Aera
Humanum Est, 1974

Por René Osnaya

Este grupo de Bavaria hace un rock-jazz muy particular pues cada instrumento tiene una línea muy bien definida y libre. Se da mucho espacio a la guitarra , al sax y a la flauta, la parte rítmica es muy consistente, el bajo marca muy bien su línea y la batería apoya y adorna las improvisaciones. Se pudiera decir que es un grupo que hace temas improvisando sobre un concepto musical dándole mucha frescura y soltura a las interpretaciones. Pudiera también decirse que se sienten algunos elementos folk adicionados a algunos temas..

Aera
Hand Und Fuss 1976

Por René Osnaya

Este álbum tiene una tendencia hacia la música árabe y evoca también un sonido mediterráneo que en ocasiones pudiera ser que recuerde al grupo italiano Area,. Los espacios de guitarra son más rockeros y fuertes mientras los momentos de sax y oboe son los que dan ese sabor mediterráneo. El violín también acentúa el aire folk y da un respiro a la textura. Las composiciones son más arregladas que el álbum anterior y se escucha que se siguen los temas con mayor formalidad pero sin dejar la improvisación. El toque del baterista es diferente pues el anterior tenía un toque más suave y adornado mientras que Schmidt suena un poco más fuerte haciendo que las piezas pierdan un poco el toque adornado que se escucha en 'Humanum Est'. Se pudiera decir que este álbum contiene más elementos rock que su predecesor.
Las piezas que destacan más son 'Mecheluind' de 9:24 min y 'Elephen Elephants ' de 8:40 min. En esta última se simula el andar del elefante con un ritmo pesado , las líneas de sax flauta y violín enriquecen maravillosamente la textura de la pieza, también es interesante el solo de batería incluido y la finalización de la pieza en un magnífico sinfonismo marcado por el oboe y terminado por líneas sutiles de violín. Quizás este disco sea el mejor del grupo por la consistencia en sus piezas, los arreglos tan elaborados y magnífica interpretación.

Aera

Türkis,79

Por René Osnaya

Por Rená Osnaya: Este álbum suena un tanto 'funky' y con mayor intervención de percusiones. El concepto musical ha cambiado pero no de manera substancial, hay intervención de teclados y mayor presencia de elementos de percusión. Este álbum es de muy buena calidad pero no llega a la altura de sus predecesores, se ha perdido la frescura y la improvisación características de su concepto musical. Así mismo las interpretaciones bajaron de nivel y haciendo que la expresividad musical y la emoción sean mínimas.

Aera
Live, 79

Por René Osnaya

Este álbum se graba del 22 al 26 de noviembre de 1979. Este es un magnífico trabajo que rompe totalmente con el concepto musical de los primeros álbumes. El disco abre con 'Scream Your Horizon' que es una pieza rock con toques blues. Esto no se había escuchado en ninguno de sus álbumes. La guitarra hace riffs pesados y la base rítmica en ocasiones jazzea. Hay un órgano que es muy bien interpretado El álbum se escucha fresco y con mucha improvisación y hay vocales. Este álbum es muy interesante pues las composiciones en su mayoría son de Freddy Setz quien toca el órgano y tiene un concepto musical mucho muy diferente y orientado más hacia el rock y la música experimental. Este es un muy buen disco y tal vez el grupo no debió haberse llamado Aera. Cuando se escucha este álbum hay que poner atención a las líneas de órgano.

Agitation Free
Malesch (72)

Agitation Free
Second (73)

Agitation Free

Last (77)

Por HLT

En 1965 Lutz "Lüül" Ulbrich y Christoph Franke (más tarde en Tangerine Dream) forman la banda de covers The Tigers (luego The Sentries). Para 1967 la formación es la siguiente: Chris Franke en batería, Michael "Fame" Günther en bajo, Lutz Ulbrich y Lutz "Ludwig" Kramer en guitarras con la breve participación de Michael Duwe en la voz . Escuchar a Pink Floyd modifica su forma de encarar la musica. Durante 1968 tocan frecuentemente en el Beautiful Baloon y el Zodiac junto a Tangerine Dream y Cluster y ya adquieren el nombre de Agitation Free. Para 1969 se contactan con Thomas Kessler Director and profesor del "Beat Studio" en Berlín y mentor de la escuela berlinesa de Elektronischen Rockmusk que involucraría también a bandas como Tangerine Dream y Ash Ra Temple, la banda a la que se sienten más cercanos. En las presentaciones utilizan proyecciones de diapositivas y filmaciones junto a una llamativa iluminación. Para 1970 las bandas contemporáneas están grabando pero este no es el caso de Agitation Free, Franke se va con Tangerine Dream reeplazado por Burghard Rausch que sería el baterista que grabaría en los álbumes, ingresa Jörg "Joshi" Schwenke en guitarra. En 1971 ingresa Michael "Höni" Hoenig el tecladista definitivo, que luego participaría en Tangerine Dream, Eruption y Ash Ra Temple. Mientras sufrían cambios de miembros y el núcleo seguía bajo la atenta supervisión de Kessler los estudios de composición, armonía y ritmo, y luego de girar por ciudades como El Cairo, Alejandría, Libano o Beirut llega el momento de grabar un demo en la Music Factory y pronto entran al Audio-Tonstudio a producir el primer álbum "Malesh". La gira por medio oriente deja una huella notable en este primer disco donde abundan los ritmos orientales que se intercalan entre las secuencias ondulantes de dos guitarras que se abrazan y se separan mientras tercian los teclados. Los temas reflejan diferentes intensidades pero nunca son violentos, y jamás reposados, hay espacio también para la experimentación electrónica en esta verdadera joya del krautrock. Para el siguiente álbum "Second" de 1973 Stefan Diez reemplaza a Schwenke en guitarra. El entendimiento entre Diez y Ulbrich en el duelo de guitarras es perfecto pero esta sociedad duraría poco tiempo. El álbum es algo más homogéneo que el anterior. Agitation Free logra un equilibrio entre la energía y la melodía, entre los sonidos electrónicos y los acústicos. Comienza con First Communication, un tema con improvisaciones de guitarra poco o nada distorsionada sobre una rítmica cambiante pero siempre delicada y algún aporte de teclados. El sonido electrónico pasa a primer plano en el segundo tema también improvisado (Dialogue &Random), para dar paso al magnífico pero breve Laila, part 1 donde la guitarra aparece con ese sonido un poquito más "podrido" típico de muchos grupos alemanes. Dos guitarras se acompañan y se antagonizan de a momentos en Laila, part 2. El disco continúa con la misma linea, con un mayor aporte de los teclados en los siguientes temas, para culminar en un temazo de tono psicodélico ácido y oscuro, Haunted Island con letra de Edgar Allan Poe, casi recitada sobre un mellotron que deja entrar el duelo de guitarras a ritmo contenido. Luego la banda se sumerge en una serie de discusiones sobre la orientación a seguir Burghard es reeplazado por Harald Großkopf (luego en Wallestein)and Hoening por Manfred Opitz, sumandose el saxofonista de Os Mundi Klaus Henrichs. En 1975 se separan. Quedan tres grabaciones de 1974 "Last", "At the Cliffs of to Rivet Rhine" y "Fragments" con material en vivo y algunas composiciones no editadas. En 1999 luego de reunirse para un cumpleaños de Ulbrich editan una álbum llamado "River Of Return".

Amenophis
Amenophis 1977

Por Roberto Serrano

Amon Düül

Por HLT

En 1967 aparece en Munich una comunidad nucleada alrededor de la música pero con actividad de orientación anarquista. El nombre de Amon Duul surge de la combinación de una deidad egipcia del Sol y de un personaje de ficción turca cuyo nombre deriva de la palabra Luna. La tendencia musical giraba alrededor de la experimentación y la improvisación libre. Para 1968 parte de los miembros encaran otro proyecto al que denominaran Amon Duul II, conservando el otro núcleo el nombre aunque para diferenciarlo habitualmente se lo denomine Amon Duul 1. Este grupo primigenio produjo originariamente cuatro álbumes con la formación de Peter Leopold, Ullrich Leopold, Rainer Bauer, Ella Bauer, Uschi Obermaier, Helge Filanda y Angelica Filanda. Los tres primeros aparentemente son producidos en la misma sesión de grabación en 1968, inmediatamente luego de la separación: "Psychedelic Underground" (69), "Collapsing" (69) y Disaster (71) todos editados bajo el sello Metronome y Paradieswaerts Duul más orientado al folk rock y editado por Ohr en 1970. Decir que Amon Duul II es menos extravagante no debe hacernos pensar que estamos ante una banda convencional. Lejos de ello el otro proyecto se desarrolla en torno a una música de atmósfera alucinógena, casi siempre intensa y oscura. El primer álbum "Phallus Dei" (69), cantado en un dialecto germánico antiguo es uno de los momentos más interesantes del Krautrock, intensos cambios rítmicos, sonido sucio, pasajes oníricos, desconcertantes voces a veces operísticas, descarriados solos de guitarra, percusiones orientales complementan uno de los discos más oscuros de la historia de la psicodelia y del rock progresivo El tema que da nombre al álbum es un enloquecido viaje de más de 20 minutos. Intervienen Dieter Serfas en batería y cimbalos eléctricos Peter Leopold (de AD I) en batería, percusión, piano, Shrat en bongoes, voces, violín, Renate Knaup: voz, pandereta, John Weinzierl en guitarra, saxo, voz, Folk Rogner en teclados, Dave Anderson (de USA) en bajo, Holger Trulzch en tambores turcos y Christian Borchard: vibráfono. Para el vinilo doble "Yeti" (70) se suma quién será uno de los principales protagonistas de la banda, Chris Karrer en guitarra, violín y saxo más algunos invitados en diferentes instrumentos. El sonido se hace algo más limpio y orientado hacia lo progresivo, aunque permanecen todas las características del primer álbum. Probablemente más accesible nos es de ninguna manera convencional y cuenta con prolongadas sesiones de improvisación en donde se encuentra la pista de Saucerful of Secrets de Pink Floyd. En la misma línea editan "Tanz der Lemminge" (71) con Lothar Meid en lugar de Dave Anderson quien pasa a Hawkwind con quienes graba "In Search of Space" y luego forma un efímero grupo llamado Amon Din. Si bien se las arreglan para combinar los mismos elementos sin repetirse, se nota una mayor accesibilidad a su música y la revista británica Melody Maker dice de ellos que son la primera banda alemana que contribuye a la escena internacional (?). Posteriormente editan "Carnival in Babilon"(72) y sin Leopold "Wolf City" (73) En 1974 nuevamente con Leopold graban "Vive La Trance" en el que su música es mas asimilable al mainstream con una enorme elegancia instrumental aunque ya sin el clima anárquico de los momentos gloriosos. Hay pasajes muy interesantes como en "Im Krater Bluhm Wieder Die Baume" que aunque de estructura sencilla agrada por presentar la estructura tan típica del kraut de órgano y guitarra o en "Mozambique" donde nos muestran un poco de su caótica energía. el VCS3 es importante protagonista en muchos de los temas aportando un clima espacial Duran hasta 1979 y generan reencarnaciones como Amon Duul III durante una gira con Hawkwind en 1986 o Amon Duul UK en una unión con Robert Calvert, poeta de la sicodelia londinense en los 60s y colaborador años antes justamente con Hawkwind.

Amon Düül

Psychedelic Underground (69)

Amon Düül
Collapsing (69)
 

Amon Düül
Para-Dieswarts (70)

Amon Düül

Disaster (71)

Amon Düül II
Phallus Dei (69)
 

Amon Düül II

Yeti (70)

Amon Düül II

Dance of the Lemmings (71)
 

Amon Düül II

Carnival in Babylon (72)
 

Amon Düül II

Carnival in Babylon (72)
 

Amon Düül II

Vive La Trance (73)
 

Amon Düül II

Hijack (74)
 

Amon Düül II

Lemmingmania (75)
 

Amon Düül II

Made In Germany (76)
 

Amon Düül II

Live In London (73)
 

Amon Düül II

Pyragony X (76)
 

Amon Düül II

Almost Alive (77)
 

Amon Düül II

Only Human (78)
 

Amon Düül II

Vortex (81)
 

Amon Düül II

BBC Live In Concert (92
 

Amon Düül II

Kobe (Reconstructions) (96,
 

Amon Düül II

Eternal Flashback (96,

Amos Key
Amos Key , 1973

Por HLT

Amos Key es otra de las tantas bandas alemanas que ha logrado poca trascendencia. Registraron un solo álbum en 1973 y realmente se sabe muy poco o nada del historial previo o posterior de sus miembros. Con una formación de bajo, batería y teclados (fundamentalmente órgano) desarrollan un estilo que puede recordar a The Nice y Ekseption. El álbum está dedicado a Bach, Beethoven y Schumann y es notable y esperable que las referencias a estos músicos clásicos se sucedan a lo largo de los 9 temas del disco. Sitien es cierto que parecen algunos momentos en los que asoman las sonoridades más penetrantes, que habitualmente consideramos propias del kraut, el sonido del álbum se inclina más definidamente por el costado sinfónico, la exposición de melodías y hasta algún atisbo pop que lo hace sonar como algo casi superado para esos tiempos superado. De a momentos se emparientan con sus compatriotas de Triumvirat, aunque en mi opinión no alcanzan su nivel. Editado originalmente por Spiegelei, la reedición en CD corre por cuenta de Germanofon en 1994.
Temas:
Shoebread 
Ensterknickstimmstamm 
Knecht Ruprecht 
Sometimes 
Got The Feelin 
Escape 
Important Matter 
Dragon`S Walk 
First Key

Annexus Quam
Osmose (70)

Por HLT

Osmose es un disco realmente maravilloso, con todos los elementos que saben degustar los amantes del Krautrock, pero partiendo de una base jazzera más que blusera (no totalmente ausente) o tecno. Psicodelia, imprescindibles guitarras disonantes, sonidos cómico-biológicos (no en vano el nombre del álbum), vientos que acompañados de mucho platillo y ocasional piano acústico dan terminan de darle el toque jazzero. Pero no confundir, es un disco de psicodelia progresiva típico de la Alemania de la época, uno de los mejores, en mi opinión. Original de Ohr. Reeditado por Spalax en 1995 con toda la info, lamentablemente, en alemán.
 

Annexus Quam

Beziehungen (72)

Ash Ra Tempel
Ash Ra Tempel (71)

Por Cásar Inca

El primer disco de Ash Ra Tempel, una de las bandas más emblemáticas y agresivas de la onda krautrock, sirve desde el punto de partida como un auténtico manifiesto de las pautas musicales a seguir por este conjunto, dirigido por el liderazgo artístico del guitarrista Manuel Gotsching (quien también hace cosas en el sintetizador). En este disco completan la banda Klaus Schulze en la batería, percusiones y sintetizador; y Hartmut Enke en el bajo. El material se reduce a dos extensos temas, ‘Amboss’ y ‘Traummaschine’. El primero consiste en una trepidante excursión agresiva y contundente, donde se combinan las influencias de la psicodelia floydiana temprana, y la línea electrónica típica del academicismo germano vanguardista. La guitarra viaja por todos lados (incluyendo algunos pasajes de corte arábigo), de una manera desafiante y opresiva que me hace evocar a Hendrix, Iommi, y un poco también al lado más agresivo de Fripp; la batería es contundente y tribal, sin conceder descanso al oyente, mientras que el bajo mantiene una base firme sobre el cual pueda asentarse un poco este alucinado viaje instrumental a través de esta excursión literalmente infernal. El golpe final resulta una conclusión contundente, letal. El segundo tema es más atenuado y variado. En él se alternan largos pasajes oscuros y misteriosos de sintetizadores y generadores de audio, y otros pasajes de energía rockera, frontalmente psicodélica. De hecho, la introducción de sintetizadores tenues y distantes toma los primeros 9 minutos de los 25 que dura este tema, y la conclusión, también llena de ambientes distantes de teclados electrónicos, se prolonga a lo largo de los últimos 3. Los pasajes rockeros muestran la misma actitud que en el primer tema, pero el trabajo de producción se encargó de atenuar la estridencia de éste. En conjunto, ambos temas logran explorar exitosamente, y sin ningún atisbo de timidez, por los senderos más oscuros del delirio humano - realmente impactante, en especial si se trata de un álbum debut.

Ash Ra Tempel

Schwingungen (72)

Por HLT

Klaus Schulze se aleja por un tiempo siendo reeplazado por Wolfgang Muller. El protagonosmo recae absolutamente sobre la dupla Manuel Gottsching y Hartmut Henke. Un albúm que yiene como premisa el blues psicodélico, sin abandonar el clima cósmico que caracteriza a ART. La obra se divide en dos partes: Light and Darkness es la primera. A su vez se subdivide en un lisérgico blues con impresionante solo de guitarra llamado Light: Look and Your Sun y en un rock cósmico de sonido ondulante y desquiciado dónde se acompañan de saxo y bongoes llamado Darkness: Flowers must Die. Schwingungen ocupa el lado 2 y comienza con un tranquilo trip espacial llamado Suche que se acelera gracias a la aparición de la percusión en la última parte; culmina con Liebe, tema de reminicencias Floydianas donde se destaca el coro celestial sobre la tranquila guitarra con wah-wah 

Ash Ra Tempel

Seven Up (73)

Por HLT

Grabado en el 72, parte en Suiza y parte en los estudios de Dieter Dierks, cuenta nada menos que con la colaboración del gurú del LSD, Dr Timothy Leary, quien aporta las liricas en incluso su voz. Como es de sospecharse, se trata de un álbum sumamente ácido. Repite el esquema de dos partes, una de cada lado del vinilo. La primera, llamada "Time"con sus temas "Downtown", "Power Drive", "Ride Hand lover" y "Velvet Genes" muestra un predominio del blues y el rock & roll sicodélico. El segundo no podía tener un nombre más acertado: "Space", con sus temas "Timehip", "Neuron" y "She". Se trata por supuesto de una exploración hacia lo más recóndito del espacio ó hacía lo más profundo de la mente. Un gran momento. 

Ash Ra Tempel

Join Inn

Por HLT

La dupla Manuel Gottsching y Hartmut Henke vuelven a juntarse después de dos discos con el ex Tangerine Dream Klaus Schultze, que actúa esta vez en batería y teclados. Dos trips claramente diferentes. Uno (Freak'N'Roll) en el que funcionan casi como un "power trio". Solo casi, porque el sonido cósmico de ART no se parece en nada a lo que clásicamente retorna a nuestra memoria cuando empleamos esta denominación, ni siquiera aún considerando al primer Guru Guru en esta categoría. En este tema como su nombre inclina a pensar utilizan una base de rock, tal vez recordando los primeros tiempos de Gottsching - Henke como banda de blues. La guitarra suena de a momentos limpia, de a momentos distorsionada, pero en algunos pasajes es casi irreconocible y se puede dudar si lo que estamos escuchando es la guitarra o el sintetizador de Schultze. Debajo de la guitarra suena la impresionante base aportada por Schultze y Henke. En el segundo viaje, de casi 21 minutos, flotamos adormecidos en el espacio mientras escuchamos la tranquilizadora voz de Rosi recitándonos al oido. Aquí la guitarra, por efecto de la reverberancia y varios efectos no suena como suele hacerlo y mientras Henke se encarga de marcar una pausada rítmica, Shultze luego de apearse de la batería, acompaña con sus teclados. De a momentos se asemeja a una amalgama del Tangerine de Phaedra y Frippertronics. Maravilloso (para fanáticos del rock cósmico).

Ash Ra Tempel

Starring Rosi (73)

Por HLT

El aparente protagonismo de Rosi parece ser solo formal, pues Manuel Gottsching no puede dejar de ser el eje de la banda. En este álbum los temas se acortan y tienen una duración que oscila entre los 2 y los 8 minutos. El tema con el que abren "Laughter Loving" es lo más pop que han hecho hasta el momento. En "Day Dream" Rosi y Manuel cantan a dúo sobre los secretos del Universo sobre los acordes de guitarra acústica de un psicoblues en el que no falta el solo de guitarra eléctrica. "Schizo" es un trip narcótico que sorprende por su brevedad menor a tres minutos y que recuerda lejanamente a pasajes de "Echoes" de Pink Floyd. "Cosmic Tango" tiene un sonido funky con guitarra con wah-wah y jadeos sexicósmicos de Rosi. En "Interplay of Forces" parecen retomar la fórmula de trip espacial con voz susurrada de Rosi, pero de repente la sección rímica gana espacio incorporando congas, el infaltable solo está lejos de los mejores momentos de Gottsching. "The Fairy Dance" es una excelente amalgama entre los sonidos cósmicos y los arpegios de guitarra acústica y uno de los mejores momentos del álbum. Cierre con indisimulable intención funky en "Bring Me Up". ART nos muestra otra faceta que abarca parte de los nuevos intereses de Manuel Gottsching, pero los resultados no parecen ser del todo felices. Tal vez deberían haber esperado un poco más para este cambio.

Ash Ra Tempel

Inventions for Electric Guitar (75)

Por HLT

Cuando parecía que todo se terminaba, aparece lo mejor. Nuevo giro estilístico de Manuel Gottsching, que se desprende de los miembros acompañantes y emprende una obra en solitario, tratando de demostrar lo que puede hacer con una guitarra en sus manos y un estudio de gabación disponible. Con cierta ampulosidad habla de invenciones, no de composiciones, pero lo realmente importante es que los resultados son realmente interesantes. En "Echo Waves" construye el tema sobre una base rítmica en la que la guitarra suena casi como un instrumento de percusión, pequeños riffs y arpegios son distorsionados, pasados a diferentes velocidades, sometidos a cámaras de reververancia para ampliar la sonoridad del instrumento. Sobre el final una guitarra muy distorsionada pero reconocible nos recuerda que no se estan empleando teclados en este álbum. En "Quasarspere" el pedal de volumen es el protagonista. Sonidos prolongados manera de telón de fondo sobre los que se escuchan los lamentos de la guitarra. En "Pluralis" el fondo consiste en notas tan breves que pierden individualidad conformandos un sonido ondulante, recurso utilizado por Fripp en los frippertronics , al frente un riff que paulatinamente va cambiando sus notas. Uno puede centrar la atención en los sonidos de primer plano y no percibir que los fondos también van migrando. Mientras continúa este juego el tema alcanza la mitad de su extención de 21 minutos cuando los planos se comienzan a confundir y la rímtica se enlentece. Sin embargo es el punto de partida para el climax, más enérgico. con la guitarra adoptando timbres más familiares. Con un retorno a las características iniciales del tema aunque con mayor ornamentación termina este magnífico álbum. Como Kluster unos años antes, Manuel Gottsching encontró la forma de prescindir de los sintetizadores para hacer música electrónica, en un momento en que para muchos eran recurso obligado.

Brave New World
Impressions On Reading Aldous Huxley, 1972

Por HLT

¡Qué experiencia satisfactoria es descubrir bandas como esta! Impressions On Reading Aldous Huxley es un de esos álbumes que uno ya puede amar de entrada. Ya desde los primeros compases se advierte el clima de libertad creativa y el gran talento de sus integrantes. Basado en la obra de Aldous Huxley, éste LP editado en 1972 por el sello Vertigo y hasta donde se nunca reeditado en (una indudable sinrazón). Los miembros de la agrupación, originaria de Hamburgo echan mano a cuanto recurso es frecuente encontrar en el rock alemán. La psicodelia oscura, los climas oníricos, las fusiones de jazz y rock, de ritmos medievales, los aportes de electrónica, los llamados ritmos étnicos, etc., etc... Pero además dejan traslucir cuidadosas audiciones de la composición contemporánea y de la música clásica. Es de destacarse la notable búsqueda de nuevas sonoridades y la incorporación de instrumentos poco frecuentes como el corno y ¡hasta un stylophone! No faltan los rigurosos trips cósmicos y los jams alucinados que tantas bandas de kraut de este periodo han desarrollado y que de alguna manera le ponen habitualmente el sello al género. Pero los resultados de estas combinaciones en manos de BNW son siempre sorpresivos, además de efectivos y por demás placenteros. Incluso no rehuyen de explayarse en alguna melodía delicada. Los integrantes de l a agrupación provenían de bandas que ya habían hecho experiencia en la zona de Hamburgo y al perecer conformaban una suerte de “supergrupo” local. Uno de esos discos necesarios. No poseo el listado de los temas debido a que he escuchado a esta banda desde una bajada de vinilo

Can

Por HLT

Una de las bandas pioneras del rock germano. Irmin Schmidt estudió composición durante ocho años con Karlehinz Stockhausen y Luciano Berio y llegó a tocar en la Orquesta Sinfónica de Viena. Decidido a cambiar el rumbo de su música se une en 1968 a Holger Czukay también ex alumno de Stockhausen y profesor de música, el estudiante de Derecho Michael Karoli que había tenido experiencia en grupos de jazz y uno de los los representante más importantes del free jazz en Alemania, Jaki Leibezeit. Con tan impresionantes antecedentes, en 1969 editan “Monster Movie” una colección de temas que van desde la furia rockera de “Father Cannot Yell" hasta los ritmos repetitivos y machacantes del prolongado "Yoo Doo Right" , a lo largo de álbum logran transmitir una sensación de libertad creativa en un entorno predominantemente psicodélico. La formación que participó en el álbum estaba integrada por: Irmin Schmidt en teclados, Holger Czukay en bajo, Michael Karoli a cargo de la guitarra y el violín, Jaki Leibezeit en batería y el norteamericano Malcolm Mooney en la voz con su particular rítmica al cantar. Para el segundo álbum Soundtracks de 1970, con un contenido de bandas sonoras, un excéntrico estudiante de música, el japonés Damo Suzuki se acopla a Mooney en la voz, mostrando una modulación y amplitud de recursos que se articulan mejor con la complejidad creciente de la música de la banda además de regalarnos el bellísimo “She Brings the Rain”. En 1971, ya sin Mooney producen “Tago Mago” un doble vinilo que contiene probablemente lo más destacado de la obra de la banda. Presentan temas como Paperhouse” en el que desde el blues parten a explorar paisajes psicodélicos, “Mushroom” con su angustiante y repetitiva rítmica sobre la que el violín nos hace reencontrarnos con la esperanza, “Oh Yeah” y “Alleluwah” con sus sonidos ácidos y la voz de alienado de Suzuki, “Aumgn”, un prolongado trip a través del caos sonoro de la improvisación que desemboca en la inicial simpleza y los ritmos tropicales de “Peking O”, claro que este remanso converge rápidamente en una serie de extraviadas secuencias rítmicas. Nuevamente un tema angustiante y oscuro, “Bring me Cofee or Tea” para cerrar el álbum. Queda claro que el estilo de la banda está marcado por los ritmos minimales, la atmósfera psicodélica y la experimentación electrónica con algunas búsquedas étnicas. Sin cambios en la formación luego de girar por Gran Bretaña editan “Ege Bamyasi” en 1972 que presenta como aspecto novedoso la incorporación de ritmos funk y “Future Days en 1973, con predominio de temas suaves y jazzados. Ya sin Suzuki seguirán varios álbumes: Soon Over Babaluma, Landed , Unlimited edition , flow Motion, etc. Se separan en 1978. Posteriormente se aparecieron numerosas ediciones, entre ellas grabaciones previas al primer álbum (“Prehistoric Future”) y en 1999 dos cajas con material en vivo.

Can

Prehistoric Future (68)

Can

Monster Movie (69)

Can

Soundtracks (70)

Can

Tago Mago (71)

Can

Ege Bamyasi (72)

Can

Future Days (73)

Can

Limited Edition (74)
 

Can

Soon Over Babaluma (74)

Can

Landed (75)

Can

Unlimited Edition (76)
 

Can

Flow Motion (76)

Can

Opener (76)

Can

Saw Delight (77)
 

Can

Out Of Reach (78)

Can

Cannibalism (78)
 

Can

Inner Space (79)

Carol Of Harvest
Carol Of Harvest, 1978

Por René Osnaya

Este magnifico grupo es de Nuremberg. Lo que sobre sale de esta agrupación germana es la maravillosa voz de su cantante femenina, Beate Krause. El sonido de este álbum es claramente cercano al sonido sinfónico anglosajón de grupos como 'Affinitty' ó el italo-germano 'Analogy', dentro del concepto sinfónico el álbum guarda un aire de folk y las vocales son en inglés. Las líneas de teclados nos sumergen directamente al sonido sinfónico del grupo y a pesar de ser también un álbum tardío para este género los recursos sonoros son bien aprovechados y se escucha mucha frescura en sus composiciones, pues se pensaría que el registro bien pudo haberse hecho en 1972. La guitarra juega un papel muy importante en cuanto a la expresión musical pues le da mucha fuerza y una mayor presencia a los temas , principalmente en la primer pieza 'Put on Your Night Cap'. En la segunda pieza 'You and Me' se da un aire total de campiña con una guitarra acústica y la bella voz en estilo a la Renaissance. El resto del álbum va en este sentido, sinfónico y folk-pastoral. En ocasiones también se recuerda al grupo holandés 'Earth & Fire'. 

Dennis
Hyperthalamus, 1975

Por HLT

Al conocer el álbum pensé que Dennis era el nombre del líder de la agrupación, dato que creí confirmado al ver a un joven de barba con un nuño en la contratapa. Sin embargo ningún Dennis figura entre los créditos. Tiempo más tarde supe que no se trataba ni siquiera una banda estable (en realidad parece que el niño que aparece en la contratapa es un hijo del baterista Carsten Bohn, llamado justamente, Dennis). Esta constituido en realidad de los registros de una serie de jams, bastante psicodélicos por cierto, registrados durante alguna reuniones de integrantes de bandas como Tomorrow’s Gifts, Xhol, Thirsty Moon y Frumpy. A los seguidores de la escena germana, la sola mención de estos nombres debe hacerles agua la boca. Hyperthalamus, así se llamó esta colección de temas, es una pequeña serie de grabaciones en directo (aparentemente en estudio, de cualquier manera) en la que los músicos daban rienda suelta a su capacidad de improvisación. Así se suceden algunos pasajes totalmente instrumentales más jazzeros y otros inclinados al costado roquero, siempre en una atmósfera ácida, con un adecuado equilibrio de participación de los instrumentos. Toda una delicia para lo amantes de la fusión psicodélica alemana, que se ve mínimamente opacado por la escasa calidad de la grabación, al menos en la bajada d e vinilo que he tenido oportunidad de escuchar (no conozco reedición en CD). El tema prolongado tema final es de antología. Edición original por Nova en 1975
Temas:
1. Do Your Own Thing. 7´00 
2. Others Do. 4´00 
3. Already. 7´00 
4. Grey Presenthiense. 19´37

Dschinn
Dschinn, 1972

Por HLT

Se trata del único álbum de esta agrupación editado originalmente en 1972 por el sello Bacillus. Los comentarios sobre la calidad musical son bastante diversos. Mi personal impresión es que quienes disfruten del hard rock podrán encontrar interesante a esta agrupación. La voz de Peter Lorenz se encuentra lejana de cualquier virtuosismo, pero tiene una energía contagiosa que supera la limitada capacidad de su laringe. Los roles de ambas guitarras están muy marcados, con Capito liderando los pasajes instrumentales. Una base sin mayor vuelo, o solo el necesario para cumplimentar las necesidades del estilo, pero con un bajista, Silvio Verfurt que sabe para al frente cuando debe hacerlo. Puede decirse que esto es solo rock & roll, pero estos muchachos exhiben casi impúdicamente sus ganas. Eso se siente en el disco. Composiciones propias salvo un cover de “For You Love”. Reeditado por Limited Records en 1993 (esta es la edición que escuchamos), se comenta sobre la existencia de una reedición con un tema extra. Además Second Battle lo ha editado en formato vinilo de 180gr. El motivo surrealista de la portada no condice con el contenido duro del álbum.

Electric Mud
Electric Mud, 1971

Por HLT

El nombre adoptado por la banda homenajea obviamente al disco de Muddy Waters de 1968. Se comenta que Waters renegaba de este álbum, que posteriormente sería reivindicado alrededor del mundo por numerosas bandas que supieron apreciar los contenidos psicodélicos tan detestados por los puristas del género. Y como tantas otras bandas alemanas, Electric Mud ama la psicodelia. Originarios de Dusseldorf abordan en su único álbum de 1971, desde las raíces del rhythm & blues (Jimmer das alte Lied) hasta momentos de elaboración netamente progresiva (Kraussfraunenreport, Nichos zu Essen der Not) y hasta algún menor asomo a lo sinfónico. Los anima un fuerte despliegue energético, con frecuentes cambios rítmicos bien conducidos por la batería y el bajo. Toda la obra esta impregnada de esa psicodelia oscura, tan característica de los grupos germanos, en este caso fuertemente remarcada porque, afortunadamente para mi gusto, Udo Preising canta en alemán, una costumbre poco frecuentada por las bandas alemanas. Los pasajes más cercanos a lo melodioso son siempre intercalados, casi abortados, por pasajes instrumentales de mayor intensidad. Hay una notoria ausencia de sobregrabaciones, y un sonido que se siente muy en directo. Se comenta que en realidad el álbum fue grabado durante una presentación radiofónica en Dusseldorf. De esta manera somos afortunados en poder apreciar a la banda en crudo (lo hacen realmente bien), pero nos queda la sensación de pena de no poder disfrutar de material con mayor elaboración. Se habla de ellos como una banda politizada que hace explícita sus tendencias en las líricas. El álbum original de 1971 (Forderturm BL 3020) fue reeditado por el sello Lost Pipe Dreams en 1993 respetando la artesanal gráfica original tan típica del lugar y la época. Para tener en cuenta.

Epidaurus

Earthly Paradise,1977

Por César Inca

Éste es el disco debut de la banda sinfónica alemana Epidaurus. Para empezar, señalaremos que de por sí el disco cuenta con una especial peculiaridad en su contenido: la primera mitad fue grabada por la formación original del grupo, mientras que la otra mitad fue grabada cuando se habían producido algunos cambios en la alineación. Según parece, el grupo tuvo que agenciarse por su propia cuenta el trabajo de producción del disco, lo cual les tomó cierta cantidad de tiempo para completar, y resultó ser que en ese lapso tuvieron que pasar por una crisis de formación antes de que terminaran de grabar el disco. Los dos tecladistas Henne y Linke eran no solo los líderes del combo, sino también responsables de la composición del 90 % del material, por lo que no resulta extraño que sus instrumentos sean los protagonistas de la escena. Aunque ambos se dividen su rol en órgano Hammond, piano de cola, clavinet y piano eléctrico, es evidente que sus teclados favoritos (y por tanto, los más utilizados) son los sintetizadores Mini Moog, Polymoog y el mellotron. Juntos suenan más o menos como un dueto Pete Bardens-Rick Wright, embebidos por el espíritu del "Wind & Wuthering" de Genesis y el "Moon Madness" de Camel. O sea, más que una parafernalia ultrabarroca wakemaniana o un exhibicionismo multicolor emersoniano, Henne y Linke prefieren ofrecer al oyente una serie envolvente de capas y texturas sonoras de orientación más cósmica y reflexiva. Los dos primeros temas, ‘Actions and Reactions’ y ‘Silas Marner’, fueron grabados por el quinteto original. Existe en los comentarios de Internet una polarización entre quienes consideran la voz soprano de Christiana como ciertamente hermosa, y los que la consideran como un elemento discordante que estorba en vez de complementarse con el trabajo de los dos tecladistas. Yo me encuentro entre los primeros, aunque reconozco que se nota que tiene problemas para vocalizar debido a que muchas veces fuerza su propio registro vocal, afectando así su performance. Ambos temas exhiben la típica belleza estilizada del progre sinfónico, con cambios de ritmos sutiles que no se sienten forzados, pero que a decir verdad tampoco son particularmente relevantes, debido al estilo demasiado “cuadriculado” del baterista: da la impresión de que el grupo no llega a expresar toda la fuerza potencial de estos dos temas. Para la otra mitad del disco, conformada por los temas ‘Wings of the Dove’, ‘Andas’ y ‘Mitternachtstraum’, Epidaurus se redujo a un cuarteto instrumental, con Struck fungiendo como el nuevo baterista. Estos tres temas incorporan algunos toques evidentes de jazz-fusión que enriquecen su tendencia sinfónica, dotándola de un mayor colorido y una energía más efectiva. Ciertamente este cambio para mejor se debe al ingreso del nuevo baterista, armó con el bajista una dupla rítmica más animada y creativa sin dejar de ser sólida. El último instrumental vuelve de forma más realzada a la faceta más cósmica del grupo, siguiendo una línea semejante al primer Jean Michel Jarre o al Tangerine Dream del "Stratosfear", sobre una base rítmica arquitectónicamente recurrente. Resumiendo, el desempeño de los músicos es más interesante en esta segunda sección del disco, dado que los músicos tienden a soltarse más a la vez que el ensamble instrumental suena más consistente y más compenetrado. En suma, un disco bastante interesante dentro de la tradición progresiva germana, que en principio habrá de agradar especialmente a los admiradores del Eloy de la segunda mitad de los 70’s, así como a los fans de Camel y Genesis.

Epidermis
Genius of Original Force, 1977

Por Roberto Serrano