockero. Percibo resabios
canterburyescos, melodías abruptamente interrumpidas, atonalismo,
cambios rítmicos y métricos que atrapan la atención, y entre estos
una permanente cadencia que incrementa la tónica angustiante del
tema y un desenlace intenso y casi violento. El comienzo de guitarra
acústica de “In the Decay Of Cities” vuelve a desconcertar y el
desconcierto se incremente con una ¡guitarra Hawaiana! que
contrapuntea a los vientos. Imponente otra vez Cuttler paseando del
jazz al rock y de allí al academicismo. De fondo se asoma la ahora
desgarrada guitarra de Frith. La música no es solo el manejo de los
sonidos sino también el de los silencios, y de ello dan cátedra en
este tema. Dan un leve respiro a las neuronas del oyente con “On The
Raft”, un tema más reposado con una línea melódica más constante,
claro que solo en el primer plano, porque allí atrás están esos
vientos, casi dadaístas. Ahora hacen su aparición las composiciones
de Cooper. El klezmer es la referencia nada constante pero
reiterativa de estos temas. “Falling Hawai”, otra composición
compleja, para mi menos emocional que las anteriores aunque
redundante en demostraciones de calidad interpretativa y con una
maravillosa conclusión. “Gretes Tale”, es por el contrario una de
las piezas que más he sentido, con una delicadísima melodía
interrumpida por los accesos de jazz experimental y de composición
contemporánea de la pianista invitada Irene Schweiser. Cierto clima
introspectivo se prolonga en un lamentablemente breve “Look Back” y
finalmente la composición conjunta de Hodgkinson y Cooper “½ the
sky”, dignísimo final para esta obra, con esas cortinas de teclados
sobre la que aparecen como pintados los golpes de percusión y los
vientos que desembocan en un agraciado final en el que se combinan
el recurrente klezmer, el clasicismo y la fusión jazz-rock.
Participan entonces: Tim Hodgkinson en órgano, saxo, clarinete,
guitarra hawainana, piano, Lindsay Cooper en fagot, oboe, saxo,
flautas, Fred Frith en guitarras, bajo, saxo y Chris Cutler en
batería percusión, piano, trompeta.
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HENRY COW
Concerts, 1976
Este doble álbum se inicia con una impactante versión de 22 minutos
de "Beautiful as the Moon - Terrible as an Army with Banner”.
Personalmente encuentro como el punto más elevado y atractivo el
siguiente tema en el que se unen a Robert Wyatt para tocar "Bad
Alchemy/Little Red Riding Hood Hit the Road", tema de Rock Bottom,
el superlativo álbum solista de Wyatt. Están muy logrados la
violencia y el caos controlado de "Ruins", el trabajo de guitarra en
el crimsoniano "Groningen Again". A partir de aquí hay sobre
abundancia de material experimental que, para mi gusto quita
lucimiento a un álbum en vivo que se torna algo tedioso. Se trata
sin embargo de un importante documento sobre las capacidades de
estos músicos.
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Comienzan a registrar un
álbum mientras sus miembros se consideraban aún inegrantes de Henry
Cow. Los temas registrados marcan una diferencia con lo que venían
haciendo y es si que Fred Frith, Chris Cutler y Dagmar Krause
deciden bautizar a la agrupación como Art Bears, y por otra parte
registrar un álbum final como Henry Cow, totalmente instrumental y
por lo tanto con una tendencia opuesta a la que desarrollaban en la
nueva agrupación. El primer LP de Art Bears que vería la luz antes
que el Wester Culture de Henry Cow se llamó Hope & Fears.
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ART BEARS
Hope & Fears, 1978
Los miembros de Art Bears adoptan inesperadamente el formato de
canción. Por supuesto este conjunto de canciones se presentan con un
acompañamiento musical de intrincadas armonías, fuera de todo
convencionalismo. La voz de Dagmar Krause predomina, mientras Fred
Frith ocupa un rol de instrumentista múltiple encargándose de
guitarras, violín, viola, piano, harmonio, xilofón y bajo, aunque
como siempre es su enorme habilidad con la guitarra lo más
destacable. El clima de la obra de de gran dramatismo y parsimoniosa
intensidad, otorgando un adecuado marco a la lírica. Es de remarcase
que los miembros Henry Cow hacen sus aportes a lo largo de todo el
álbum Lindsay Cooper en fagot, oboe, saxo, flauta y Tim Hodgkinson
en, órgano, clarinete y piano. Colabora Georgie Born en bajo y
cello. Parte de los temas finales del álbum fueron registrados en el
estudio de David Vorhaus líder de White Noise.
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ART BEARS
Winter Songs, 1979
Un año más tarde aparece el primer trabajo pensado desde un inicio
para Art Bears. Es interesante que este disco vera la luz a través
de Ralph, el sello de The Residents. Las letras de los temas
pertenecientes a Cutler comprenden desde la realidad política hasta
relatos medievales. De la misma manera esta vez la música se permite
mayor variación en ritmos y estilos que en el anterior álbum
abarcando desde la furia roquera hasta los aires folk, aunque
permanecen las extravagantes canciones que predominan en el anterior
disco, con una duración de los temas que nunca llega a los 4
minutos.
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ART BEARS
World As It's Today, 1981
Si uno disfrutaba pensado que la música de Art Bears llegaba adonde
nunca había llegado antes el rock, aquí los tenemos nuevamente
expandiendo fronteras. Más extremos, mas vehementes y sarcásticos
que nunca. La música adquiere ahora una impetuosidad que no había
sido desarrollada en los anteriores trabajos, las líricas se
concentran en los contenidos sociales y políticos, con una mirada
marxista asumida. Los títulos de los temas lo reflejan: “The Song of
the Dignity of Labour Under Capital” “Freedom (Armed) Peace”, etc.
La dupla Frith – Cutler logra aquí uno de sus mejores trabajos, con
una perfección armónica de alturas pocas veces alcanzadas en la
música de rock.
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STORMY SIX
por HL
Cuando ingresan al movimiento, tenían ya una extensa carrera en
Italia, con un explicito compromiso político y una abundante
discografía. |
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STORMY SIX
Le Idee Di Oggi Per La Musica Di Domani, 1968
Para esta época, la banda que ya llevaba un par de años de
actividad, como es de esperarse, estaba inmersa en el pop, con
algunos toques psicodélicos y ciertas sonoridades orientales.
Claudio Rochi, quién posteriormente desarrollaría carrera solista
era su cantante y bajista. Junto a él Franco Fabbri en las
guitarras, Luca Piscicelli an bajo y guitarra y Antonio Zanuso en
batería. Todavía no habían incursionado en su tenaz compromiso
político.
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STORMY SIX
L'unità, 1971
Se va Rochi e ingresa Massimo Villa en el bajo.Canciones con ritmos
folk, canzonettas, resabios hippies, con letras ahora altamente
politizadas, que no omiten la ironía y el buen humor.
Instrumentaciones fundamentalmente acústicas entre las que asoman
algunas guitarras eléctricas y órgano. Varias veces se encuentran
puntos de contacto con los músicas de protesta norteamericanos e
incluso en temas como Suite F&F se perciben ciertas semejanzas con
Crosby, Still & Nash. Un álbum agradable en varios aspectos pero
todavía lejano de lo más interesante que ofrecerá la banda.
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STORMY SIX
Guarda Giù Dalla Pianura, 1973
Aún más humor, aún más contenido político, mayor complejidad en las
instrumentaciones. La música country norteamericana aparece en tono
de parodia. Continúan ene la senda del compromiso ideológico con
explicitas referencias de adhesión al marxismo, preocupación por la
política internacional como expresan en “Cuba Si, Yanquis No”,
cantada en castellano al igual que la maravillosa “Canción del Poder
Popular”, sobre el proceso socialista chileno (Stormy Six fue el
anfitrión en Italia de Inti Illimani, durante su exilio) o “La
Balada de Ho Chi Minh” en envase de música de western a lo
Morricone. Participan Umberto Fiori, voz, Franco Fabbri en guitarra
y voz, Carlo De Martini en saxo y violín, Tommaso Leddi en teclados,
Luca Piscicelli en bajo y voz, Antonio Zanuso en batería.
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STORMY SIX
Un Biglietto Del Tram, 1975
Siempre continuando con su temática política, Sormy Six da un gran
paso adelante en los aspectos musicales. Tanto los tratamientos
melódicos adquieren un nivel de belleza destacable con gran
dramatismo en las interpretaciones, como las composiciones se tornan
más complejas, asomándose a lo que realizaran en su etapa más
conocida en la segunda mitad de los 70s. Predominantemente acústico.
Un álbum de los llamados de transición que igualmente vale por si
mismo.
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STORMY SIX
L'Apprendista,1977
Una de las maravillas del movimiento. Un álbum muy elogiado por los
amantes del rock progresivo, probablemente por ser una obra que en
muchos momentos se acerca bastante a los linimientos generales del
estilo. En algunos pasajes recuerdan a Gentle Giant, en otros hacen
reconocible su estirpe italiana con melodías características de las
bandas de esa escena, suntuoso aporte de los teclados e incursiones
barrocas. Carlo de Martín se encarga de violín, viola, mandolina,
guitarras y voz, Franco Fabbri voz guitarras y vibráfono Umberto
Fiori voz y guitarra, Salvatore Garau en la batería, Tommaso Leddi
en mandolina, violín, guitarras y piano, Luca Piscicelli en bajo y
voz. Participan además numerosos invitados en cuerdas vientos y
percusión. Representa una muy buena opción para iniciarse en esta
estupenda banda.
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STORMY SIX
Macchina Maccheronica, 1979
Solo por algunos momentos pueden parecerse, y solo eso, a una banda
de rock. Hay un título que se repite cuatro veces en disertes
versiones que van de los 10 a los 50 segundos y es allí donde
aparece alguna estructura roquera. También en pasajes de “Vervale”,
el tema más largo con sus más de 8 minutos. Por el resto e la obra
podemos aducir que se trata de uno de los trabajos más complejos de
la banda en la que echan mano a sus influencias provenientes de
Aernold Schomberg, Luciano Berio y la canción popular italiana.
Bella melodías se alternan con pasajes instrumentales herméticos,
propios del estilo. Las voces suelen remarcar tanto las melodías
como el costado humorístico y se torna alucinantes en el tema vocal
Enzo. Casi sin términos medios esta música puede odiarse o amarse,
pero la manifiesta calidad de la obra es indiscutible. Participan:
Tomaso Leddi en violín, mandolín, saxo, guitarra y órgano, Georgie
Bornen chelo, Leonardo Schiavone en clarinete y saxo, Umberto Fiore
en voz, Franco Fabbri en guitarra, trombón, vibráfono, Salvatore
Garau en batería y Pino Martini en bajo.
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STORMY SIX
Al Volo, 1982
Un gran cambio se observa en este trabajo. Una mayor accesibilidad
con incorporaciones de estructuras pop, aportes tecno,
electrificación de la música Humberto Fiore abandonado su delirante
estilo por uno más asimilable al empleado por los músicos de rock
italiano más convencionales. En la mayor parte de los temas en algún
momento al menos, ponen el sello tan característico de su música de
los 70s, pero solo como para dejar en claro que se trata de Stormy
Six. En líneas generales su música, a pesar de sonar elegante, se
tornado algo desabrida.
Franco Fabbri se encarga de las guitarras, eléctrica, acústica y
sintetizada, además de vibráfono, cajas de ritmo y Tommaso Leddi en
teclados y guitarra, nuevamente junto a Garau, Fiori y Martini.
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AQSAK MABOUL
por HL
Incorporados en la
segunda oleada de reclutamiento del R.I.O. los belgas aportaron dos
trabajos, uno previo y otro posterior a su ingreso. Mas que una
banda representó al menos en su inicio un emprendimiento personal
del tecladista Marc Hollander
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AQSAK MABOUL
Onze Danses Pour Combattre La Migraine, 1977
Es el debut discográfico de la banda liderada por el ex tecladista
de Coz, Marc Hollander. Un verdadero collage musical, producto de la
experimentación en estudio que sería más largo de explicar que de
escuchar. El mayor mérito del trabajo es el de darle unidad de
contenido a referencias tan distantes como Kraftwerk, Satie, la
composción minimalista y las músicas étnicas. Incluso quienes
detesten las secuencias electrónicas podrán disfrutar de las
primitivas “baterías electrónicas” que de alguna manera contribuyen
a la atmósfera hilarante que se respira de a momentos. Participan de
la obra junto a Hollander, Vicent Kenis en acordeón, guitarra, bajo
y piano y Jeannot Gillie en violín. Holander hace las veces de
multiinstrumentista ocupandose de teclados, vientos, flautas y
mandolina.
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AQSAK MABOUL
Un Peu De L'âme Des
Bandits, 1979
Con la incorporación del Univers Zero Michael Berkmans en clarinete
y los Henry Cow Chris Cuttler en batería y Fred Frith en guitarra se
presenta en segundo trabajo de la agrupación que continúa ensayando
la posibilidad de mostrar personalidad propia a través del
eclecticismo. Parte de estos temas podrán recordar a Univers Zero o
a Henry Cow pero invariablemente Hollander se las arregla para poner
bien visible su sello. Dosis medidas de improvisación, aportes
musicales humorísticos que evitan en general las atmósferas tétricas
tan frecuentes en la Nouvelle Music Belga, rítmicas orientales, rock
& roll violento y hasta tango se incorporan con naturalidad al
rompecabezas musical de la banda y conforman uno de los discos
imprescindibles de la escena. |
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UNIVERS ZERO
por HL
Difícil es detectar la presencia de un líder en esta banda con
tantos músicos talentosos. Sin embargo es Daniel Denis el único
miembro que ha permanecido estable a lo largo de los años y el único
en haber participado en todas las grabaciones registrando la autoría
de la mayor parte del material.
En años recientes UZ ha retornado a la actividad publicando nuevo
material. En 1999 fue The Hard Quest, en el 2001 Crawling Wind, en
el 2002con Rhythmix y luego con Implosion, un álbum en el que la
banda de Daniel Denis demuestra su vigencia.
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UNIVERS ZERO
1313, 1978.
Con influencias que van desde Magma a Soft Machine por el lado del
rock, de Stravisky al poco conocido autor belga Albert Huysbrechs
por el lado de la composición contemporánea e incorporando elementos
del free jazz, fusión y música medieval, según sus propias
declaraciones, los miembros de UZ hacen converger todo este
contenido en su obra debut 1313. Lejos de lo que puede reconocerse
habitualmente como rock en lo que a términos estéticos se refiere,
se acuna el término rock de cámara para intentar clasificar su
música. La elección de los instrumentos pasa fundamentalmente por lo
acústico pero esto no es un impedimento para que la banda exhiba
enorme intensidad e incluso momentos de agresividad en su obra. Las
intricadas armonías cono un muy esmerado trabajo entre los
integrantes es un sello característico de la agrupación, ya presente
en este álbum. Michel Berckmans en fagot, Daniel Denis en percusión,
Marcel Dufrane en el violín, Patrick Hanappier violín, viola, cello,
Emmanuel Nicaise en harmonio y spinetta y Roger Trigaux en guitarra.
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UNIVERS ZERO
Heresie, 1979.
La tapa del álbum es tan oscura como la música que contiene. Una
foto en blanco y negro muestra a uno de los miembros en silla de
ruedas rodeado del resto, con ropaje y anteojos negros. Solo tres
temas. “Lafaux” de Denis, con mas de 25 minutos de ondulantes,
entrelazadas y complejas armonías, “Vous le Saurez en Temps Voulu”,
de Trigaux , verdadero catalogo de climas que engloban desde una
sobria parsimonia a una taciturna tenebrosidad y el cinematográfico
relato musical de “Jack The Ripper” de ambos autores, con pasajes en
los que la música renuncia al blanco y negro preponderante y
conquista el color... rojo sanguinolento, por supuesto. La pregunta
que muchos se hacen ya al escuchar los primeros compases es: ¿Se
trata de rock? Más aun: ¿Se trata de rock progresivo?. Que es lo que
empalma a esta música con el rock. Ciertamente no la actitud, al
menos no la mas generalizada en estos tiempos. Mientras la mayor
parte de los músicos del progresivo migran hacia terrenos mas
fructíferos en lo económico, Univers Zero se auto condena a ser
escuchado solo por algún sector inquieto y explorador de nuevas
corrientes. El haber participado de un movimiento llamado Rock en
Oposición. Justamente este movimiento reúne a varias bandas de las
que puede hacerse el mismo planteo. Repasando el historial del
personal que interviene se observa que no han tenido educación
clásica y si un pasado ligado al rock, aunque siempre en la avanzada
del mismo. Probablemente solo una fracción del publico del rock
progresivo, no conforme con los rumbos de la música digitada desde
de las discográficas, encontró en UZ lo que necesitaba escuchar. Mas
emparentados entonces con la composición contemporánea que con el
rock, despojados de electricidad y con instrumentación absolutamente
inusual para el rock, se erigen en una de las reservas creativas de
finales de los 70s. Participan Michel Berkmans en oboe y fagot,
Daniel Denis en batería y percusión, Patrick Hanapier en violín y
viola, Guy Segers en bajo y voz, Roger Trigaux en guitarra, piano,
órgano y armonio. Luego de realizar este trabajo Trigaux se aleja
para dedicarse a su proyecto personal, Present.
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UNIVERS ZERO
Ceux Du Dehors, 1981.
Una colección de registros efectuados en 1980 y 1981 que muestra a
la banda en un amplio margen de trabajos que comprende temas como
Dense, que abre el álbum, con un claro testimonio de como la
accesibilidad al oído promedio puede compatibilizarse con la
complejidad compositiva, hasta improvisaciones colectivas como La
Musique D'Erch Zann inspirada en una historia de H.P.Lovercraft. En
temas como La Corne du Bois des Pendus vuelven a esas obras sombrías
y sinuosas que les son tan características. Un disco descollante en
el que UZ muestra destellos de su costado mas luminoso, conservando
su estilo punzante. Michel Berkmans en oboe, corno y fagot, Daniel
Denis en batería y percusión, Patrick Hanapier en violín y viola,
Guy Segers en bajo, clarinete y voz, Andy Kirk en armonio, piano,
órgano, mellotron. Invitados como Thierry Zaboitzeff en cello , Jean
Luc Aime en violín entre otros.
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UNIVERS ZERO
Crawling Wind, 1982-1984.
Previo al periodo de transición entre el Rock de Cámara más puro y
las incursiones electrónicas, se registró este material que en su
momento fue publicado en Japón en formato EP. La edición en CD de
Cuneiform del año 2001, con dos temas adicionales, nos permite
actualmente disfrutar de la banda en uno de sus mejores periodos. |
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UNIVERS ZERO
Uzed, 1984.
De la formación original participan en bajista Genet que retorna a
la agrupación y por supuesto Daniel Denis, autor de todas las
composiciones, encargándose del sintetizador además de su
tradicional rol en batería y percusión. Existen opiniones diversas
sobre los resultados de este álbum en que introducen una transición
entre lo acústico y lo eléctrico. Es sin duda un álbum bien logrado
como toda la obra de UZ. Sin embargo puede acotarse que si uno
disfrutó de la oscuridad, las armonías espinosas y la energía
provocadora de los anteriores álbumes, encontrará referencias en
Presage, el tema que abre el disco y muy pocas veces a lo largo de
toda la obra, posiblemente en Parade, el cuarto tema. Intervienen
Michel Delory en guitarra, Dirk Descheemaeker en clarinete y saxo,
Andre Mergen en cello, saxo y voz y Jean-Luc Plouvier en teclados y
percusión. |
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ETRON FOU LELOUBLAN
por HL
Representan la vertiente francesa del R.I.O., con seis trabajos
discográficos en su haber.
Guigou Chenevier ha continuado sus actividades en la estupenda banda
francesa Volapük.
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ETRON FOU LELOUBLAN
Batelanges 1977
Participan Ferdinand Richard en cuerdas y voces, Chris Charnet en
vientos, Guigou "Samba Scout" Chenevier en percusión y la
colaboración de Eulalie Ruynat en voz. La música de EFL es
absolutamente desconcertante. Preciosas melodías se alternan con
pasajes circenses, fuerte presencia de las percusiones,
instrumentación algo despojada, voces de perturbado dramatismo que
sin embargo no eluden propuestas humorísticas, siempre con
descontrolado histrionismo, buenas dosis de improvisación y aportes
del avant garde y el klezmer que se alternan en frecuentes cambios
rítmicos. Un debut magistral en el que EFL no renuncia al rock sino
que modifica sus formas habituales.
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ETRON FOU LELOUBLAN
Les 3 fous Perdegagnent,
1978
Con cambios en la formación. Francis Grand en vientos, citar y voz,
Guigou Chenevier en batería y percusión y Ferdinand Richard en bajo
y voz y la colaboración de Pierre Grasset en la guitarra, desarrolla
una obra menos extravagante y más cercana a los cánones del rock
progresivo sin caer en ningún momento en lo vanamente convencional.
Lejos de esto se trata de una obra más contundente, con un excelente
y complejo trabajo armónico. En algunos pasajes parecen no querer
ocultar referencias al Gong, Crimson o Captain Beefhart. Las voces,
ahora menos histriónicas, conservan alguna dosis de humor y
excentricidad.
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ETRON FOU LELOUBLAN
En Direct Des Etats-Unis
d'Amerique, 1979
Se trata de un registro en vivo durante una gira por Estados Unidos.
Otra vez con cambios de formación, ingresa Bernard Mathieu en los
vientos en lugar de Francis Grand se registra material de los
primeros discos y también inéditos. |
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ETRON FOU LELOUBLAN
Les Poumons Gonfles, 1982
Do incorporaciones en la banda: Jo Trillón en teclados, trompeta y
voz y nada menos que el productor del álbum, Fred Frith en violín y
guitarra. Este hiato de tres años no enfrió el progreso musical de
la banda que nos muestra ahora una aún mayor complejidad compositiva
desarrollada con enorme soltura por el ahora mas numeroso equipo.
Trillón hace notar su presencia ocupando parte del protagonismo con
su peculiar manera de tocar el órgano. Otro de los puntos altos en
la carrera de la banda.
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ETRON FOU LELOUBLAN
Les Sillons De La Terre,
1984
La incorporación en esta ocasión es Bruno Meller, quien ocupa el
lugar de Mathieu en los vientos. La banda suena más poderosa que
nunca, con percusiones machacantes muy al frente como en sus
primeros trabajos aunque con una labor armónica menos compleja y
cambios rítmicos menos recurrentes. Algunos pasajes demasiado
pegados a los convencionalismos de la fusión jazz rock enfrían la
obra que sin embargo sigue siendo atractiva.
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ETRON FOU LELOUBLAN
Face Aux Elements
Dechaines, 1985.
Para la despedida discográfica, el ahora nuevamente trío (Ferdinand
Richard, Jo Trillón y Guigou Chenevier) vuelven a convocar al ex
Henry Cow, Fred Frith para la producción. Para esta época casi nada
del humor de los primeros tiempos está presente. Más bien se trata
de una obra sombría y circunspecta, seguramente reflejo de las
nuevas ambiciones musicales de sus miembros. Tal vez la propuesta
pierda algo de originalidad, recordando en partes a algunos trabajos
de Univers Zero, Henry Cow o Art Zoyd. Sin embargo deja la impresión
final de una banda que conserva poder creativo hasta sus últimos
momentos, algo desafortunadamente poco frecuente en la historia del
rock progresivo
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ETRON FOU LELOUBLAN
Etron Fou Leloublan : 43
Songs, 1991.
Edición en 3 CDs de Musea que contiene la totalidad de los temas de
Batelanges, Les 3 fous Perdegagnent, Les Poumons Gonfles, Les
Sillons De La Terre y Face Aux Elements Dechaines.
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SAMLA MAMMAS MANNA
(ZAMLA MAMMAZ MANNA – VON
ZAMLA)
por HL
Los representantes suecos del R.I.O.. Quienes suponen que el
movimiento es en realidad un estilo musical suelen sostener que SMM
no parece R.I.O.. A no dudarlo, las sucesivas encarnaciones de SMM,
con sus matices, constituyen uno de los mejores ejemplos del rock
progresivo.
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SAMLA MAMMAS MANNA
Samla Mammas Manna, 1971.
Grabado en un estudio llamado The Chicken House, tal como se puede
sospechar, un viejo criadero de pollos, este maravilloso álbum nos
muestra a SMM en un trabajo con constantes referencias humorísticas,
de corte principalmente circense entre las que asoman la fusión jazz
rock y el folk nórdico. De entrada podemos apreciar que estamos ante
notables instrumentistas que dejan la impresión de estar disfrutando
enormemente de lo que hacen. La música es tan atrapante, luminosa y
entretenida que uno hace caso omiso a la irregular calidad de
grabación de algunos de los temas. Todavía no se había incorporado
el guitarrista Coste Apetrea a la banda que contaba con la siguiente
formación: Hans Bruniusson en batería y percusión, Lars Hollmer
órgano y piano,
Lars Krantz en bajo y Bebben Oberg en percusión, quien se aleja de
la agrupación luego de grabar el álbum.
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SAMLA MAMMAS MANNA
Maltid, 1973.
La incorporación de Coste Apetrea coincide con un notable desarrollo
y expansión del universo sonoro de la banda. Conservan la grata
combinación de folk, fusión y exquisito humor, pero suman mayor
complejidad a los temas que se hacen más largos y permiten exponer
aún más el virtuosismo de estos músicos. Bruniusson incorpora todo
tipo de percusiones imaginables, Hollmer incorpora un mellotron y
conforma uan extraordinaria dupla con Apetrea, que es indudablemente
un guitarrista que pertenece a la primerísima línea. Asoman más
claramente referencias a Zappa y para ser descriptivo el espectro
sonoro abarca incluso pasajes que se acercan al kraut y al rock
progresivo sinfónico.
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SAMLA MAMMAS MANNA
Klossa Knapitatet, 1974.
SMM sigue creciendo Durante el año que media entre estas dos
producciones discográficas han tocado muchas veces en publico, han
salido de gira y desarrollado su capacidad de composición espontánea
y colectiva. Tal es la manera en que ellos se refieren a su metódica
de trabajo creativo. Los temas obviamente son firmados en nombre de
toda la banda y demuestran una profundización de lo ya demostrado en
Maltid. En ningún momento pierden frescura a pesar de la
incrementada complejidad. Para muchos se trata del mejor trabajo de
la agrupación.
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SAMLA MAMMAS MANNA
Snorungarnas Symfoni,
1976
Se trata en realidad de una colaboración en la que el compositor
norteamericano residente en Suecia Gregory Fitzpatrick actúa como
compositor y arreglador de todos los temas.
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SAMLA MAMMAS MANNA
Schlagerns Mystik/För
Äldre Nybegynnare, 1977
Con el alejamiento de Coste Apetrea y el ingreso de un nuevo
guitarrista, Eino Haapala el nombre de la banda sufre una pequeña
mutación. Se llaman Zamla Mammaz Manna. Ya han establecido contacto
con Chris Cuttler. Para ese entonces la agrupación estaba muy
interesada en explorar la improvisación y es por este motivo que
esta es la metodica de trabajo que emplean en För Äldre Nybegynnare
(algo así como “Para Principiantes Mayores”). Probablemente por lo
dificultosa que se suponía la audición de esta obra es que se edita
como doble vinilo, complementado con Schlagerns Mystik (Misterio de
la Música Popular), una obra más llana, pero a la vez más cercana a
lo que venían desarrollando en sus discos anteriores, aunque en un
formato más inclinado a las canciones de melodías más simples, entre
las que entre el habitual buen humor asoma una cierta melancolía.
Como dato curioso, la carátula de la edición original en vinilo
tenía una línea punteada y venía provista de unas tijeras para poder
separar y desechar För Äldre Nybegynnare. Una muestra más del
excelente humor de estos músicos.
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SAMLA MAMMAS MANNA
Familjesprickor, 1980
Último episodio de la existencia de ZMM. Han girado por Europa como
integrantes del R.I.O y ha pasado bastante tiempo desde el último
disco. Ahora es Hans Bruniusson (curiosamente más conocido por sus
batante posteriores colaboraciones con The Flower Kinas) quién se
aleja. Los cambios en la banda probablemente sean el origen del
nombre del álbum (algo así como “Ruptura Familiar”). Es reemplazado
por Vilgot Hansson. Como ellos mismos reconocen, la música que hacen
no es tan optimista y divertida como antes, pero siendo casi
totalmente instrumental, se trata de otra obra altamente
recomendable.
A partir de 1982 cambian nuevamente su nombre. Ahora se hacen llamar
Von Zamla. El núcleo se integra con el tecladista Lars Hollmer y el
guitarrista Eino Haapala. Editan Zamlaranamma en 1982 con Jan Garret
en el bajo y Denis Brely en vientos y No Make Up! En 1984 con Michel
Berckmans de Univers Zero. La música conserva la esencia de SMM,
pero hay notorias influencias de Henry Cow y Univers Zero. La
calidad conserva la excelencia de siempre. En 1999 la reunión con
Coste Apetrea deja como legado el álbum Kaka, editado bajo el nombre
originario de SMM.
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ART ZOYD
por HL
Si bien estos franceses enrolados en el Rock de Cámara graban su
primer álbum en 1976, la gestación de la banda se remonta a
principios de los 70s con una banda llamada Arzoide que sienta las
bases sobre la que se desarrolla con posterioridad el estilo de la
agrupación. Ingresan al movimiento R.I.O. junto a los belgas de
Aqsak Maboul.
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ART ZOYD
Symphonie Pour Le Joir Où
Brûleront Les Cités, 1976
Participan Patricia Dallio en piano, Daniel Denis en percusión,
Alain Eckert en guitarra, Gerard Hourbette en violín y viola, Jean
Pierre Soarez en trompeta y Thierry Zaboitzeff en cello y bajo. Como
ya nos ha ocurrido con otras bndas comentadas es una tarea difícil
la de sostener que el contenido de este álbum es catalogable como
rock, más allá de que la instrumentación es predominantemente
acústica. Solo escudriñando trabajos previos de estos músicos, tal
vez en alguna obra de Zappa y seguramente en algún pasaje de Henry
Cow o Magma podamos encontrar alguna equivalencia. Más cerca de
Bartok y Stravisky que de cualquier manifestación roquera, solo
algunas estructuras rítmicas ocasionales y aportes de guitarra de
Eckert traen sonoridades que suenen confortables a quienes
acostumbramos a escuchar rock. El resto es una maravillosa
exploración por músicas extrañas, tétricas y oscuras en general pero
que dan luz a un género como el de la música progresiva que
comenzaba a flaquear en otras de sus vertientes.
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ART ZOYD
Musique Pour L'Odyssée,
1979
Tres años tarda la agrupación en publicar otra obra Gérard
Hourbette, Thierry Zaboïtzeff y Jean-Pierre Soarez continúan
trabajando con Daniel Denis y se les suma otro Univers Zero, Michel
Berckmans en oboe y clarinete, Michel Thomas en saxo y Frank Cardon
en un segundo violín. No están aquí las guitarras que conservaban
alguna remembranza roquera. Las atmósferas de características
definidas como cinematográficas (secuencias épicas, sonoridades y
percusiones tribales) suman a la banda un nuevo perfil que
desarrollaran con el tiempo. Probablemente no alcance el nivel del
álbum debut pero aún así es, sin duda, un clásico de la escena.
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ART ZOYD
Génération Sans Futur,
1980
En 1980 salió al mercado subterráneo "Generation Sans Futur". En
este álbum aparecen los primeros pasos para la electrificación de
Art Zoyd. La participación de Zaboitzeff en la composición
complementando a Hourbette, fue el inicio de esta dualidad
compositora que sería el nuevo núcleo creador de la música de Zoyd.
Los temas se tornaron más enérgicos y él título del disco sirve de
arenga para su nuevo estilo. "Generation Sans Futur" es un paso
adelante para la agrupación.
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ART ZOYD
En Phase IV, 1982
Sin Patricia Dallio se
vuelcan a a un sonido más fácilmente asequible. La tecladista
regresa para el álbum siguiente Les Espaces Inquiets de 1983, con
mayor participación de la instrumentación electrónica. Le Marriage
Du Ciel Et De L'enfer de 1984, sin la participación de Jean-Pierre
Soarez y está conformado por la música compuesta para una obra de
ballet. Art Zoyd ha continuado su actividad a lo largo de los años
con una extensa discografía y la calidad de siempre: Berlín (87),
Nosferatu (90), Marathonnerre I (93) Marathonnerre II (93), Faust
(95), Häxan (97), Metropolis (00), Ubique (01), Expériences de Vol
(02). |
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