Ame Son
Catalyse (1970)
Una de las primeras cosas que llama la atención en Ame Son es una
afinidad con la primera etapa de Gong, particularmente en lo que
hace a una forma irreverente de combinar la psicodelia con la fusión
y en la forma de cantar. Esto no debe sorprender desde el momento en
que se conoce que los integrantes de esta agrupación compartieron
parte de los inicios del periplo de Daevid Allen en Francia,
participando en bandas como Les Primitiv's Expression y Bananamoon.
Sin embargo adentrándonos en la escucha del álbum, son las largas
improvisaciones a la manera de trips sicodélicos las que cobran
protagonismo, con la guitarra de Lavialle o la flauta de Garrel
alternándose en general y a veces co-liderando sobre la incansable
base. Probablemente en su búsqueda de libertad estética descuidan un
poco la prolijidad, pero sin embargo es la frescura de su música
(que no por esto deja de ser densa en algunos pasajes), la que se
resalta en toda la producción. Un año después de registrar el álbum
Ame Son se separa sin dejar otro testimonio durante los 70s.
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Ame Son
Primitive Expression (1969-71)
Este fue el segundo y al parecer último trabajo del grupo francés
Ame Son el cual recoge algunos outtakes, unreleased tracks y un demo
en Directo de 1976 -aprox- en dicho "demo" hay varios cambios de la
formación original y es cortesía del sello Spalax Music en la
reedición de 1998. En está obra de Primitive Expression podemos
notar que estos músicos fueron de los pioneros del Early Prog
francés además de combinar en forma interesante la música
Underground & Psychedelic sounds de principios de los 70 con el
Avantgarde Rock de mediano calibre. Esto da por resultado una música
algo densa y experimental a ratos..., con pasajes muy viajados y
freakys. Las vocalizaciones son en francés y alguna en inglés -sin
embargo- no cantan mucho pero tienen la sustancia de prender al
escucha cuando se oyen un tanto cuanto melancólicas, onderas y por
añadidura con un feeling especial. En este disco sobresale su
alucinado y largo tema titulado "Je Veux Juste Dire" de casi 25
minutos el cual está dividido en "6 partes" por demás efectivas y
hasta dan un pequeño espacio para ciertas improvisaciones de tinte
Avantgardista y Underground. En dicho tema se encuentra la música
más rara del disco y está densamente arropada por pasajes de
guitarras elogiables y un bajo de sonido un poco repetitivo,
cadencioso y frío... más sin embargo en algunas partes resulta
brioso; la batería es tocada en forma un tanto primitiva pero con
buen ritmo y compás aunado todo eso a una narcotizada vocalidad de
variada intensidad sin faltar tampoco algunos "toquecillos
teatrales". En "Primitive Expression" persiste una magia sonora que
nos remitirá efímeramente al grupo Can (en sus inicios) y otro tanto
nos hará evocar a los también franceses de la banda Nyl. Los sonidos
sicodélicos fluyen lisérgicamente en algunos temas para luego
desaparecer por casi por completo. Este trabajo considero que es más
profundo y confuso que su primer álbum de nombre "Catalyse" de 1970
el cual estuvo algo inspirado en el estilo de Daevid Allen y Gong.
Cabe mencionar que en los 3 primeros temas que son destacables ("Le
grand cirque de la lune" {1969}, "Hein! Quant a toi" y "Comme est
morte I´Evocation") aún estaba el flautista Francoise Garrel quien
proporcionaba los motivos más dulces y finos en la música de AS y el
que le daba el toque Prog era el guitarrista y segunda voz del grupo
Bernard Lavialle. El tema No.10 de nombre "Sweet Geogia" es el que
está vocalizado en inglés y trae la influencia de Daevid Allen bien
marcada y es una pieza de corte tipo Rock Steady muy rítmica y
entusiasta cuya autoría es de Bernard Stisi uno de los 2
guitarristas originales del grupo y el primero en abandonarlos..., y
que pertenece a la etapa del grupo Les Primitiv's -pero- que en el
arreglo de AS resultó emotiva. En las dos últimas piezas que son
"Dédoublement" y "Le Dédale" las voces vuelven a sobresalir con el
tipico acento francés teatral pero de una forma más ágil la
inflexión. En ambas las guitarras descollan en precisas armonías
creando además buenos beats, con un dejo Underground de cierta
calidad. En Le Dédale en algunos pasajes me traen cierto recuerdo de
The Doors y en especial del guitar-man Robbie Krieger cuando
fraseaba y metía pausados riffs en temas como "When the music is
over" y "The End" aunque claro sin desprenderse de su onda bien
original el guitarrista Lavialle. Pues ahora no me queda más que
hacer la invitación a quienes gusten del Rock Francés con los
estilos e incrustaciones que nombré al principio...
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Ange:
En Concert (1971)
Los shows donde se hicieron los registros de este álbum son previos
a la edición del primer disco en estudio de Ange. Parte del CD
contiene material (los primeros dos temas y el último) con la
formación que grabaría Caricatures . El sonido no es perfecto pero
es una excelente oportunidad de escuchar a la banda en sus inicios.
Decamps todavía no adopta completamente la forma de cantar tan
personal que posteriormente lo harían tan reconocible e imitado en
el rock francés. La banda parece tener una orientación más rockera y
progresiva sin que se destaquen tanto las partes vocales. Tienen
relevancia los teclados que se encuentran a cargo de los hermanos
Decamps alos que se suman aportes de guitarra y flauta, participando
de largas sesiones instrumentales, particularmente en "Atome" y
"Prophetie" de más de 17 y 22 minutos de duración respectivamente.
Sin embargo Decamps, seguramente por la elección de los temas en los
registros de meses antes se parece más al que conocemos en su
posterior producción. El CD seguramente será disfrutado por los
seguidores de la banda. Reedición en CD por Tempel, Spalax, con
horrible tapa y escasa información.
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Ange
Caricatures (1972)
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Ange
Le Cimetiere des Arlequins (1973)
Ange es el grupo que mayor popularidad logró en el ambiente del rock
francés. Sus cds se encuentran en Paris en las bateas de música
popular en lugar de en las de rock. También han ganado una gran
cantidad de retractores que le inculpan responsabilidad en la
pobreza general del rock progresivo francés. Si bien este disco no
sale de lo convencional es interesante (y me gusta). Más cercano a
la canción popular francesa (abren con un tema de Jaques Brel) que a
cualquier intento experimental, me resulta de audición agradable y
de hecho es el disco que habitualmente recomiendo a quien quiere
conocer al grupo. El protagonismo de Decamps, el cantante es
notable. Editado por Philips con nula información.
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Ange
Au-dela du delire (1974)
El tercer disco de Ange sigue por la vena teatral de inspiración
genesiana y la psicodelia inspirada en el primer King Crimson, pero
en conjunto el sonido y el ambiente resultan un poco menos
siniestros y oscuros que en el disco anterior. Aquí más bien se le
da más espacio al sinfonismo, aunque por supuesto la típica
emotividad oscura francesa sigue también presente. "Exode" y "Fils
De Lumiére" (este último, uno de los temas más emblemáticos de la
carrera de Ange) son claras muestras de la potencia rockera del
grupo, donde la guitarra de Brezovar encuentra un espacio apropiado
para su lucimiento. "Ballade Pour Une Orgie", por su parte, es una
bella y relajada canción acústica de corte bucólico, mientras que
"La Bataille De Sucre" exhibe una rica ambientación sinfónica; ambos
aspectos se fusionan en el extenso tema final que da título al
disco. La mayoría de los fans y comentaristas especializados
consideran a este disco como exponente de la cima creativa de Ange y
definitivamente se trata de un trabajo ampliamente recomendable.
Sale Biger y lo reemplaza Jean-Pierre Guichard.
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Ange
Emile Jacotey (1975)
En su cuarto disco, Ange trama de forma obvia un distanciamiento
estilístico del sinfonismo estilizadamente dramático que había
caracterizado a sus álbumes anteriores, aunque la personalidad
teatral de Christian Decamps sigue marcando la tónica histriónica de
las canciones, y el ensamble instrumental (a pesar del cambio de
baterista) suena tan bien compenetrado como siempre: cabe añadir que
la guitarra eléctrica resalta más en la mezcla, la cual exhibe en
general una producción de sonido más pulida que antes. En Émile
Jacotey, que está conceptualmente basado en una serie de relatos
populares de la campiña francesa, la banda juega de forma más
marcada con el formato de canción, dando a ratos especial realce a
la típica dureza rockera (‘Bêle, Bêle, Petite Chévre’, ‘La Nain de
Stanislas’), y añadiendo toques casi vaudevillescos (‘Ego et Deus’,
‘Les Noces’). Los momentos menos trepidantes también incluyen
ciertos momentos sinfónicos, como en el tema de cierre ‘Le Marchand
des Planètes’; pero es tal vez en las baladas donde se encuentra un
trabajo más inspirado de composición, como sucede en la medianamente
fastuosa ‘Ode a Émile’ y en la más bucólica ‘Aurealia’. En líneas
generales, un disco ciertamente interesante pero que en las primeras
escuchas puede defraudar a los fans progresivos, especialmente
aquellos que quedaron deslumbrados con los discos anteriores de
Ange. Tal vez el mejor modo de apreciarlo sea colocarlo en
perspectiva como un trabajo de transición hacia el siguiente disco.
Sale Gérard Jelsch y lo reemplaza Guénolé Biger.
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Ange
Par le fils de Mandrin (1976)
Este trabajo de Ange es otro disco conceptual, esta vez basado en
las aventuras de un grupo de bandidos. Par les Fils de Mandrin
engloba a la vez una continuidad con su disco anterior y una retoma
de su dirección sinfónica de antaño. Dos canciones en particular, la
que da título al disco y ‘Des Yeux Couleur d'Enfants’, son claros
ejemplos de ello: combinan tonadas rockeras pegadizas con arreglos
orquestales de sintetizador y mellotron, que le añaden algo de
sofisticación al asunto, sin menoscabar el despliegue de aspereza
rockera que está siendo más concienzudamente trabajado en este punto
de la carrera de Ange. Por su parte, ‘Atlantis’ y ‘Ainsi s’En Ira la
Pliue’ nos recuerdan bastante a los ambientes oscuros de La
Cimitière..., mientras que ‘Au Café du Colíbri’ y la emotiva suite
de corte pastoral que concluye el disco titulada ‘Hymne a la Vie’
nos traen de vuelta el colorido sinfónico de Au Delà du Délire. No
podían faltar, por otro lado, los números acústicos donde el
quinteto explora su lado más meditativo y/o folclórico, como sucede
en el misterioso ‘Autour du Fou’ o el circense ‘Saltimbanques’,
temas realmente atractivos que sirven como un contraste de reposo en
medio de un repertorio repleto de momentos más abiertamente
intensos. Una vez más, el nuevo cambio en el rol de percusionista no
alteró el ensamble instrumental, el cual parece tener una
personalidad propia perenne independientemente de las ocasionales
entradas y salidas individuales. En suma, Par les Fils...
ciertamente habrá de complacer a los que tras escuchar Émile
Jacotey, extrañaban la línea predominantemente sinfónica de álbumes
anteriores.
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Ange
Tome VI (1977)
Editado a partir de un concierto realizado en París en mayo de 1977,
Tome VI es un genuino documento de la energía y sinergía que Ange
eran capaces de producir en vivo, sabiendo establecer con su
repertorio y energía interpretativa un intenso diálogo con su fiel
público: todo eso queda claro a pesar de las evidentes deficiencias
del sonido. El concierto comienza con uno de sus temas de
estandarte, ‘Fils de Lumiere’, que sirve para enganchar al público
desde un primer momento. Uno de los atractivos del repertorio
consiste en la inclusión de un tema que no aparece en ninguno de sus
discos de estudio: se trata de ‘La Chien, la Roubelle et la Rose’,
una suite de 13 minutos que exhibe el característico sello teatral y
dramáticamente emotivo de la banda. Otros momentos destacados del
disco son las versiones alargadas de ‘Hymne a la Vie’ (del Par les
Fils de Mandrin) y ‘Dignité’ (del Caricatures), en los cuales sale a
relucir en su máxima expresión la fuerza interpretativa de Ange en
el contexto más espontáneo de una presentación en vivo.
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Ange
En Concert (1978)
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Ange
Guet-Apens (1978)
En plena ebullición del movimiento punk en el mercado musical
mundial, Ange emprende la grabación de su sexto disco de estudio. El
estilo del grupo se mantiene bastante fiel a las coordenadas de
siempre, estableciendo básicamente una continuidad con su trabajo de
estudio inmediatamente anterior, Par les Fils de Mandrin: esto
resulta especialmente meritorio si se tiene en cuenta que con la
partida de Brézovar y Haas se perdía en principio buena parte de la
fuerza creativa de Ange. Demet, el nuevo guitarrista, logra cumplir
eficazmente con su rol dentro de la banda que le acaba de dar la
bienvenida. Bien es verdad que en comparación con sus primeros cinco
discos la energía rockera ha bajado un poco su nivel de intensidad,
por otro lado, se nota en varios momentos que el nivel de
sofisticación en los arreglos sinfónicos sigue manteniendo su cuota
bastante alta, tal como sucede en el tema de apertura ‘A
Colin-Maillard’, y en ‘Un Trou dans la Case’, pero sobre todo en la
suite ‘Cap´taine Coeur de Miel’, la misma que dura 14 minutos y da
cierre al disco. El lado acústico de Ange sigue presente en dos
temas bastante bonitos como son ‘Dans les Poches du Berger’ y
‘Virgule’. En resumen, un buen disco que sin llegar a estar a la
altura de sus clásicos de años atrás, todavía mantiene un muy buen
nivel.
Claude Demet y Gérald Renard ingresan en reemplazo de Jean-Michel
Brézovar y Daniel Haas, respectivamente. Invitado: Itak Loury en
flauta irlandesa.
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Ange
Vu d'un chien (1980)
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Art Zoyd
Symphonie Pour Le Joir Où Brûleront Les Cités (1976)
Publicado originalmente en el Parteaguas N° 10.
La primera manifestación editada de este grupo rock de cámara nos
lleva hasta 1971 y al sencillo Sangria/Something In Love. Un trabajo
que data de 1969 escrito por Rocco Fernández integrante de una
primitiva versión de la agrupación llamada "Arzoide". Otros miembros
de aquella época fueron: Serge Armelin, Sax. Claude Asencio,
batería. Jean Paul Dulion, bajo. Patrick Zoltek, guitarra y el
propio Fernández en guitarra. La música tal y como pudiera
imaginarse es un rock jazzeado psicodélico muy rudimentario. Al
sobrevenir los años este grupo desapareció totalmente y apareció una
nueva versión, la cual grabo en 1976. Esta tenía el nombre de Art
Zoyd 3 y entro a los estudios de registro para el lp "Symphonie Pour
Le Jour Ou Bruleront Les Cites". Aquí es donde la verdadera historia
comienza. La alineación inicial consta de: Patricia Dallio, piano.
Daniel Denis, percusión. Alain Eckert, guitarra. Gerard Hourbette,
violín y viola. Jean Pierre Soarez, trompeta y Thierry Zaboitzeff,
Violoncelo y bajo. Es en aquel momento cuando se gesta el sonido
Zoyd en un combo de jazz-rock con marcada influencia clásica de
Stravinsky, cuerdas y metales. El resultado es una obra
extravagantemente, desusada pero atrayente. No era habitual el uso
de cuerdas y metales en el idioma del rock, salvo en el rock pop de
Chicago o Nucleus. Pero acaso Art Zoyd tocaba rock?.
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Art Zoyd
Musique Pour L'Odyssée (1979)
Un segundo álbum clarifica los conceptos. Musique Pour L' Odyssee en
1979 apareció después del éxito de Univers Zero con su primer álbum
1313 y del cual su líder y baterista había contribuido con Zoyd. Ya
la música no era tan insólita. "Musique Pour Le Odyssee" contó
también con otro miembro de U Zero Michel Berckmans en fagot y oboe.
Tras las grabaciones era obvio que el grupo ingresara a la
asociación de Rock En Oposición formada por Chris Cutler.
Constituyendo pues la primera oleada de bandas de RIO. "Musique Pour
L' Odyssee" es un disco casi sin instrumentos eléctricos y su
contexto se puede colocar mas en el terreno neoclásico y camaral que
en el del rock. A pesar de ello ingresa la obra en todos los
catálogos de rock progresivo con éxito abrumador. Su contexto, una
combinación de suspenso y horror lo coloco erróneamente como música
incidental para filmes. Este segundo disco es una obra maestra con
mayúsculas y primer disco clásico del ensamble.
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Art Zoyd
Génération Sans Futur (1980)
En 1980 salió al mercado subterráneo "Generation Sans Futur". En
este álbum aparecen los primeros pasos para la electrificación de
Art Zoyd. La participación de Zaboitzeff en la composición
complementando a Hourbette, fue el inicio de esta dualidad
compositora que sería el nuevo núcleo creador de la música de Zoyd.
Los temas se tornaron más enérgicos y él título del disco sirve de
arenga para su nuevo estilo. "Generation Sans Futur" es un paso
adelante para la agrupación.
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Art Zoyd
Phase IV (1982)
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Art Zoyd
Les Espaces Inquiets (1983)
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Art Zoyd
Le Marriage Du Ciel Et De L'enfer (1984)
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Art Zoyd
Berlín (87)
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Art Zoyd
Phase IV
1982 fue el año de "Phase IV" que ratifica la dualidad compositora y
un tranco mas en él acenso del grupo. Sale del grupo Patricia Dallio
por este disco, pero se fortifican los metales con el ingreso de
Didier Pieton. Existen varias características de este disco, pero en
todas ellas sobresale la fuerza del conjunto, que hace más accesible
la audición de la obra, que de todas, es la menos compleja. Sin
dilación aparece al año siguiente el soberbio "Les Espaces Inquiets"
un disco fenomenal. La electrónica toma un lugar preponderante sin
opacar las tradicionales cuerdas y metales. El retorno de Patricia
Dallio refresca el panorama. Un paso revolucionario doble el que dio
Zoyd con este salto. Con esto Zoyd ocupo momentáneamente la cumbre
de la vanguardia. 1984 evidenció el éxito de Zoyd cuando el bailarín
de ballet Roland Petit, observó un documental de la música de Zoyd y
quedo maravillado con las estructuras polifónicas del grupo. A
partir de ello buscó al conjunto para que musicalizara su próxima
obra de ballet "Le Marriage Du Ciel Et De L'enfer". Una vez
cristalizado el proyecto en el disco del mismo título, Zoyd se
presentó en las exhibiciones del ballet proveyendo la música en
directo en un espectáculo que combinó lo mejor del arte del ballet y
la música, ingresando Art Zoyd al universo de las artes escénicas.
Para tal proyecto Soarez fue invitado a salir y no participó ya la
sección de metales en la estructura híbrida de cuerdas y electrónica
del nuevo Zoyd. La irrupción del grupo por nuevos confines los ubicó
en la cúspide del rock de avanzada y no conforme con ello en 1987
sacaron "Berlín" para este autor el mejor disco de su historia y uno
de los mejores discos que se hayan grabado en este tipo de música.
En lo particular pienso que solo lo supera "Heatwave" de Univers
Zero pero aparte de él no tiene match. Este nuevo lp que en la
versión original de acetato solo tiene dos temas, excluye totalmente
la utilización de metales. La presencia de Andre Mergentaller de
Univers Zero en violonchelo y sax completa la banda apuntalando a:
Hourbette, Zaboitzeff y Dallio. Los temas referidos son compuestos
por sus lideres, uno cada uno. En el CD se incorporan cinco títulos
mas de excelente calidad. La electrónica en su máxima expresión y
Zoyd en su máxima expresión son la combinación perfecta de la mejor
música de los ochenta. Quisiera decir mas, pero me reservaré para
aquellos despistados que no hayan escuchado aun, así tendrán una
gran sorpresa con el cambio electrónico y mínima del conjunto. No
hubo nada registrado hasta 1990, cuando buscados para armonioso la
película clásica muda, Nosferatu de Murnau, graban su primer álbum
de los noventa. Esta cinta se exhibió en espectáculos multimedia.
Simultáneamente Zoyd aparecía junto a la pantalla tocando la música.
Este proyecto resultó muy adecuado para la música obscura del
conjunto Francés, ya que el clásico del cine de terror cobró nueva
vida. Para 1993 ya como protagonista respetado del arte escénico,
Art Zoyd participó en otro evento similar a Nosferatu. Se trató de
un evento maratoniano de doce horas de duración llamado precisamente
"Marathonnere" I Y II. Esta representación de doce horas de
permanencia de doce de mediodía hasta la medianoche sin pausar,
consagró al ahora trío galo como exponente del arte abstracto.
Quisiera dar mas detalles de este acontecimiento, pero en el CD no
viene mas información. Solo unas fotos de la representación, con
escenas de actores en el escenario con bloques de concreto ante la
mirada displicente de dos hembras, también se advierten en el
contorno del lugar docenas de envases de vino por doquier, y en la
retaguardia, se percibe al conjunto en acción. Realmente fascinantes
estas imágenes, que solo me permiten fantasear sobre lo que ocurrió
en esa ocasión. La música ya completamente electrificada es
acompañada ocasionalmente de sonidos guturales y algunas
intervenciones de cuerdas. De los 27 temas, quince son de Zaboitzeff
y doce de Hourbette. Patricia Dallio al igual que siempre solo
interpreta a los dos genios compositores y ahora ejecuta todo tipo
de teclados además del piano. En síntesis podemos concluir que la
obra es el incesante fluir de pasajes cíclicos, con ambientes
industriales y atmósferas mecánicas. Un disco cautivante que permite
decir que Art Zoyd ha llegado a un sitio nunca investigado y se ha
establecido en él para presidir la más avanzada manifestación
artística. Dos años después de 'Marathonnere", nace "Fausta" de
nuevo tras la huella de Murnau. Para el nuevo proyecto reciben la
colaboración de Daniel Denis. Sin embargo la percusión
predominantemente acústica del líder de Univers Zero, No mella en el
basamento electrónico del nuevo Zoyd. De nuevo Zoyd musicaliza la
obra del genio del horror fílmico primitivo. Con esta nueva
incursión al mundo del cine, Art Zoyd abandona las audiciones para
concentrarse mas en el desarrollo de los nuevos caminos trazados. La
elaboración de cintas sonoras de películas clásicas y la
presentación de espectáculos multimedia, aunque después aparezca en
CD la música de esas producciones. Faust al igual que Nosferatu
contiene expresiones abstractas y uso de efectos bizarros propios
del acompañamiento de evento de terror. Algunas diferencias notables
podríamos encontrarlas en la intensidad, así es como si el grupo no
tuviera bastante con esa característica casi esencial en todas sus
obras, en esta sobrepasa el resto de hecho antes. Situación lógica
por el contenido de Faust, pero se extrañan algunos aspectos
melódicos de la obra anterior que en lo particular me encantaron.
Antes de finalizar el milenio, justo en 1997, surge Haxan.
Continuando el paso de Zoyd por territorios de sonoridad fílmica.
Esta obra que desilusionó al público ingles en su presentación en el
Queen Elizabeth Hall de Londres, por ser considerada demasiado
radical, criticas sustentada por la prensa no especializada y que al
grupo le importaron un comino. Llevándose a cabo varias
presentaciones en Europa, incluso se dijo que vendrían a México, con
presentaciones en Bellas Artes junto con la Orquesta Sinfónica
Nacional de México. En cuanto a la música, existe en ella
continuidad en el planteamiento de panoramas cíclicos. El abuso de
sintetizadores nos muestra un Zoyd casi divorciado de su
planteamiento inicial. Sus nuevo enunciados musicales, divagan
entorno a las imágenes cinematográficas complementándolas,
inventando una expresión artística totalmente nueva, Haxan
constituye el nuevo Art Zoyd en todo su esplendor. Ahora en el nuevo
milenio esperamos mas aportaciones de un grupo que rompió con todo
en aras de la creatividad, ya sean en la música, el cine, el teatro
y cualquier manifestación del arte, abriendo caminos por los cuales
nos invitan a conocer mucho mas, de lo que la cultura mediatizada y
comercial puede ofrecernos. Es ahora nuestra oportunidad de conocer
a un grupo que realmente revolucionó la música contemporánea.
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Arachnoid
Arachnoid (1978)
Arachnoid se revela a través de su único trabajo editado como una
banda interesada en continuar con la tradición progresiva teatral de
Ange y Mona Lisa. Sin embargo, la presencia vocal es menos
predominante que en estos grupos mencionados, y más bien se da más
espacio para el lucimiento del ensamble instrumental. Los diestros
solos de guitarra de inspiración abiertamente crimsoniana, en
conjunción con los ambientes sonoros creados por los dos
tecladistas, son los que llevan la batuta de casi todos los temas:
ellos le otorgan un aspecto sinfónico a las armonías oscuras que
sirven de perfecto complemento para el canto, susurros y
recitaciones del vocalista, quien varias veces es acompañado por
unos intrigantes coros casi circenses. La dupla de batería y bajo
sostiene de manera firme el flujo emocional derrochado tanto en los
pasajes instrumentales como cantados. La edición original en vinilo
incluye siete temas, entre los cuales destaca la suite inicial "Le
Chamadére", de casi 14 minutos de duración, así como también "Piano
Caveau", tan bello como siniestro, además de "La Guépe", donde la
parafernalia teatral de Arachnoid alcanza sus máximas cuotas en este
disco. La edición en CD incluye cuatro bonus tracks, que son
versiones en vivo de algunos de estos temas. Los amantes del
progresivo teatral "exagerado" francés estarán de plácemes al
escuchar el trabajo de este sexteto, que de haber tenido más tiempo
de existencia probablemente habría logrado un mayor nivel de madurez
en su estilo.
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Asia Minor
Crossing the Line (1979)
Grupo originariamente conformado por tres estudiantes turcos que se
instalan en Francia en 1973. Prematuramente abandonados por el
baterista convocan a un jóven de 16 años, unico integrante francés.
El núcleo de la banda se forma en 1975 pero no es sino hasta el 79
que editan su primer LP. Sin ser un gran disco es bastante
agradable. El uso de la flauta remite a Jethro Tull y de alguna
manera cargaron con ese preconcepto. Musica bien ejecutada aunque
dentro de un marco bastante convencional que se rompe cuando sacan a
relucir sus origenes turcos con ritmos y letras cantadas en su
lengua materna (son los mejores temas del albúm). El resto de los
temas presagian el sonido neoprogresivo de los noventa. Es uno de
esos discos que me agradan si no lo analizo demasiado. Edición en CD
obviamente por Musea.
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Asia Minor
Between Flesh and Divine (1980)
Es un disco más compacto que el anterior, pero han perdido lo más
atrayente. Ya no cantan en turco y el sonido es plenamente europeo
con algún ritmo turco que aparece sutilmente. Quienes gustan del neo
prog seguramente disfrutarán de este álbum. Personalmente no me
convence y de a momentos me aburre bastante. Lo que más me gusta es
el temita final que gira sobre un corto riff de guitarra que se
repite en diferentes octavas, seguramente surgido en algún ensayo.
Editado por Musea.
Ingresa Robert Kempel en teclados.
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Atlantide
Atlantide (1976)
Se trata de un proyecto musical liderado por el productor Jean
Pierre Massiera quién trabajó en otras agrupaciones de similar
orientación como Visitors, Human Egg y Horrific Child. Conduce aquí
las actuaciones de por Patrick Attali en voces, Bernard Torelli en
guitarras y mellotron, Aldo Iacomelli en bajo, Jean Marc Moutain e
batería y Jean Luc Crema en percusión. Los resultados trascienden
cualquier influencia para convertirse en una mera imitación de Yes.
Algunos pasajes parecen incluso estar copiados de Flagile. Así es
como temas como Atlantide y Soleil Noir presentan riffs muy
similares a los de Heart of the Sunrise y Long Distance Runaraud e
Images se asemeja tanto a las intenciones de Mood for a Day que
entre los sonidos de guitarra acústica se escuchan los golpeteos
contra la caja que hace en un momento Steve Howe. Cualquier otro
pasaje de desarrollo personal queda completamente opacado ante la
completa falta de originalidad comentado en estos ejemplos. La
edición de Musea en CD se completa con cuatro bonus de Human Egg,
proyecto de 1978 en el que también intervienen varios miembros de
Atlantide integrando un conglomerado de músicos que tampoco aportan
nada memorable, enmarcando estos temas dentro de las más desabridas
vertientes del AOR
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Atoll
Musiciens Magiciens (1974)
Como también ocurriera con Mona Lisa, Atoll es una de esas bandas
francesas que recibieron el influjo de Ange en su bagaje musical.
Sin embrago esta agrupación no vio limitado su desarrollo a una
simple reproducción de manierismos sino que junto con sus otras
notorias influencias, particularmente las derivadas de bandas
británicas, entre las que se puede destacar a Yes, y una inclinación
a la fusión que sin ser tan patente aquí como en L'Araignee Mal, ya
está presente logran auto imponerse un estilo propio. Cierto es que
Luc Serra, el guitarrista actuante en este álbum, posteriormente
reemplazado por Cristian Béya de a momentos se acerca a Howe tanto
como Jean Luc Thillot lo hace con el estilo de Chris Squire en el
bajo, pero en la composición sola aparecen remembranzas y nunca
imitaciones. Tal vez predominen los pasajes cantados que a veces se
sienten un poco prolongados por los reiterados falsetes. Se trata
sin embrago de un álbum bastante recomendable que llevó a la banda,
junto con los simples editados previamente a un lugar de
reconocimiento popular. La edición en CD de Musea se completa con 4
bonus de temas en vivo de 1973, con sonido bastante mediocre, pero
inetresantes como documentación.
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Atoll
L'Araignee Mal (1975)
Atoll fue un grupo que conservó su raíz francesa a pesar de tener
notables influencias anglosajonas. A lo largo de los temas es
imposible evitar las comparaciónes con Genesis, Yes y Mahavishnu
Orchestra. Los cambios de integrantes fueron otra de las
caraterísticas de este grupo quien contó entre sus integrantes a
John Wetton que aparece en los bunus de su ultimo álbum Rock Puzzle,
de 1979. Es notable que en el cuarto disco no queda ninguno de sus
integrantes originales. Este disco en particular me parece bastante
bueno con pasajes dónde la guitarra lidera pero con un predominio de
teclados y violín. Este da un toque que algunos han denominado
"fusión" y que es lo que más los acerca al sonido de la MO. "La
Araña Maligna" es un albúm conceptual (todo grupo progresivo de los
70, quiso tener uno), reeditado como es costumbre por Musea con un
bonus track, uno de los temas del LP original (Cazotte N° 1) en
versión en vivo más prolongada y con participacióncon saxo.
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Atoll
Tertio (1977)
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Atoll
Rock Puzzle (1979)
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Bedjabetch
Subrepticement (1979)
Sobre esta banda de fusión instrumental se han tratado de establecer
lazos con el estilo Canterbury. Puede decirse que hay un permanente
cuidado en las líneas melódicas, se realza el trabajo grupal por
sobre la para mi aburrida sucesión de solos instrumentales de la que
suelen abusar varias poco imaginativas bandas de fusión, con el solo
fin de alimentar el ego de sus integrantes e impresionar banalmente
a los oyentes. En este sentido, afortunadamente, puede decirse que
hay algunos parámetros que los acercan a los ingleses. Sin embargo,
los otros aspectos musicales que pueden apreciarse en la obra son
disímiles en este sentido. De hecho estos franceses parecen tener
una directiva más convencional, menos explorativa y arriesgada. A su
favor se destaca una notable capacidad de sus miembros en la faz
instrumental con agradables jugueteos armónicos entre los acogedores
teclados de Patricia Hue, dama que se encarga predominantemente del
piano, la sobria y elegante guitarra de Merino y fundamentalmente
los vientos de Olivieri, generosamente dominantes en el paisaje
instrumental de la banda. Con esta forma de trabajo llegan incluso a
tener pasajes realmente encantadores. Bedjabetch parece querer
priorizar la belleza por sobre la innovación y querer emocionar más
que conmocionar, lo que se traduce en una música diáfana, sin
exabruptos, incluso cuando conducidos por una entusiasta y prolija
sección rítmica arriban a los momentos de mayor intensidad. Pero al
seguir este camino se corre el riesgo de caer en momentos anodinos
al recurrir excesivamente en los convencionalismos de la fusión, tan
frecuentes en este periodo de fines de los 70s. Aparecen entonces
los clichés y la sensación ilusoria de haber oído esta música muchas
veces en el pasado Cuando logran apartarse de esta recurrente
tendencia, y por suerte hay varios tramos en el que bien lo logran,
es cuando he logrado disfrutar de la música de este álbum. En
balance general es, para mi gusto, bastante positivo sin llegar, por
las razones expuestas, a deslumbrar.
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Carpe Diem
En Regardant Passer Le Temps (1975)
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Carpe Diem
Cueille Le Jour (1976)
“Cueille le Jour” es una obra que apuesta frontalmente por la
belleza serena y la creación pausada de ambientes emocionales
cautivantes, a través del inteligente empleo de texturas y el sutil
manejo de una envolvente energía poética por vía de líneas melódicas
que no son ampulosas, sino más bien producidas a partir de
variaciones y añadidos sobre una idea básica inicial que apunta
hacia la llegada de un clímax eventual. El aire predominante en este
bello disco es el de serenidad reflexiva. La manera en que se
articulan las composiciones y el diálogo fluido mantenido
constantemente por los músicos (destacan especialmente Tuchi y
David) ayuda al repertorio a adquirir una magia extraña e
irresistible a la vez. En medio de este manejo de texturas, los
solos aparecen para añadir retazos de colorido que armonizan muy
bien con la integridad de cada pieza. Por su parte, la sección
rítmica funciona como un soporte preciso, muy puntual, aportando en
numerosas ocasiones elegantes síncopas de corte jazzero que se
condicen con los solos de viento y aportan exhuberancia a las
orquestaciones de órgano y sintetizador. El lado A del vinilo
consiste en una suite de cinco secciones, ‘Couleurs’, que se
constituye en el punto máximo del disco, e ilustra a la perfección
los puntos que he expuesto anteriormente. Pero los temas más
concisos que siguen a continuación, a pesar de no ser tan
brillantes, no suponen un desmedro para la calidad musical del
disco: temas como ‘Naissance’ y ‘Le Miracle de la Saint-Gaston’ una
belleza serena y elegante, la misma que adopta un tono más ‘ligero’
en ‘Laure’ y ‘Tramontane’, más circunscritas a lo jazzero. En
general, pareciera como si la creatividad de Carpe Diem solo pudiera
brillar de manera plena en los temas de ambicioso desarrollo, pero
queda claro que el talento creativo de este ensamble está siempre
presente. Finalmente, el dueto de piano y saxo soprano titulado
‘Divertimento’ cierra el disco con un toque de melancolía sazonada
de solemnidad, con un tono marcadamente académico: un cierre hermoso
para un gran disco.
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Chico Magnetic Band
Chico Magnetic Band (1970)
Originariamente llamados Chico & The Slow Death. La inspiración
hendrixiana del álbum es innegable y de hecho se remarca con una
extraña versión de Cross Town Traffic. Sin embargo el trabajo de
Chico Magnetic Band no se limita de ninguna manera a recrear el
sonido del sonido el mago de la guitarra. La música de la banda es
exultante y a veces primitiva. Sin embargo hay una constante
búsqueda, que a veces incluso accede a lo experimental. Lo hace
desde cierta puerilidad, es cierto, sin embargo estos momentos son
tan atrevidos que terminan siendo regocijantes. La combinación de
rock a lo Hendrix , cabalmente plasmada en “We All Come and Go” es
combinada con voces guturales y fuerte presencia de percusiones casi
a los Santana (una combinación que trae a la mente a los actuales
The Mars Volta) en “Explosion” . Temas de esta propensión se
alternan, por ejemplo, con “Pop Pull Hair”, una estructura bastante
simple que cuenta con efectos de consola, pero pasada completamente
en sentido inverso. Para matizar aún más, tenemos la voz de Chico
aproximándose al Captain Beeffhart en pose negligente entre riffs
desgarrantes en “Lot of Things”. “To Where I Belong” parece querer
reintroducirse en la electrónica a juzgar por sus primeros sonidos,
sin embargo rápidamente se sumerge en hipnóticos ritmos orientales
que dan paso a cortantes riffs de guitarra eléctrica que se apoya en
las acústicas y anuncian el retorno a la vertiente hendrixiana. Para
“My Sorrow” uno ya reconoce los elementos típicos de la banda, sin
embargo la voz de Chico y tal vez en menor grado la guitarra de
Monneri traen algún nuevo hallazgo con remembranzas a Black Sabbath.
El tema final es “Pop Orbite”, en una tónica mas liviana presenta
aportes de órgano y una serie de efectos especiales bastante
insólitos en un disco como este. Edición original por Box Office en
1970, para desprejuiciados amantes del la psicodelia dura, atestada
de guitarrazos. Bernard Monneri Formará parte más tarde de
Terpandre.
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Clearlight
Clearlight Symphony (1975)
Clearlight es un proyecto liderado por el compositor y tecladista
Cyrille Verdoux, el primer músico progresivo francés en firmar para
un sello británico del nivel de la Virgin. Con este respaldo
registra en 1975 su composición "Symphony" que consiste en una suite
en dos partes, cada una de ellas ocupando un lado del LP original.
Por cuestiones meramente comerciales en el lado A aparecía lo que en
lo compositivo era la segunda parte. El motivo de este trueque fue
que en esa parte grabada en los estudios Withe House participaban de
la grabación nombres conocidos con Steve Hillage en la guitarra, Tim
Blake en sintetizador y Didier Malherbe en vientos, todos
provenientes de Gong. En el lado 2 registrado en The Manor los
miembros eran otro excelente guitarrista, Christian Boulé y Gilbert
Artmen en batería y vibráfono y Martín Isaacs en bajo. Predominan
las atmósferas ligeras y agradables con melodías parsimoniosas. En
lo personal prefiero el segmento en que se hace acompañar por los
miembros de Gong, más rico en ajustados contrapuntos entre los
teclados y la guitarra y con los característicos timbres de los
instrumentos de Hillage y Blake muy patentes, que hacen más
tempestuosa la atmósfera generada. En 1999 el sello Clearlight Music
reedita este trabajo en CD con el orden de los movimientos con que
fuera compuesta esta recomendable obra. Durante el año siguiente a
esta grabación Clearlight se organizó como agrupación y realizó
giras junto a Gong. Los argentinos recordarán que en esta agrupación
durante un tiempo, en reemplazo del violinista David Cross participó
Jorge Pinchevsky antes de su pasaje por Gong.
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Clearlight
Forever Blowing Bubbles (1975)
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Clearlight
Les Contes Du Singe Fou (1976)
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Clearlight
Visions (1978)
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Coeur Magique
Wakan Tanka (1971)
Coeur Magique era un muy efectivo y prendido cuarteto francés de
principios de los 70 -pero- que a la vez fue un efímero grupo que
grabó tan solo este grato y armonioso trabajo que lleva por nombre
el de aquella antigua Deidad o Gran Espíritu conocido como "Wakan
Tanka" al cual los Lakotas y Chamanes le brindaban grandes
ceremoniales para ganar su favor y bendiciones ya que para ellos WT
estaba por encima de todo y lo gobernaba todo. En rasgos generales
yo considero que la música de CM estaba ligeramente dentro el marco
del reciente Early Prog francés y que además combinaba
excelentemente el Hard Rock con elementos de Latin Beats muy bien
puestos, sin faltar una incipiente "teatralidad francesa" en el
canto el cual nos hará recordar por instantes aquella excéntrica
"Belle Epoque"; agregando a su música también ligeras influencias
del famoso San Francisco Sound que varios de los grupos de la Costa
Oeste magnificaron a finales de los 60s, y de los cuales Coeur
Magique añadia en volátiles tonos que pueden ir del Psych al Rock
Power de tintes melódicos. La voz cantando en francés de Harry Seur
es en verdad estupenda y en todo momento arropa y realza a todos los
matices musicales que el grupo va desarrollando en los 7 temas del
disco. También queda de manifiesto que la originalidad musical es
una de las virtudes de este grupo en donde los temas imponen una
belleza sonora y una limpieza cuasi-luminosa de un Rock francés que
gusta por su perfección -además- de por su pasión y cierto sentido
del humor. Definitivamente la pieza más significativa es la que da
titulo al disco "Wakan Tanka" con duración de {9:22} y en la cual
percibo se adentran en algo que podría considerarse como West Indian
Progressive Music. Aquí se aprecia que este tema es el mejor en
cuanto a arreglos y composición..., con unos cambios de ritmos bien
realizados y bastante Beat en todo momento, aunado a cánticos indios
efímeros y sonidos volátiles de tambores semi-chamánicos,
percusiones, etc. El guitarrista y compositor Claude Olmos da rienda
suelta a toda su técnica guitarristica empleando excelentes riffs
llenos de feeling y además ejecuta en forma muy precisa una guitarra
rítmica que por momentos se escucha en primer plano; y más adelante
vuelve a sobresalir la potente tesitura vocal de Harry Seur el cual
es un estupendo cantante. Otros temas importantes de resaltar son:
"Mademoiselle Marie" estupenda rola que enseguida prende al escucha,
y en donde uno tiende a moverse un poco debido al prendidote bajeo,
batería idem y la siemppre efectiva guitarra de Olmos. Desde luego
que también destaco a "Scène de Mènage" (excitante y algo Harsh), la
preciosa "Ellocia" (melancólica y bien emotiva), y las dos partes
humorísticas y bastante ritmicas latinas de la movida "Le Cocotier”.
A este grupo francés es algo difícil emparentarlo con otros grupos
-aunque- me atrevo a decir que les percibo ciertas influencias de
bandas como: Mandrill, Alice (el grupo francés), Quick Silver, a los
del grupo Free (por el bajeo tipo Andy Fraser), y de los noruegos de
Titanic; más sin embargo CM tuvo su sello bastante personal y por
ende muy original al crear su apasionada e interesante música. Por
último quiero agregar como referencia que a CM le escuché dos temas
inéditos y sin titulo de un cd pirata (grabación de 1973 -aprox-) en
dónde ya no traen al cantante (completamente instrumental) -pero- lo
más interesante es que andan un poco en la vía de la Zeuhl music y
por ende algo evolutivos... añadiéndole a su sonido un violín y un
sax.Yo traté de conseguir la grabación completa con su nueva
formación pero todo fue inutil ya que al parecer solo compusieron
esos 2 temas desconocidos y se desbandaron al poco tiempo. Pero
bueno, está es otra historia que no tiene nada que ver con su disco
Wakan Tanka.
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Dün
Eros (1981)
Este grupo es oriundo de Nantes, oeste de Francia. El disco LP fué
grabado en 1981. El estilo del grupo es muy cercano al RIO de
Sammla, con cosas muy a la Zappa y Magma. Este grupo se unió al
manifiesto colectivo de Henrry Cow de Rock In Opposition.
Musicalmente el grupo tiene una riqueza de de sonoridades cuidadas a
gran detalle, hay mucho de música clásica contemporánea y jazz, como
buenos franceses tienen mucha tendencia vanguardista. DÜN juega
mucho con las texturas y ambientes haciendo que su música sea muy
detallada y sobria. Su música no es tan intrincada como algunos
grupos de RIO, más bien es muy fina. Él concepto musical es bien
redondo y los músicos son muy buenos ejecutores. En los bonus tracks
hay un concepto un poco diferente en cuestión musical , la presencia
del sax acentúa el sabor RIO y además hay un poco más de similitud a
la Etron Fou Leloublan.
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Dickens
Royal Incarnations (1969)
Un pequeño gran hallazgo de la escena psicodélica francesa en los
60s. Se trata de una de las pocas bandas que llegaron a grabar un LP
completo. Las influencias de las bandas psicodélicas post 67 de la
costa oeste norteamericana son bien notables, con varias
aproximaciones a Iron Butterfly y fundamentalmente a The Doors.
Curiosamente, el tema en el que más de aproximan a la banda de
Morrison no es estos ni de composición propia sino de una banda poco
conocida también de EEUU, llamada Genesis (posteriormente The Wilde
Knights) que adaptan y cantan en francés con el nombre de “Ange de
Lune”. En algunos pasajes pueden recordar también a Pink Floyd, como
en el tema final, “Opus” y en las canciones, para mi gusto menos
atractivas acercarse a Fleetwood Mac como en ”Sugar Woman”, y hasta
a Led Zeppelin en “Catacysme”, tema que abre el álbum. Sin embargo
lo más interesante de Dickens no es todo esto que estamos comentando
sino que en algunos pasajes y muy particularmente en su
tema“Genoside”, sientan un precedente que poco tiempo más tarde será
tratado con mayor desarrollo por bandas como Ange o Mona Lisa. Un
desarrollo muy climático alternado con pasajes de mayor intensidad y
una participación histriónica del cantante con dramatización,
susurros y gritos. Los integrantes de Dickens no son grandes
instrumentistas, pero al igual que el cantante saben cuales son sus
posibilidades y las saben explotar adecuadamente para generar una
obra que tal vez valga más por el lugar y momento en el que se
produjo que por sus virtudes musicales intrínsecas, pero que para
los amantes de las búsquedas de las raíces del progresivo se
convierte en trabajo más que interesante de ser analizado. Como es
de esperarse por lo anteriormente comentado son la guitarra
eléctrica y el Hammond los instrumentos obligados a liderar los
pasajes instrumentales siendo aceptablemente acompañados por el bajo
y la batería. Las voces alternan el inglés y el francés, siendo más
interesante cuando lo hacen en su propio idioma. Unico trabajo de la
agrupación. El baterista participó posteriormente en Treponem Pal.
Edición en LP por President en 1969. En CD por Fanny (F050993) en
1994.
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Emmanuel Booz
Au Restaurant d'Alice (1970)
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Emmanuel Booz
Le Jour Ou Les Vaches... (1974)
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Emmanuel Booz
Clochard (1976)
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Emmanuel Booz
Dans Quel Etat J'erre (1979)
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Etron Fou Leloublan
Batelages (1976)
Fragmento de la nota publicada originariamente en "El Parteaguas"
Dentro del contexto innovador del rock Francés, han emergido las más
radicales expresiones musicales. Magma, Art Zoyd, Heldon y Albert
Marcouer son algunos de los contribuyentes más trascendentales de
esta alternativa artística. Dentro del rock en oposición Etron Fou
Leloublan fue la primera congregación Gala que se ligó al
pronunciamiento musical encabezado por Henry Cow. Estos pioneros
tuvieron sus ciernes artístico en la escena subyacente francesa de
principios de los años setenta. Las características únicas de su
música gravitan en dos factores esenciales a decir: El manejo de la
lengua gala para su expresión vocal, y el deseo de la banda en
sostenerse al margen, esto como rechazo a la industria de la música,
cuyo interés era eminentemente económico y no artístico. Su
actividad creativa radicó en la exploración de espacios no
contemplados en la dimensión de la música rock, fusionando aspectos
de otras músicas como el Jazz, El folk y la avanzada. La naturaleza
oscura de la banda no ha permitido reunir mucha información de los
pormenores de su gestación y se reduce a algunos detalles de las
solapas de sus discos. La cobertura informativa de las revistas
especializada tampoco refieren grandes rasgos sobre ella, de hecho
solo citan los títulos de sus obras y carecen de comentarios que
vayan mas allá de su fecha de publicación. Lo exiguo que indagamos
es que se forman 1973 en el sur Francés (Toulose), por su
percusionista Guigou Chenevier, Este a su vez incorpora a Ferdinand
Richard (bajo, guitarras y voz) y por último se les une Chris Chanet
en metales y vientos
. . .
No es hasta 1976 que consiguen producir su primera muestra
discográfica "Batelages". Para tal obra les acompaña Eulalie Ruynat
en voz. La destreza adquirida por su andar en los puntos de música
subterránea Francesa les permiten alcanzar un fruto excepcional. El
corte inicial L'Amulette et le petit rabbin inaugura el trabajo con
un solo de guitarra convencional y melódica, típica de alguna gema
progresiva italiana, tras ello y detrás de dos ciclos de acordes,
súbitamente se transforma en un asalto rítmico de guitarra eléctrica
y batería que acompaña los primeros vocales que a manera de proclama
incitan la tensión del estribillo, luego, vocales anárquicos colman
la escena invitando el estruendo sonoro total del remanente de los
instrumentos en una primera muestra del total esplendor de la banda.
El contrapunto de maderas y bajo parece diseñado matemáticamente por
su exactitud en los ciclos, una introducción memorable. Se suceden
el tema percusivo "Sololo Brigida", la jocosa "Yvett blouse, "madame
Richard", larika" y culmina con la "Histoire de graine", esta ultima
es lo mejor de la selección arrancando con una especie de
improvisación colectiva que se torna en la sutil base temática con
los vientos en la vanguardia, con los más inauditos ritmos de
comparsa, con el talento y técnica de Richard y Chenevier en foco.
Vaya inicio pues, el que obsequia el conjunto francés como un breve
aperitivo para subsiguientes banquetes. Un disco sublime entre los
clásicos de la vanguardia progresiva.
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Etron Fou Leloublan
Les trois fou's perdegagnent ( )
El segundo capitulo discográfico llevo por titulo "Les trois fou's
perdegagnent". Ya sin Ruynat y Chanet, cubriendo a este ultimo
Francis Grand que tocó alto y tenor sax, melódica, flauta, citara,
harmonica además de agregarse a los vocales. También colabora con
guitarra Jean Pierre Grasset quien separadamente funge como técnico
de sonido suministrando una sucesión de efectos que tonificó de mas
complejidad al ahora transitorio cuarteto. El alcance de los
anteriores factores logra un refinamiento tanto en el sonido como en
la estética de la banda. El humor propuesto en el primer disco tuvo
considerable aparición, dicha extravagancia se proyecto
primordialmente por el equipo de vientos, al tiempo que el apartado
rítmico pululaba de un ámbito a otro con múltiples e inconcebibles
variantes, aparecen en mayor rango una curso de efectos sonicos
cortesía de Grasset los cuales hacen cavilar que no son solo cuatro
los instrumentistas. Otra mejora armonica fue el incesante
interlinear entre la guitarra y los vientos como en la tripartita
"Recherche Pour un jornal..." con el guitarrista navegando por
secuencias muy Frippianas o quizás a la Heldon, el ritmo tenaz se
mantuvo hasta que una progresión de saxofones que parecen mas de
cien encaran a una guitarra que se les evapora por cada hueco
permitido sin ser doblegada por dicho estruendo, conservando intacta
y diáfana su presencia, un corte prodigioso que legitima por si solo
el disco. El lado b del acetato entra con "Le desasterux voyage de
piteux python" con una anárquica tertulia inconclusa por una
armónica seguidamente flanqueada por el remanente del instrumental y
la cual parece extraída de una versión francesa del álbum Strictly
Personal del Captain Beefharth, en el modo clásico de la banda
mágica. Los demás tracks deambulan por una sucesión de propuestas
inéditas que posisionan a la banda como prototipo de la vanguardia
progresiva complementando este álbum que resulta otro clásico
cardinal del sonido RIO.
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Etron Fou Leloublan
En public aux Etais Unis D'Amerique (1979)
Tanto se asemejó la naciente estética de la banda por los sonidos
revolucionarios que fueron acogidos por el grupo ingles Henry Cow
para una excursión por el Reino Unido formalizando la adhesión de
los franceses al conglomerado de Rock en Oposición, el cual tuvo su
aparición oficial en Londres a lado de dichos ingleses, Samla Mammas
Manna, Univers Zero y Stormy Six toda una pléyade de celebridades de
la nueva música. Ciertamente dicho contacto permitió una afinidad
estrecha con Fred Frith líder de Cow ahora transmutado en Art Bears
y el músico ahora residente de Nueva York, influyó a los galos para
una expedición en los Estados Unidos. Esta tuvo efecto en 1979 en el
este yanqui y esta documentada en el álbum "En public aux Etais Unis
D'Amerique" en noviembre de ese año. Para tal evento Francis Grand
ya no estaba en la banda y el reemplazante Gerard Boule abandono a
la banda semanas antes de la marcha al nuevo continente siendo
substituido por Bernard Mathieu que se encargo de los vientos. El
anhelo de exhibir su música en "el país de las oportunidades" motivo
además la obsesiva idea de grabar algún recital como testimonio de
su recorrido. El tour tuvo repercusiones en la prensa francesa la
cual difundió el éxito de los Etrons en las publicaciones
especializadas. Las tocadas en si muestran a la banda en todo su
esplendor, ejecutando frenéticamente temas de sus primeros trabajos
y nuevas composiciones, también expusieron material espontáneo de
gran calidad, este percibible ya en el documento grabado con "Ida
trop hard", que parece ser un fragmento no grabado del Soft Machine
"Third". El estilo de Mathieu también aporta nuevo material
excelente, como en "Rose" y "Et puis", y colaborando en jams como en
"Binet d'eau chaude". Sin duda la gira resultó exitosa y él público
gabacho apreció en verdad al grupo recibiendo de este una lección de
buena música lejos del AOR típica que se escucha en ese país de poca
cultura musical.
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Fille qui Mouse
Trixie Stapleton 291: Se Taire pour una Femme Trop Belle (1971)
Otra de las obras reeditadas por el sello Futura Records para su
"RED series, musiques rock & pop" y otra de las bandas
representativas de la vanguardia subterránea parisina liderada por
Henri Jean Enu. Me resultó un álbum inquietante, estimulante,
movilizador, provocador de muy diversas sensaciones, entre ellas la
angustia. Hay segmentos que arrastran mi imaginación hacia una
hipotética banda de música de una imaginaria obra cinematogáfica que
cruza la nouvelle vague con la psicodelia. La obra esta
absolutamente balanceada y sin embargo es sorprendente a cada
paso,incluso el sorpresivo e interrupto final. Describir la música
es dificultoso. Evidentemente formados en la escuela del jazz, se
sumergen definidamente en la psicodelia sin proponerse fronteras,
fracciones de electrónica, relatos despojados, insinuaciones a la
música concreta y absorbentes jams forman parte de esta obra
imprescindible. Anteriormente publicado con diferente edición por
Spalax y Mellow.
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Heldom
Electronic Guerilla (1974)
En el mismo año en que abandona su doctorado en filosofía en la
Sorbona el eje central y unico protagonista permanente de Heldon,
frecuentemente el único, publica la primera de sus obras musicales.
Richard Pinhas no ha hecho ningún esfuerzo por ocultar la influencia
que Robert Fripp ha tenido en su obra, y tal vez en parte por esta
actitud de honestidad intelectual es que su música ha sido siempre
creíble. Por supuesto hay que decir que las estructuras musicales
presentadas por Fripp en sus álbumes con Brian Eno, se encuentran
como una referencia casi constante en “Electronic Guerrilla” y los
timbres sonoros rememoran permanentemente la audición de “No
Pusifooting” o “Evening Star”, sin embargo todo esta cuerpo musical
es tomado por Pinhas como una materia prima para generar su propia y
personal obra. Heldom presenta un cariz más agresivo, probablemente
más visceral y una variante de sonoridad más electrónica que la de
la experiencia británica. La mayor parte de los temas está
interpretado por Pinhas como solista utilizando un sintetizador AKS
y una Gibson Les Paul del ’57, teniendo como colaboración a Alain
Renaud en guitarra en “Northernland Lady” El contexto del álbum es
fracturado por la presencia de “Ouais Marchais, mieux qu | |
