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Ame Son
Catalyse (1970)
Una de las primeras cosas que llama la atención en Ame Son es una
afinidad con la primera etapa de Gong, particularmente en lo que
hace a una forma irreverente de combinar la psicodelia con la fusión
y en la forma de cantar. Esto no debe sorprender desde el momento en
que se conoce que los integrantes de esta agrupación compartieron
parte de los inicios del periplo de Daevid Allen en Francia,
participando en bandas como Les Primitiv's Expression y Bananamoon.
Sin embargo adentrándonos en la escucha del álbum, son las largas
improvisaciones a la manera de trips sicodálicos las que cobran
protagonismo, con la guitarra de Lavialle o la flauta de Garrel
alternándose en general y a veces co-liderando sobre la incansable
base. Probablemente en su búsqueda de libertad estética descuidan un
poco la prolijidad, pero sin embargo es la frescura de su música
(que no por esto deja de ser densa en algunos pasajes), la que se
resalta en toda la producción. Un año después de registrar el álbum
Ame Son se separa sin dejar otro testimonio durante los 70s.
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Ame Son
Primitive Expression (1969-71)
Este fue el segundo y al parecer último trabajo del grupo francás
Ame Son el cual recoge algunos outtakes, unreleased tracks y un demo
en Directo de 1976 -aprox- en dicho "demo" hay varios cambios de la
formación original y es cortesía del sello Spalax Music en la
reedición de 1998. En está obra de Primitive Expression podemos
notar que estos músicos fueron de los pioneros del Early Prog
francás además de combinar en forma interesante la música
Underground & Psychedelic sounds de principios de los 70 con el
Avantgarde Rock de mediano calibre. Esto da por resultado una música
algo densa y experimental a ratos..., con pasajes muy viajados y
freakys. Las vocalizaciones son en francás y alguna en inglás -sin
embargo- no cantan mucho pero tienen la sustancia de prender al
escucha cuando se oyen un tanto cuanto melancólicas, onderas y por
añadidura con un feeling especial. En este disco sobresale su
alucinado y largo tema titulado "Je Veux Juste Dire" de casi 25
minutos el cual está dividido en "6 partes" por demás efectivas y
hasta dan un pequeño espacio para ciertas improvisaciones de tinte
Avantgardista y Underground. En dicho tema se encuentra la música
más rara del disco y está densamente arropada por pasajes de
guitarras elogiables y un bajo de sonido un poco repetitivo,
cadencioso y frío... más sin embargo en algunas partes resulta
brioso; la batería es tocada en forma un tanto primitiva pero con
buen ritmo y compás aunado todo eso a una narcotizada vocalidad de
variada intensidad sin faltar tampoco algunos "toquecillos
teatrales". En "Primitive Expression" persiste una magia sonora que
nos remitirá efímeramente al grupo Can (en sus inicios) y otro tanto
nos hará evocar a los también franceses de la banda Nyl. Los sonidos
sicodálicos fluyen lisárgicamente en algunos temas para luego
desaparecer por casi por completo. Este trabajo considero que es más
profundo y confuso que su primer álbum de nombre "Catalyse" de 1970
el cual estuvo algo inspirado en el estilo de Daevid Allen y Gong.
Cabe mencionar que en los 3 primeros temas que son destacables ("Le
grand cirque de la lune" {1969}, "Hein! Quant a toi" y "Comme est
morte I'Evocation") aún estaba el flautista Francoise Garrel quien
proporcionaba los motivos más dulces y finos en la música de AS y el
que le daba el toque Prog era el guitarrista y segunda voz del grupo
Bernard Lavialle. El tema No.10 de nombre "Sweet Geogia" es el que
está vocalizado en inglás y trae la influencia de Daevid Allen bien
marcada y es una pieza de corte tipo Rock Steady muy rítmica y
entusiasta cuya autoría es de Bernard Stisi uno de los 2
guitarristas originales del grupo y el primero en abandonarlos..., y
que pertenece a la etapa del grupo Les Primitiv's -pero- que en el
arreglo de AS resultó emotiva. En las dos últimas piezas que son
"Dádoublement" y "Le Dádale" las voces vuelven a sobresalir con el
tipico acento francás teatral pero de una forma más ágil la
inflexión. En ambas las guitarras descollan en precisas armonías
creando además buenos beats, con un dejo Underground de cierta
calidad. En Le Dádale en algunos pasajes me traen cierto recuerdo de
The Doors y en especial del guitar-man Robbie Krieger cuando
fraseaba y metía pausados riffs en temas como "When the music is
over" y "The End" aunque claro sin desprenderse de su onda bien
original el guitarrista Lavialle. Pues ahora no me queda más que
hacer la invitación a quienes gusten del Rock Francás con los
estilos e incrustaciones que nombrá al principio...
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Ange:
En Concert (1971)
Los shows donde se hicieron los registros de este álbum son previos
a la edición del primer disco en estudio de Ange. Parte del CD
contiene material (los primeros dos temas y el último) con la
formación que grabaría Caricatures . El sonido no es perfecto pero
es una excelente oportunidad de escuchar a la banda en sus inicios.
Decamps todavía no adopta completamente la forma de cantar tan
personal que posteriormente lo harían tan reconocible e imitado en
el rock francás. La banda parece tener una orientación más rockera y
progresiva sin que se destaquen tanto las partes vocales. Tienen
relevancia los teclados que se encuentran a cargo de los hermanos
Decamps alos que se suman aportes de guitarra y flauta, participando
de largas sesiones instrumentales, particularmente en "Atome" y
"Prophetie" de más de 17 y 22 minutos de duración respectivamente.
Sin embargo Decamps, seguramente por la elección de los temas en los
registros de meses antes se parece más al que conocemos en su
posterior producción. El CD seguramente será disfrutado por los
seguidores de la banda. Reedición en CD por Tempel, Spalax, con
horrible tapa y escasa información.
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Ange
Caricatures (1972)
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Ange
Le Cimetiere des Arlequins (1973)
Ange es el grupo que mayor popularidad logró en el ambiente del rock
francás. Sus cds se encuentran en Paris en las bateas de música
popular en lugar de en las de rock. también han ganado una gran
cantidad de retractores que le inculpan responsabilidad en la
pobreza general del rock progresivo francás. Si bien este disco no
sale de lo convencional es interesante (y me gusta). Más cercano a
la canción popular francesa (abren con un tema de Jaques Brel) que a
cualquier intento experimental, me resulta de audición agradable y
de hecho es el disco que habitualmente recomiendo a quien quiere
conocer al grupo. El protagonismo de Decamps, el cantante es
notable. Editado por Philips con nula información.
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Ange
Au-dela du delire (1974)
El tercer disco de Ange sigue por la vena teatral de inspiración
genesiana y la psicodelia inspirada en el primer King Crimson, pero
en conjunto el sonido y el ambiente resultan un poco menos
siniestros y oscuros que en el disco anterior. Aquí más bien se le
da más espacio al sinfonismo, aunque por supuesto la típica
emotividad oscura francesa sigue también presente. "Exode" y "Fils
De Lumiáre" (este último, uno de los temas más emblemáticos de la
carrera de Ange) son claras muestras de la potencia rockera del
grupo, donde la guitarra de Brezovar encuentra un espacio apropiado
para su lucimiento. "Ballade Pour Une Orgie", por su parte, es una
bella y relajada canción acústica de corte bucólico, mientras que
"La Bataille De Sucre" exhibe una rica ambientación sinfónica; ambos
aspectos se fusionan en el extenso tema final que da título al
disco. La mayoría de los fans y comentaristas especializados
consideran a este disco como exponente de la cima creativa de Ange y
definitivamente se trata de un trabajo ampliamente recomendable.
Sale Biger y lo reemplaza Jean-Pierre Guichard.
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Ange
Emile Jacotey (1975)
En su cuarto disco, Ange trama de forma obvia un distanciamiento
estilístico del sinfonismo estilizadamente dramático que había
caracterizado a sus álbumes anteriores, aunque la personalidad
teatral de Christian Decamps sigue marcando la tónica histriónica de
las canciones, y el ensamble instrumental (a pesar del cambio de
baterista) suena tan bien compenetrado como siempre: cabe añadir que
la guitarra eláctrica resalta más en la mezcla, la cual exhibe en
general una producción de sonido más pulida que antes. En Émile
Jacotey, que está conceptualmente basado en una serie de relatos
populares de la campiña francesa, la banda juega de forma más
marcada con el formato de canción, dando a ratos especial realce a
la típica dureza rockera (‘Bêle, Bêle, Petite Chávre’, ‘La Nain de
Stanislas’), y añadiendo toques casi vaudevillescos (‘Ego et Deus’,
‘Les Noces’). Los momentos menos trepidantes también incluyen
ciertos momentos sinfónicos, como en el tema de cierre ‘Le Marchand
des Planétes’; pero es tal vez en las baladas donde se encuentra un
trabajo más inspirado de composición, como sucede en la medianamente
fastuosa ‘Ode a Émile’ y en la más bucólica ‘Aurealia’. En líneas
generales, un disco ciertamente interesante pero que en las primeras
escuchas puede defraudar a los fans progresivos, especialmente
aquellos que quedaron deslumbrados con los discos anteriores de
Ange. Tal vez el mejor modo de apreciarlo sea colocarlo en
perspectiva como un trabajo de transición hacia el siguiente disco.
Sale Gárard Jelsch y lo reemplaza Guánolá Biger.
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Ange
Par le fils de Mandrin (1976)
Este trabajo de Ange es otro disco conceptual, esta vez basado en
las aventuras de un grupo de bandidos. Par les Fils de Mandrin
engloba a la vez una continuidad con su disco anterior y una retoma
de su dirección sinfónica de antaño. Dos canciones en particular, la
que da título al disco y ‘Des Yeux Couleur d'Enfants’, son claros
ejemplos de ello: combinan tonadas rockeras pegadizas con arreglos
orquestales de sintetizador y mellotron, que le añaden algo de
sofisticación al asunto, sin menoscabar el despliegue de aspereza
rockera que está siendo más concienzudamente trabajado en este punto
de la carrera de Ange. Por su parte, ‘Atlantis’ y ‘Ainsi s’En Ira la
Pliue’ nos recuerdan bastante a los ambientes oscuros de La
Cimitiére..., mientras que ‘Au Cafá du Colíbri’ y la emotiva suite
de corte pastoral que concluye el disco titulada ‘Hymne a la Vie’
nos traen de vuelta el colorido sinfónico de Au Delà du Dálire. No
podían faltar, por otro lado, los números acústicos donde el
quinteto explora su lado más meditativo y/o folclórico, como sucede
en el misterioso ‘Autour du Fou’ o el circense ‘Saltimbanques’,
temas realmente atractivos que sirven como un contraste de reposo en
medio de un repertorio repleto de momentos más abiertamente
intensos. Una vez más, el nuevo cambio en el rol de percusionista no
alteró el ensamble instrumental, el cual parece tener una
personalidad propia perenne independientemente de las ocasionales
entradas y salidas individuales. En suma, Par les Fils...
ciertamente habrá de complacer a los que tras escuchar Émile
Jacotey, extrañaban la línea predominantemente sinfónica de álbumes
anteriores.
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Ange
Tome VI (1977)
Editado a partir de un concierto realizado en París en mayo de 1977,
Tome VI es un genuino documento de la energía y sinergía que Ange
eran capaces de producir en vivo, sabiendo establecer con su
repertorio y energía interpretativa un intenso diálogo con su fiel
público: todo eso queda claro a pesar de las evidentes deficiencias
del sonido. El concierto comienza con uno de sus temas de
estandarte, ‘Fils de Lumiere’, que sirve para enganchar al público
desde un primer momento. Uno de los atractivos del repertorio
consiste en la inclusión de un tema que no aparece en ninguno de sus
discos de estudio: se trata de ‘La Chien, la Roubelle et la Rose’,
una suite de 13 minutos que exhibe el característico sello teatral y
dramáticamente emotivo de la banda. Otros momentos destacados del
disco son las versiones alargadas de ‘Hymne a la Vie’ (del Par les
Fils de Mandrin) y ‘Dignitá’ (del Caricatures), en los cuales sale a
relucir en su máxima expresión la fuerza interpretativa de Ange en
el contexto más espontáneo de una presentación en vivo.
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Ange
En Concert (1978)
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Ange
Guet-Apens (1978)
En plena ebullición del movimiento punk en el mercado musical
mundial, Ange emprende la grabación de su sexto disco de estudio. El
estilo del grupo se mantiene bastante fiel a las coordenadas de
siempre, estableciendo básicamente una continuidad con su trabajo de
estudio inmediatamente anterior, Par les Fils de Mandrin: esto
resulta especialmente meritorio si se tiene en cuenta que con la
partida de Brázovar y Haas se perdía en principio buena parte de la
fuerza creativa de Ange. Demet, el nuevo guitarrista, logra cumplir
eficazmente con su rol dentro de la banda que le acaba de dar la
bienvenida. Bien es verdad que en comparación con sus primeros cinco
discos la energía rockera ha bajado un poco su nivel de intensidad,
por otro lado, se nota en varios momentos que el nivel de
sofisticación en los arreglos sinfónicos sigue manteniendo su cuota
bastante alta, tal como sucede en el tema de apertura ‘A
Colin-Maillard’, y en ‘Un Trou dans la Case’, pero sobre todo en la
suite ‘Cap'taine Coeur de Miel’, la misma que dura 14 minutos y da
cierre al disco. El lado acústico de Ange sigue presente en dos
temas bastante bonitos como son ‘Dans les Poches du Berger’ y
‘Virgule’. En resumen, un buen disco que sin llegar a estar a la
altura de sus clásicos de años atrás, todavía mantiene un muy buen
nivel.
Claude Demet y Gárald Renard ingresan en reemplazo de Jean-Michel
Brázovar y Daniel Haas, respectivamente. Invitado: Itak Loury en
flauta irlandesa.
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Ange
Vu d'un chien (1980)
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Art Zoyd
Symphonie Pour Le Joir Où Brûleront Les Citás (1976)
Publicado originalmente en el Parteaguas N° 10.
La primera manifestación editada de este grupo rock de cámara nos
lleva hasta 1971 y al sencillo Sangria/Something In Love. Un trabajo
que data de 1969 escrito por Rocco Fernández integrante de una
primitiva versión de la agrupación llamada "Arzoide". Otros miembros
de aquella ápoca fueron: Serge Armelin, Sax. Claude Asencio,
batería. Jean Paul Dulion, bajo. Patrick Zoltek, guitarra y el
propio Fernández en guitarra. La música tal y como pudiera
imaginarse es un rock jazzeado psicodálico muy rudimentario. Al
sobrevenir los años este grupo desapareció totalmente y apareció una
nueva versión, la cual grabo en 1976. Esta tenía el nombre de Art
Zoyd 3 y entro a los estudios de registro para el lp "Symphonie Pour
Le Jour Ou Bruleront Les Cites". Aquí es donde la verdadera historia
comienza. La alineación inicial consta de: Patricia Dallio, piano.
Daniel Denis, percusión. Alain Eckert, guitarra. Gerard Hourbette,
violín y viola. Jean Pierre Soarez, trompeta y Thierry Zaboitzeff,
Violoncelo y bajo. Es en aquel momento cuando se gesta el sonido
Zoyd en un combo de jazz-rock con marcada influencia clásica de
Stravinsky, cuerdas y metales. El resultado es una obra
extravagantemente, desusada pero atrayente. No era habitual el uso
de cuerdas y metales en el idioma del rock, salvo en el rock pop de
Chicago o Nucleus. Pero acaso Art Zoyd tocaba rock?.
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Art Zoyd
Musique Pour L'Odyssáe (1979)
Un segundo álbum clarifica los conceptos. Musique Pour L' Odyssee en
1979 apareció después del áxito de Univers Zero con su primer álbum
1313 y del cual su líder y baterista había contribuido con Zoyd. Ya
la música no era tan insólita. "Musique Pour Le Odyssee" contó
también con otro miembro de U Zero Michel Berckmans en fagot y oboe.
Tras las grabaciones era obvio que el grupo ingresara a la
asociación de Rock En Oposición formada por Chris Cutler.
Constituyendo pues la primera oleada de bandas de RIO. "Musique Pour
L' Odyssee" es un disco casi sin instrumentos eláctricos y su
contexto se puede colocar mas en el terreno neoclásico y camaral que
en el del rock. A pesar de ello ingresa la obra en todos los
catálogos de rock progresivo con áxito abrumador. Su contexto, una
combinación de suspenso y horror lo coloco erróneamente como música
incidental para filmes. Este segundo disco es una obra maestra con
mayúsculas y primer disco clásico del ensamble.
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Art Zoyd
Gánáration Sans Futur (1980)
En 1980 salió al mercado subterráneo "Generation Sans Futur". En
este álbum aparecen los primeros pasos para la electrificación de
Art Zoyd. La participación de Zaboitzeff en la composición
complementando a Hourbette, fue el inicio de esta dualidad
compositora que sería el nuevo núcleo creador de la música de Zoyd.
Los temas se tornaron más enárgicos y ál título del disco sirve de
arenga para su nuevo estilo. "Generation Sans Futur" es un paso
adelante para la agrupación.
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Art Zoyd
Phase IV (1982)
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Art Zoyd
Les Espaces Inquiets (1983)
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Art Zoyd
Le Marriage Du Ciel Et De L'enfer (1984)
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Art Zoyd
Berlín (87)
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Art Zoyd
Phase IV
1982 fue el año de "Phase IV" que ratifica la dualidad compositora y
un tranco mas en ál acenso del grupo. Sale del grupo Patricia Dallio
por este disco, pero se fortifican los metales con el ingreso de
Didier Pieton. Existen varias características de este disco, pero en
todas ellas sobresale la fuerza del conjunto, que hace más accesible
la audición de la obra, que de todas, es la menos compleja. Sin
dilación aparece al año siguiente el soberbio "Les Espaces Inquiets"
un disco fenomenal. La electrónica toma un lugar preponderante sin
opacar las tradicionales cuerdas y metales. El retorno de Patricia
Dallio refresca el panorama. Un paso revolucionario doble el que dio
Zoyd con este salto. Con esto Zoyd ocupo momentáneamente la cumbre
de la vanguardia. 1984 evidenció el áxito de Zoyd cuando el bailarín
de ballet Roland Petit, observó un documental de la música de Zoyd y
quedo maravillado con las estructuras polifónicas del grupo. A
partir de ello buscó al conjunto para que musicalizara su próxima
obra de ballet "Le Marriage Du Ciel Et De L'enfer". Una vez
cristalizado el proyecto en el disco del mismo título, Zoyd se
presentó en las exhibiciones del ballet proveyendo la música en
directo en un espectáculo que combinó lo mejor del arte del ballet y
la música, ingresando Art Zoyd al universo de las artes escánicas.
Para tal proyecto Soarez fue invitado a salir y no participó ya la
sección de metales en la estructura híbrida de cuerdas y electrónica
del nuevo Zoyd. La irrupción del grupo por nuevos confines los ubicó
en la cúspide del rock de avanzada y no conforme con ello en 1987
sacaron "Berlín" para este autor el mejor disco de su historia y uno
de los mejores discos que se hayan grabado en este tipo de música.
En lo particular pienso que solo lo supera "Heatwave" de Univers
Zero pero aparte de ál no tiene match. Este nuevo lp que en la
versión original de acetato solo tiene dos temas, excluye totalmente
la utilización de metales. La presencia de Andre Mergentaller de
Univers Zero en violonchelo y sax completa la banda apuntalando a:
Hourbette, Zaboitzeff y Dallio. Los temas referidos son compuestos
por sus lideres, uno cada uno. En el CD se incorporan cinco títulos
mas de excelente calidad. La electrónica en su máxima expresión y
Zoyd en su máxima expresión son la combinación perfecta de la mejor
música de los ochenta. Quisiera decir mas, pero me reservará para
aquellos despistados que no hayan escuchado aun, así tendrán una
gran sorpresa con el cambio electrónico y mínima del conjunto. No
hubo nada registrado hasta 1990, cuando buscados para armonioso la
película clásica muda, Nosferatu de Murnau, graban su primer álbum
de los noventa. Esta cinta se exhibió en espectáculos multimedia.
Simultáneamente Zoyd aparecía junto a la pantalla tocando la música.
Este proyecto resultó muy adecuado para la música obscura del
conjunto Francás, ya que el clásico del cine de terror cobró nueva
vida. Para 1993 ya como protagonista respetado del arte escánico,
Art Zoyd participó en otro evento similar a Nosferatu. Se trató de
un evento maratoniano de doce horas de duración llamado precisamente
"Marathonnere" I Y II. Esta representación de doce horas de
permanencia de doce de mediodía hasta la medianoche sin pausar,
consagró al ahora trío galo como exponente del arte abstracto.
Quisiera dar mas detalles de este acontecimiento, pero en el CD no
viene mas información. Solo unas fotos de la representación, con
escenas de actores en el escenario con bloques de concreto ante la
mirada displicente de dos hembras, también se advierten en el
contorno del lugar docenas de envases de vino por doquier, y en la
retaguardia, se percibe al conjunto en acción. Realmente fascinantes
estas imágenes, que solo me permiten fantasear sobre lo que ocurrió
en esa ocasión. La música ya completamente electrificada es
acompañada ocasionalmente de sonidos guturales y algunas
intervenciones de cuerdas. De los 27 temas, quince son de Zaboitzeff
y doce de Hourbette. Patricia Dallio al igual que siempre solo
interpreta a los dos genios compositores y ahora ejecuta todo tipo
de teclados además del piano. En síntesis podemos concluir que la
obra es el incesante fluir de pasajes cíclicos, con ambientes
industriales y atmósferas mecánicas. Un disco cautivante que permite
decir que Art Zoyd ha llegado a un sitio nunca investigado y se ha
establecido en ál para presidir la más avanzada manifestación
artística. Dos años después de 'Marathonnere", nace "Fausta" de
nuevo tras la huella de Murnau. Para el nuevo proyecto reciben la
colaboración de Daniel Denis. Sin embargo la percusión
predominantemente acústica del líder de Univers Zero, No mella en el
basamento electrónico del nuevo Zoyd. De nuevo Zoyd musicaliza la
obra del genio del horror fílmico primitivo. Con esta nueva
incursión al mundo del cine, Art Zoyd abandona las audiciones para
concentrarse mas en el desarrollo de los nuevos caminos trazados. La
elaboración de cintas sonoras de películas clásicas y la
presentación de espectáculos multimedia, aunque después aparezca en
CD la música de esas producciones. Faust al igual que Nosferatu
contiene expresiones abstractas y uso de efectos bizarros propios
del acompañamiento de evento de terror. Algunas diferencias notables
podríamos encontrarlas en la intensidad, así es como si el grupo no
tuviera bastante con esa característica casi esencial en todas sus
obras, en esta sobrepasa el resto de hecho antes. Situación lógica
por el contenido de Faust, pero se extrañan algunos aspectos
melódicos de la obra anterior que en lo particular me encantaron.
Antes de finalizar el milenio, justo en 1997, surge Haxan.
Continuando el paso de Zoyd por territorios de sonoridad fílmica.
Esta obra que desilusionó al público ingles en su presentación en el
Queen Elizabeth Hall de Londres, por ser considerada demasiado
radical, criticas sustentada por la prensa no especializada y que al
grupo le importaron un comino. Llevándose a cabo varias
presentaciones en Europa, incluso se dijo que vendrían a méxico, con
presentaciones en Bellas Artes junto con la Orquesta Sinfónica
Nacional de méxico. En cuanto a la música, existe en ella
continuidad en el planteamiento de panoramas cíclicos. El abuso de
sintetizadores nos muestra un Zoyd casi divorciado de su
planteamiento inicial. Sus nuevo enunciados musicales, divagan
entorno a las imágenes cinematográficas complementándolas,
inventando una expresión artística totalmente nueva, Haxan
constituye el nuevo Art Zoyd en todo su esplendor. Ahora en el nuevo
milenio esperamos mas aportaciones de un grupo que rompió con todo
en aras de la creatividad, ya sean en la música, el cine, el teatro
y cualquier manifestación del arte, abriendo caminos por los cuales
nos invitan a conocer mucho mas, de lo que la cultura mediatizada y
comercial puede ofrecernos. Es ahora nuestra oportunidad de conocer
a un grupo que realmente revolucionó la música contemporánea.
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Arachnoid
Arachnoid (1978)
Arachnoid se revela a travás de su único trabajo editado como una
banda interesada en continuar con la tradición progresiva teatral de
Ange y Mona Lisa. Sin embargo, la presencia vocal es menos
predominante que en estos grupos mencionados, y más bien se da más
espacio para el lucimiento del ensamble instrumental. Los diestros
solos de guitarra de inspiración abiertamente crimsoniana, en
conjunción con los ambientes sonoros creados por los dos
tecladistas, son los que llevan la batuta de casi todos los temas:
ellos le otorgan un aspecto sinfónico a las armonías oscuras que
sirven de perfecto complemento para el canto, susurros y
recitaciones del vocalista, quien varias veces es acompañado por
unos intrigantes coros casi circenses. La dupla de batería y bajo
sostiene de manera firme el flujo emocional derrochado tanto en los
pasajes instrumentales como cantados. La edición original en vinilo
incluye siete temas, entre los cuales destaca la suite inicial "Le
Chamadáre", de casi 14 minutos de duración, así como también "Piano
Caveau", tan bello como siniestro, además de "La Guápe", donde la
parafernalia teatral de Arachnoid alcanza sus máximas cuotas en este
disco. La edición en CD incluye cuatro bonus tracks, que son
versiones en vivo de algunos de estos temas. Los amantes del
progresivo teatral "exagerado" francás estarán de plácemes al
escuchar el trabajo de este sexteto, que de haber tenido más tiempo
de existencia probablemente habría logrado un mayor nivel de madurez
en su estilo.
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Asia Minor
Crossing the Line (1979)
Grupo originariamente conformado por tres estudiantes turcos que se
instalan en Francia en 1973. Prematuramente abandonados por el
baterista convocan a un jóven de 16 años, unico integrante francás.
El núcleo de la banda se forma en 1975 pero no es sino hasta el 79
que editan su primer LP. Sin ser un gran disco es bastante
agradable. El uso de la flauta remite a Jethro Tull y de alguna
manera cargaron con ese preconcepto. Musica bien ejecutada aunque
dentro de un marco bastante convencional que se rompe cuando sacan a
relucir sus origenes turcos con ritmos y letras cantadas en su
lengua materna (son los mejores temas del albúm). El resto de los
temas presagian el sonido neoprogresivo de los noventa. Es uno de
esos discos que me agradan si no lo analizo demasiado. Edición en CD
obviamente por Musea.
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Asia Minor
Between Flesh and Divine (1980)
Es un disco más compacto que el anterior, pero han perdido lo más
atrayente. Ya no cantan en turco y el sonido es plenamente europeo
con algún ritmo turco que aparece sutilmente. Quienes gustan del neo
prog seguramente disfrutarán de este álbum. Personalmente no me
convence y de a momentos me aburre bastante. Lo que más me gusta es
el temita final que gira sobre un corto riff de guitarra que se
repite en diferentes octavas, seguramente surgido en algún ensayo.
Editado por Musea.
Ingresa Robert Kempel en teclados.
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Atlantide
Atlantide (1976)
Se trata de un proyecto musical liderado por el productor Jean
Pierre Massiera quién trabajó en otras agrupaciones de similar
orientación como Visitors, Human Egg y Horrific Child. Conduce aquí
las actuaciones de por Patrick Attali en voces, Bernard Torelli en
guitarras y mellotron, Aldo Iacomelli en bajo, Jean Marc Moutain e
batería y Jean Luc Crema en percusión. Los resultados trascienden
cualquier influencia para convertirse en una mera imitación de Yes.
Algunos pasajes parecen incluso estar copiados de Flagile. Así es
como temas como Atlantide y Soleil Noir presentan riffs muy
similares a los de Heart of the Sunrise y Long Distance Runaraud e
Images se asemeja tanto a las intenciones de Mood for a Day que
entre los sonidos de guitarra acústica se escuchan los golpeteos
contra la caja que hace en un momento Steve Howe. Cualquier otro
pasaje de desarrollo personal queda completamente opacado ante la
completa falta de originalidad comentado en estos ejemplos. La
edición de Musea en CD se completa con cuatro bonus de Human Egg,
proyecto de 1978 en el que también intervienen varios miembros de
Atlantide integrando un conglomerado de músicos que tampoco aportan
nada memorable, enmarcando estos temas dentro de las más desabridas
vertientes del AOR
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Atoll
Musiciens Magiciens (1974)
Como también ocurriera con Mona Lisa, Atoll es una de esas bandas
francesas que recibieron el influjo de Ange en su bagaje musical.
Sin embrago esta agrupación no vio limitado su desarrollo a una
simple reproducción de manierismos sino que junto con sus otras
notorias influencias, particularmente las derivadas de bandas
británicas, entre las que se puede destacar a Yes, y una inclinación
a la fusión que sin ser tan patente aquí como en L'Araignee Mal, ya
está presente logran auto imponerse un estilo propio. Cierto es que
Luc Serra, el guitarrista actuante en este álbum, posteriormente
reemplazado por Cristian Báya de a momentos se acerca a Howe tanto
como Jean Luc Thillot lo hace con el estilo de Chris Squire en el
bajo, pero en la composición sola aparecen remembranzas y nunca
imitaciones. Tal vez predominen los pasajes cantados que a veces se
sienten un poco prolongados por los reiterados falsetes. Se trata
sin embrago de un álbum bastante recomendable que llevó a la banda,
junto con los simples editados previamente a un lugar de
reconocimiento popular. La edición en CD de Musea se completa con 4
bonus de temas en vivo de 1973, con sonido bastante mediocre, pero
inetresantes como documentación.
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Atoll
L'Araignee Mal (1975)
Atoll fue un grupo que conservó su raíz francesa a pesar de tener
notables influencias anglosajonas. A lo largo de los temas es
imposible evitar las comparaciónes con Genesis, Yes y Mahavishnu
Orchestra. Los cambios de integrantes fueron otra de las
caraterísticas de este grupo quien contó entre sus integrantes a
John Wetton que aparece en los bunus de su ultimo álbum Rock Puzzle,
de 1979. Es notable que en el cuarto disco no queda ninguno de sus
integrantes originales. Este disco en particular me parece bastante
bueno con pasajes dónde la guitarra lidera pero con un predominio de
teclados y violín. Este da un toque que algunos han denominado
"fusión" y que es lo que más los acerca al sonido de la MO. "La
Araña Maligna" es un albúm conceptual (todo grupo progresivo de los
70, quiso tener uno), reeditado como es costumbre por Musea con un
bonus track, uno de los temas del LP original (Cazotte N° 1) en
versión en vivo más prolongada y con participacióncon saxo.
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Atoll
Tertio (1977)
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Atoll
Rock Puzzle (1979)
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Bedjabetch
Subrepticement (1979)
Sobre esta banda de fusión instrumental se han tratado de establecer
lazos con el estilo Canterbury. Puede decirse que hay un permanente
cuidado en las líneas melódicas, se realza el trabajo grupal por
sobre la para mi aburrida sucesión de solos instrumentales de la que
suelen abusar varias poco imaginativas bandas de fusión, con el solo
fin de alimentar el ego de sus integrantes e impresionar banalmente
a los oyentes. En este sentido, afortunadamente, puede decirse que
hay algunos parámetros que los acercan a los ingleses. Sin embargo,
los otros aspectos musicales que pueden apreciarse en la obra son
disímiles en este sentido. De hecho estos franceses parecen tener
una directiva más convencional, menos explorativa y arriesgada. A su
favor se destaca una notable capacidad de sus miembros en la faz
instrumental con agradables jugueteos armónicos entre los acogedores
teclados de Patricia Hue, dama que se encarga predominantemente del
piano, la sobria y elegante guitarra de Merino y fundamentalmente
los vientos de Olivieri, generosamente dominantes en el paisaje
instrumental de la banda. Con esta forma de trabajo llegan incluso a
tener pasajes realmente encantadores. Bedjabetch parece querer
priorizar la belleza por sobre la innovación y querer emocionar más
que conmocionar, lo que se traduce en una música diáfana, sin
exabruptos, incluso cuando conducidos por una entusiasta y prolija
sección rítmica arriban a los momentos de mayor intensidad. Pero al
seguir este camino se corre el riesgo de caer en momentos anodinos
al recurrir excesivamente en los convencionalismos de la fusión, tan
frecuentes en este periodo de fines de los 70s. Aparecen entonces
los clichás y la sensación ilusoria de haber oído esta música muchas
veces en el pasado Cuando logran apartarse de esta recurrente
tendencia, y por suerte hay varios tramos en el que bien lo logran,
es cuando he logrado disfrutar de la música de este álbum. En
balance general es, para mi gusto, bastante positivo sin llegar, por
las razones expuestas, a deslumbrar.
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Carpe Diem
En Regardant Passer Le Temps (1975)
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Carpe Diem
Cueille Le Jour (1976)
"Cueille le Jour" es una obra que apuesta frontalmente por la
belleza serena y la creación pausada de ambientes emocionales
cautivantes, a travás del inteligente empleo de texturas y el sutil
manejo de una envolvente energía poática por vía de líneas melódicas
que no son ampulosas, sino más bien producidas a partir de
variaciones y añadidos sobre una idea básica inicial que apunta
hacia la llegada de un clímax eventual. El aire predominante en este
bello disco es el de serenidad reflexiva. La manera en que se
articulan las composiciones y el diálogo fluido mantenido
constantemente por los músicos (destacan especialmente Tuchi y
David) ayuda al repertorio a adquirir una magia extraña e
irresistible a la vez. En medio de este manejo de texturas, los
solos aparecen para añadir retazos de colorido que armonizan muy
bien con la integridad de cada pieza. Por su parte, la sección
rítmica funciona como un soporte preciso, muy puntual, aportando en
numerosas ocasiones elegantes síncopas de corte jazzero que se
condicen con los solos de viento y aportan exhuberancia a las
orquestaciones de órgano y sintetizador. El lado A del vinilo
consiste en una suite de cinco secciones, ‘Couleurs’, que se
constituye en el punto máximo del disco, e ilustra a la perfección
los puntos que he expuesto anteriormente. Pero los temas más
concisos que siguen a continuación, a pesar de no ser tan
brillantes, no suponen un desmedro para la calidad musical del
disco: temas como ‘Naissance’ y ‘Le Miracle de la Saint-Gaston’ una
belleza serena y elegante, la misma que adopta un tono más ‘ligero’
en ‘Laure’ y ‘Tramontane’, más circunscritas a lo jazzero. En
general, pareciera como si la creatividad de Carpe Diem solo pudiera
brillar de manera plena en los temas de ambicioso desarrollo, pero
queda claro que el talento creativo de este ensamble está siempre
presente. Finalmente, el dueto de piano y saxo soprano titulado
‘Divertimento’ cierra el disco con un toque de melancolía sazonada
de solemnidad, con un tono marcadamente académico: un cierre hermoso
para un gran disco.
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Chico Magnetic Band
Chico Magnetic Band (1970)
Originariamente llamados Chico & The Slow Death. La inspiración
hendrixiana del álbum es innegable y de hecho se remarca con una
extraña versión de Cross Town Traffic. Sin embargo el trabajo de
Chico Magnetic Band no se limita de ninguna manera a recrear el
sonido del sonido el mago de la guitarra. La música de la banda es
exultante y a veces primitiva. Sin embargo hay una constante
búsqueda, que a veces incluso accede a lo experimental. Lo hace
desde cierta puerilidad, es cierto, sin embargo estos momentos son
tan atrevidos que terminan siendo regocijantes. La combinación de
rock a lo Hendrix , cabalmente plasmada en "We All Come and Go" es
combinada con voces guturales y fuerte presencia de percusiones casi
a los Santana (una combinación que trae a la mente a los actuales
The Mars Volta) en "Explosion" . Temas de esta propensión se
alternan, por ejemplo, con "Pop Pull Hair", una estructura bastante
simple que cuenta con efectos de consola, pero pasada completamente
en sentido inverso. Para matizar aún más, tenemos la voz de Chico
aproximándose al Captain Beeffhart en pose negligente entre riffs
desgarrantes en "Lot of Things". "To Where I Belong" parece querer
reintroducirse en la electrónica a juzgar por sus primeros sonidos,
sin embargo rápidamente se sumerge en hipnóticos ritmos orientales
que dan paso a cortantes riffs de guitarra eláctrica que se apoya en
las acústicas y anuncian el retorno a la vertiente hendrixiana. Para
"My Sorrow" uno ya reconoce los elementos típicos de la banda, sin
embargo la voz de Chico y tal vez en menor grado la guitarra de
Monneri traen algún nuevo hallazgo con remembranzas a Black Sabbath.
El tema final es "Pop Orbite", en una tónica mas liviana presenta
aportes de órgano y una serie de efectos especiales bastante
insólitos en un disco como este. Edición original por Box Office en
1970, para desprejuiciados amantes del la psicodelia dura, atestada
de guitarrazos. Bernard Monneri Formará parte más tarde de
Terpandre.
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Clearlight
Clearlight Symphony (1975)
Clearlight es un proyecto liderado por el compositor y tecladista
Cyrille Verdoux, el primer músico progresivo francás en firmar para
un sello británico del nivel de la Virgin. Con este respaldo
registra en 1975 su composición "Symphony" que consiste en una suite
en dos partes, cada una de ellas ocupando un lado del LP original.
Por cuestiones meramente comerciales en el lado A aparecía lo que en
lo compositivo era la segunda parte. El motivo de este trueque fue
que en esa parte grabada en los estudios Withe House participaban de
la grabación nombres conocidos con Steve Hillage en la guitarra, Tim
Blake en sintetizador y Didier Malherbe en vientos, todos
provenientes de Gong. En el lado 2 registrado en The Manor los
miembros eran otro excelente guitarrista, Christian Boulá y Gilbert
Artmen en batería y vibráfono y Martín Isaacs en bajo. Predominan
las atmósferas ligeras y agradables con melodías parsimoniosas. En
lo personal prefiero el segmento en que se hace acompañar por los
miembros de Gong, más rico en ajustados contrapuntos entre los
teclados y la guitarra y con los característicos timbres de los
instrumentos de Hillage y Blake muy patentes, que hacen más
tempestuosa la atmósfera generada. En 1999 el sello Clearlight Music
reedita este trabajo en CD con el orden de los movimientos con que
fuera compuesta esta recomendable obra. Durante el año siguiente a
esta grabación Clearlight se organizó como agrupación y realizó
giras junto a Gong. Los argentinos recordarán que en esta agrupación
durante un tiempo, en reemplazo del violinista David Cross participó
Jorge Pinchevsky antes de su pasaje por Gong.
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Clearlight
Forever Blowing Bubbles (1975)
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Clearlight
Les Contes Du Singe Fou (1976)
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Clearlight
Visions (1978)
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Coeur Magique
Wakan Tanka (1971)
Coeur Magique era un muy efectivo y prendido cuarteto francás de
principios de los 70 -pero- que a la vez fue un efímero grupo que
grabó tan solo este grato y armonioso trabajo que lleva por nombre
el de aquella antigua Deidad o Gran Espíritu conocido como "Wakan
Tanka" al cual los Lakotas y Chamanes le brindaban grandes
ceremoniales para ganar su favor y bendiciones ya que para ellos WT
estaba por encima de todo y lo gobernaba todo. En rasgos generales
yo considero que la música de CM estaba ligeramente dentro el marco
del reciente Early Prog francás y que además combinaba
excelentemente el Hard Rock con elementos de Latin Beats muy bien
puestos, sin faltar una incipiente "teatralidad francesa" en el
canto el cual nos hará recordar por instantes aquella excántrica
"Belle Epoque"; agregando a su música también ligeras influencias
del famoso San Francisco Sound que varios de los grupos de la Costa
Oeste magnificaron a finales de los 60s, y de los cuales Coeur
Magique añadia en volátiles tonos que pueden ir del Psych al Rock
Power de tintes melódicos. La voz cantando en francás de Harry Seur
es en verdad estupenda y en todo momento arropa y realza a todos los
matices musicales que el grupo va desarrollando en los 7 temas del
disco. también queda de manifiesto que la originalidad musical es
una de las virtudes de este grupo en donde los temas imponen una
belleza sonora y una limpieza cuasi-luminosa de un Rock francás que
gusta por su perfección -además- de por su pasión y cierto sentido
del humor. Definitivamente la pieza más significativa es la que da
titulo al disco "Wakan Tanka" con duración de {9:22} y en la cual
percibo se adentran en algo que podría considerarse como West Indian
Progressive Music. Aquí se aprecia que este tema es el mejor en
cuanto a arreglos y composición..., con unos cambios de ritmos bien
realizados y bastante Beat en todo momento, aunado a cánticos indios
efímeros y sonidos volátiles de tambores semi-chamánicos,
percusiones, etc. El guitarrista y compositor Claude Olmos da rienda
suelta a toda su tácnica guitarristica empleando excelentes riffs
llenos de feeling y además ejecuta en forma muy precisa una guitarra
rítmica que por momentos se escucha en primer plano; y más adelante
vuelve a sobresalir la potente tesitura vocal de Harry Seur el cual
es un estupendo cantante. Otros temas importantes de resaltar son:
"Mademoiselle Marie" estupenda rola que enseguida prende al escucha,
y en donde uno tiende a moverse un poco debido al prendidote bajeo,
batería idem y la siemppre efectiva guitarra de Olmos. Desde luego
que también destaco a "Scéne de Ménage" (excitante y algo Harsh), la
preciosa "Ellocia" (melancólica y bien emotiva), y las dos partes
humorísticas y bastante ritmicas latinas de la movida "Le Cocotier".
A este grupo francás es algo difícil emparentarlo con otros grupos
-aunque- me atrevo a decir que les percibo ciertas influencias de
bandas como: Mandrill, Alice (el grupo francás), Quick Silver, a los
del grupo Free (por el bajeo tipo Andy Fraser), y de los noruegos de
Titanic; más sin embargo CM tuvo su sello bastante personal y por
ende muy original al crear su apasionada e interesante música. Por
último quiero agregar como referencia que a CM le escuchá dos temas
ináditos y sin titulo de un cd pirata (grabación de 1973 -aprox-) en
dónde ya no traen al cantante (completamente instrumental) -pero- lo
más interesante es que andan un poco en la vía de la Zeuhl music y
por ende algo evolutivos... añadiándole a su sonido un violín y un
sax.Yo tratá de conseguir la grabación completa con su nueva
formación pero todo fue inutil ya que al parecer solo compusieron
esos 2 temas desconocidos y se desbandaron al poco tiempo. Pero
bueno, está es otra historia que no tiene nada que ver con su disco
Wakan Tanka.
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Dün
Eros (1981)
Este grupo es oriundo de Nantes, oeste de Francia. El disco LP fuá
grabado en 1981. El estilo del grupo es muy cercano al RIO de
Sammla, con cosas muy a la Zappa y Magma. Este grupo se unió al
manifiesto colectivo de Henrry Cow de Rock In Opposition.
Musicalmente el grupo tiene una riqueza de de sonoridades cuidadas a
gran detalle, hay mucho de música clásica contemporánea y jazz, como
buenos franceses tienen mucha tendencia vanguardista. DÃœN juega
mucho con las texturas y ambientes haciendo que su música sea muy
detallada y sobria. Su música no es tan intrincada como algunos
grupos de RIO, más bien es muy fina. Él concepto musical es bien
redondo y los músicos son muy buenos ejecutores. En los bonus tracks
hay un concepto un poco diferente en cuestión musical , la presencia
del sax acentúa el sabor RIO y además hay un poco más de similitud a
la Etron Fou Leloublan.
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Dickens
Royal Incarnations (1969)
Un pequeño gran hallazgo de la escena psicodálica francesa en los
60s. Se trata de una de las pocas bandas que llegaron a grabar un LP
completo. Las influencias de las bandas psicodálicas post 67 de la
costa oeste norteamericana son bien notables, con varias
aproximaciones a Iron Butterfly y fundamentalmente a The Doors.
Curiosamente, el tema en el que más de aproximan a la banda de
Morrison no es estos ni de composición propia sino de una banda poco
conocida también de EEUU, llamada Genesis (posteriormente The Wilde
Knights) que adaptan y cantan en francás con el nombre de "Ange de
Lune". En algunos pasajes pueden recordar también a Pink Floyd, como
en el tema final, "Opus" y en las canciones, para mi gusto menos
atractivas acercarse a Fleetwood Mac como en "Sugar Woman", y hasta
a Led Zeppelin en "Catacysme", tema que abre el álbum. Sin embargo
lo más interesante de Dickens no es todo esto que estamos comentando
sino que en algunos pasajes y muy particularmente en su
tema"Genoside", sientan un precedente que poco tiempo más tarde será
tratado con mayor desarrollo por bandas como Ange o Mona Lisa. Un
desarrollo muy climático alternado con pasajes de mayor intensidad y
una participación histriónica del cantante con dramatización,
susurros y gritos. Los integrantes de Dickens no son grandes
instrumentistas, pero al igual que el cantante saben cuales son sus
posibilidades y las saben explotar adecuadamente para generar una
obra que tal vez valga más por el lugar y momento en el que se
produjo que por sus virtudes musicales intrínsecas, pero que para
los amantes de las búsquedas de las raíces del progresivo se
convierte en trabajo más que interesante de ser analizado. Como es
de esperarse por lo anteriormente comentado son la guitarra
eláctrica y el Hammond los instrumentos obligados a liderar los
pasajes instrumentales siendo aceptablemente acompañados por el bajo
y la batería. Las voces alternan el inglás y el francás, siendo más
interesante cuando lo hacen en su propio idioma. Unico trabajo de la
agrupación. El baterista participó posteriormente en Treponem Pal.
Edición en LP por President en 1969. En CD por Fanny (F050993) en
1994.
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Emmanuel Booz
Au Restaurant d'Alice (1970)
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Emmanuel Booz
Le Jour Ou Les Vaches... (1974)
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Emmanuel Booz
Clochard (1976)
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Emmanuel Booz
Dans Quel Etat J'erre (1979)
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Etron Fou Leloublan
Batelages (1976)
Fragmento de la nota publicada originariamente en "El Parteaguas"
Dentro del contexto innovador del rock Francás, han emergido las más
radicales expresiones musicales. Magma, Art Zoyd, Heldon y Albert
Marcouer son algunos de los contribuyentes más trascendentales de
esta alternativa artística. Dentro del rock en oposición Etron Fou
Leloublan fue la primera congregación Gala que se ligó al
pronunciamiento musical encabezado por Henry Cow. Estos pioneros
tuvieron sus ciernes artístico en la escena subyacente francesa de
principios de los años setenta. Las características únicas de su
música gravitan en dos factores esenciales a decir: El manejo de la
lengua gala para su expresión vocal, y el deseo de la banda en
sostenerse al margen, esto como rechazo a la industria de la música,
cuyo interás era eminentemente económico y no artístico. Su
actividad creativa radicó en la exploración de espacios no
contemplados en la dimensión de la música rock, fusionando aspectos
de otras músicas como el Jazz, El folk y la avanzada. La naturaleza
oscura de la banda no ha permitido reunir mucha información de los
pormenores de su gestación y se reduce a algunos detalles de las
solapas de sus discos. La cobertura informativa de las revistas
especializada tampoco refieren grandes rasgos sobre ella, de hecho
solo citan los títulos de sus obras y carecen de comentarios que
vayan mas allá de su fecha de publicación. Lo exiguo que indagamos
es que se forman 1973 en el sur Francás (Toulose), por su
percusionista Guigou Chenevier, Este a su vez incorpora a Ferdinand
Richard (bajo, guitarras y voz) y por último se les une Chris Chanet
en metales y vientos
. . .
No es hasta 1976 que consiguen producir su primera muestra
discográfica "Batelages". Para tal obra les acompaña Eulalie Ruynat
en voz. La destreza adquirida por su andar en los puntos de música
subterránea Francesa les permiten alcanzar un fruto excepcional. El
corte inicial L'Amulette et le petit rabbin inaugura el trabajo con
un solo de guitarra convencional y melódica, típica de alguna gema
progresiva italiana, tras ello y detrás de dos ciclos de acordes,
súbitamente se transforma en un asalto rítmico de guitarra eláctrica
y batería que acompaña los primeros vocales que a manera de proclama
incitan la tensión del estribillo, luego, vocales anárquicos colman
la escena invitando el estruendo sonoro total del remanente de los
instrumentos en una primera muestra del total esplendor de la banda.
El contrapunto de maderas y bajo parece diseñado matemáticamente por
su exactitud en los ciclos, una introducción memorable. Se suceden
el tema percusivo "Sololo Brigida", la jocosa "Yvett blouse, "madame
Richard", larika" y culmina con la "Histoire de graine", esta ultima
es lo mejor de la selección arrancando con una especie de
improvisación colectiva que se torna en la sutil base temática con
los vientos en la vanguardia, con los más inauditos ritmos de
comparsa, con el talento y tácnica de Richard y Chenevier en foco.
Vaya inicio pues, el que obsequia el conjunto francás como un breve
aperitivo para subsiguientes banquetes. Un disco sublime entre los
clásicos de la vanguardia progresiva.
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Etron Fou Leloublan
Les trois fou's perdegagnent ( )
El segundo capitulo discográfico llevo por titulo "Les trois fou's
perdegagnent". Ya sin Ruynat y Chanet, cubriendo a este ultimo
Francis Grand que tocó alto y tenor sax, melódica, flauta, citara,
harmonica además de agregarse a los vocales. también colabora con
guitarra Jean Pierre Grasset quien separadamente funge como tácnico
de sonido suministrando una sucesión de efectos que tonificó de mas
complejidad al ahora transitorio cuarteto. El alcance de los
anteriores factores logra un refinamiento tanto en el sonido como en
la estética de la banda. El humor propuesto en el primer disco tuvo
considerable aparición, dicha extravagancia se proyecto
primordialmente por el equipo de vientos, al tiempo que el apartado
rítmico pululaba de un ámbito a otro con múltiples e inconcebibles
variantes, aparecen en mayor rango una curso de efectos sonicos
cortesía de Grasset los cuales hacen cavilar que no son solo cuatro
los instrumentistas. Otra mejora armonica fue el incesante
interlinear entre la guitarra y los vientos como en la tripartita
"Recherche Pour un jornal..." con el guitarrista navegando por
secuencias muy Frippianas o quizás a la Heldon, el ritmo tenaz se
mantuvo hasta que una progresión de saxofones que parecen mas de
cien encaran a una guitarra que se les evapora por cada hueco
permitido sin ser doblegada por dicho estruendo, conservando intacta
y diáfana su presencia, un corte prodigioso que legitima por si solo
el disco. El lado b del acetato entra con "Le desasterux voyage de
piteux python" con una anárquica tertulia inconclusa por una
armónica seguidamente flanqueada por el remanente del instrumental y
la cual parece extraída de una versión francesa del álbum Strictly
Personal del Captain Beefharth, en el modo clásico de la banda
mágica. Los demás tracks deambulan por una sucesión de propuestas
ináditas que posisionan a la banda como prototipo de la vanguardia
progresiva complementando este álbum que resulta otro clásico
cardinal del sonido RIO.
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Etron Fou Leloublan
En public aux Etais Unis D'Amerique (1979)
Tanto se asemejó la naciente estética de la banda por los sonidos
revolucionarios que fueron acogidos por el grupo ingles Henry Cow
para una excursión por el Reino Unido formalizando la adhesión de
los franceses al conglomerado de Rock en Oposición, el cual tuvo su
aparición oficial en Londres a lado de dichos ingleses, Samla Mammas
Manna, Univers Zero y Stormy Six toda una pláyade de celebridades de
la nueva música. Ciertamente dicho contacto permitió una afinidad
estrecha con Fred Frith líder de Cow ahora transmutado en Art Bears
y el músico ahora residente de Nueva York, influyó a los galos para
una expedición en los Estados Unidos. Esta tuvo efecto en 1979 en el
este yanqui y esta documentada en el álbum "En public aux Etais Unis
D'Amerique" en noviembre de ese año. Para tal evento Francis Grand
ya no estaba en la banda y el reemplazante Gerard Boule abandono a
la banda semanas antes de la marcha al nuevo continente siendo
substituido por Bernard Mathieu que se encargo de los vientos. El
anhelo de exhibir su música en "el país de las oportunidades" motivo
además la obsesiva idea de grabar algún recital como testimonio de
su recorrido. El tour tuvo repercusiones en la prensa francesa la
cual difundió el áxito de los Etrons en las publicaciones
especializadas. Las tocadas en si muestran a la banda en todo su
esplendor, ejecutando frenáticamente temas de sus primeros trabajos
y nuevas composiciones, también expusieron material espontáneo de
gran calidad, este percibible ya en el documento grabado con "Ida
trop hard", que parece ser un fragmento no grabado del Soft Machine
"Third". El estilo de Mathieu también aporta nuevo material
excelente, como en "Rose" y "Et puis", y colaborando en jams como en
"Binet d'eau chaude". Sin duda la gira resultó exitosa y ál público
gabacho apreció en verdad al grupo recibiendo de este una lección de
buena música lejos del AOR típica que se escucha en ese país de poca
cultura musical.
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Fille qui Mouse
Trixie Stapleton 291: Se Taire pour una Femme Trop Belle (1971)
Otra de las obras reeditadas por el sello Futura Records para su
"RED series, musiques rock & pop" y otra de las bandas
representativas de la vanguardia subterránea parisina liderada por
Henri Jean Enu. Me resultó un álbum inquietante, estimulante,
movilizador, provocador de muy diversas sensaciones, entre ellas la
angustia. Hay segmentos que arrastran mi imaginación hacia una
hipotática banda de música de una imaginaria obra cinematogáfica que
cruza la nouvelle vague con la psicodelia. La obra esta
absolutamente balanceada y sin embargo es sorprendente a cada
paso,incluso el sorpresivo e interrupto final. Describir la música
es dificultoso. Evidentemente formados en la escuela del jazz, se
sumergen definidamente en la psicodelia sin proponerse fronteras,
fracciones de electrónica, relatos despojados, insinuaciones a la
música concreta y absorbentes jams forman parte de esta obra
imprescindible. Anteriormente publicado con diferente edición por
Spalax y Mellow.
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Heldom
Electronic Guerilla (1974)
En el mismo año en que abandona su doctorado en filosofía en la
Sorbona el eje central y unico protagonista permanente de Heldon,
frecuentemente el único, publica la primera de sus obras musicales.
Richard Pinhas no ha hecho ningún esfuerzo por ocultar la influencia
que Robert Fripp ha tenido en su obra, y tal vez en parte por esta
actitud de honestidad intelectual es que su música ha sido siempre
creíble. Por supuesto hay que decir que las estructuras musicales
presentadas por Fripp en sus álbumes con Brian Eno, se encuentran
como una referencia casi constante en "Electronic Guerrilla" y los
timbres sonoros rememoran permanentemente la audición de "No
Pusifooting" o "Evening Star", sin embargo todo esta cuerpo musical
es tomado por Pinhas como una materia prima para generar su propia y
personal obra. Heldom presenta un cariz más agresivo, probablemente
más visceral y una variante de sonoridad más electrónica que la de
la experiencia británica. La mayor parte de los temas está
interpretado por Pinhas como solista utilizando un sintetizador AKS
y una Gibson Les Paul del ’57, teniendo como colaboración a Alain
Renaud en guitarra en "Northernland Lady" El contexto del álbum es
fracturado por la presencia de "Ouais Marchais, mieux qu’en 68 (ex
Le Voyageur)" un tema que cuenta con la participación de una banda,
con la intrigante voz de Gilles Deleuze y la compañía instrumental
de George Grumblatt en VCS3, Patrick Gauthier en piano y VCS3, Coco
Roussel en batería y Pierrot Roussel en bajo. Los textos pertenecen
a Nietzsche (años más tarde al retomar su actividad como filósofo,
Pinhas nalizaría las relaciones entre es escritor y la música). Se
trata de lo más análogo a una estructura de rock que se puede
escuchar en esta muy recomendable obra. El álbum está dedicado a
Robert Wyatt, aunque no debe esperarse concordancia musical alguna
con la obra del hároe canterburyano. El sello Cuneiform a publicado
este álbum junto al tercer disco, "It's Always Rock and Roll" en un
doble cd.
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Heldom
Allez Teia (1975)
Para el segundo proyecto discográfico de Heldon, Richard Pinhas
reclutó a George Grunblatt como un firme colaborador en mellotron,
segunda guitarra y sintetizador adicional; también contó con la
ocasional participación de Alain Renaud en guitarra acústica, y
Alain Bellaiche en el bajo. Sin una sección de batería, los
instrumentos encuentran un espacio más amplio para ejecutar densas e
intensas texturas eláctricas, sobre las cuales se extienden
alucinados solos de guitarra de una tendencia claramente inspirada
en los cánones establecidos por Robert Fripp en sus discos a dúo con
Brian Eno. Éstos son los delineamientos seguidos en los temas "In
The Wake Of King Fripp" (título a modo de tributo no demasiado
sutil), "Omar Diop Blondin" y "Michel Ettori". Hay otros temas,
específicamente "Fluence" y "St. Mikael Samstag Am Abends", donde la
presencia exclusiva de teclados electrónicos sirve para edificar
ambientes oscuros y ‘casi minimalistas’, que no por ser
aparentemente reposados dejan de transmitir una sensación de abierta
tensión: aquí podemos ver una fuerte influencia de los grupos
germanos basados en los teclados (como Tangerine Dream o Cluster).
Intercalados entre estos ejercicios de psicodelia visceral,
encontramos un par de temas de corte pastoral, hermosos e
introspectivos, interpretados a dúo de guitarras acústicas
("Aphanisis" y "Moebius"), los cuales sirven como peajes de descanso
momentáneo para el oyente. En fin, aquí tenemos un disco bastante
variado, básicamente una colección de pasajes instrumentales
compuestos y arreglados a partir de diversas vertientes musicales;
pero es en los temas de inspiración frippiana donde se concentra la
mayor dosis de atención y elaboración de parte de Heldon.
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Heldom
It's Always Rock and Roll (1975)
Pinhas y su banda continúan la tarea de exploración de los paisajes
electrónicos ya característicos. Más rítmicos que Fripp & Eno, más
accesibles que Cluster y sin concesiones igual que los anteriores.
Con un título que inevitablemente se relaciona con el de un álbum de
The Rolling Stones, inmediatamente se advierte que el la único lazo
posible de establecer es la contraposición conceptual. Un disco
doble que en la reedición de Cuneiform Records se une a Electronic
Guerilla en un doble CD, presenta nueve temas de enorme densidad,
con un enfoque casi industrial, con un desarrollo casi minimalista,
con acercamientos al ambient y a los consabidos frippertronics, la
guitarra de Pinhas repetidamente recurre a los timbres del Rey
Carmesí, pero puede desarrollar desde los resonancias espaciales más
apacibles a las sonoridades más violentas. Se trata de un collage
musical lejano de las estructuras tradicionales del rock, aunque de
cualquier manera lo sea.
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Heldom
Heldon IV (1976)
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Heldom
Un Reve Sans Consequence Speciale (1976)
Richard Pinhas, en el quinto disco de Heldon, se codea con el
baterista / percusionista François Auger, y también con Patrick
Gauthier, a cargo de algunos sintetizadores adicionales, además de
contar con la participación incidental de los bajistas Didier Batard
y Janick Top. Aquí el ‘invitado estrella’ es el primero de los
mencionados, por lo que la sección rítmica adquiere un protagonismo
mayor al que se podía encontrar en cualquiera de los trabajos
previos de Heldon. El sonido aquí le pone mucho ánfasis a las
secuencias de sintetizadores y estructuras rítmicas tribales, las
cuales sirven para edificar un cimiento sonoro bastante agresivo;
esto obliga a que los juegos de guitarras eláctricas y efectos de
sonido se tengan que expandir de forma más frontal y violenta. Toda
la parafernalia psicodálica de inspiración frippiana y germánica, de
la cual bebe el Sr. Pinhas, debe aumentar sus decibeles y contener
lo menos posible la inmensa fuerza expresiva que caracteriza a las
composiciones de Heldon. En este sentido, son los temas "Marie
Virginie C." y "Toward The Red Line" los más emblemáticos (y también
los más extensos) de este disco, tomado en su conjunto. Lo mismo
encontramos en otros temas menos prolongados, como son "Perspective
IV Ter Muco" y "MVC II". también merece una mención especial
"Elephanta", tema compuesto por Auger: se trata de un hipnótico
ritual de ocho minutos y medio de duración donde la batería y una
serie diversa de instrumentos de percusión asumen el protagonismo, y
el sintetizador Moog de Pinhas es utilizado para añadir texturas
percusivas. En suma, tenemos aquí un disco bastante compacto, donde
se muestra de forma más directa (y si cabe decir, más ‘rockera’) la
personalidad visceralmente oscura de la música de Heldon.
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Heldom
Interface (1977)
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Heldom
A Dream Without (1978)
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Heldom
Standby (1979)
El último álbum de Heldon es una verdadera aplanadora. Pinhas y su
troupe desarrollan aquí algunos de sus costados más "pesados",
rítmicos y oscuros. La base rítmica conformada por Auger y Gautier
aportan los cimientos sobre los que se construye el resto de la
elaboración musical con el arsenal de teclados ejecutados por
Gauthier y Pinhas y la guitarra del líder de la banda esta vez
t'imbricamente algo más lejos de las guitarras frippianas en la
mayor parte de las intervenciones. El álbum presenta solo tres
temas. En los más de catorce minutos de Stand Bay los cambios
rítmicos que se suceden son solo una excusa para la mayor y mayor
intensidad en la que se despliega una furia musical que no por
agresiva deja de ser puntillosa y ornamentada. En "Une drole de
journáe" la introducción rítmica que rememora al Tangerine Dream
post Phaedra pronto se abre a una sesión de fusión pletórica de
matices electrónicos. Bolero transita a lo largo de sus casi
veitidós minutos y sus ocho partes (Apprehension, Bolero proprement
dit, Recognition, Repetition, Rote Armee Fraktion, Production,
Distribution, Deterrioration), diferentes aspectos de alternante
raíz frippiana, cósmica berlinesa y hasta pop electrónica con
abundantes sonidos espaciales montados sobre teclados y guitarras de
acción casi percusiva y el ahora delicado tandem Auger - Batard. No
falta en la segunda parte un motivo rítmico que da sentido al título
del tema. Sobre la mitad del tema se inicia una escalada sutil pero
resoluta liderada por la guitarra alternando la posta con los
teclados. Absolutamente recomendable.
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Horrific Child
L’Etrange Monsieur Whinster (1976)
Otro más de los diversos grupos fantasma producidos por Jean
Pierre-Massiera (Visitors, Atlantide, Human Egg, etc). En este caso
Massiera construye la banda sonora de un film inexistente. Solo tres
temas componen el disco que apenas supera la media hora de duración.
En el primero de ellos, Frayeur se percibe un clima de permanente
suspenso, terror y oscuridad en el que abundan los efectos de
sonido, relatos, jadeos, gritos, pasos, resonancias electrónicas,
ambientaciones sonoras urbanas y rurales que acompañan a una
historia de pesadilla que desde el influjo sonoro podemos imaginar.
La música, en el sentido convencional del tármino, tal como lo hace
en una película, aparece de a momentos marcando determinadas
situaciones, pero la estructura general del tema evidentemente no la
contempla como un componente principal. Esbozos de orquestaciones y
algunas sonoridades floydianas inciden tímidamente en un recurrente
amago de inicio de la sección musical. El segundo tema, llamado
Angoisse es un pastiche en el que aparecen canciones tribales
africanas entre referencias a Pink Floyd y a Yes. Incluso durante
unos segundos hay una cita a Relayer demasiado cercana para ser
casual. H.I.A. (Horror Indescriptible et Acumuláe) es el tema final,
una suerte de relato acompañado de batería y órgano. La portada,
bastante coherente con el contenido musical del álbum nos muestra al
protagonista enfundado en su armadura y apoyado sobre un cráneo
humano rodeado de reptiles y vampiros. En la parte inferior una
advertencia desaconseja su escucha a las personas sensibles. La
contratapa remeda a un antiguo prospecto de fármacos. Se trata más
que nada de una curiosidad y un objeto de búsqueda de los
coleccionistas más que de una obra musical de valor artístico.
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Magma
Magma es un grupo que ha venido para transportarnos a espacios
intergalácticos, en un Rock que evoluciona las ideas y los
preceptos, enfrentando un movimiento construido en dimensiones y
contextos extraordinarios para eliminar toda resonancia de matices
convencionales. Comprender, captar y asimilar estas propuestas,
requiere de una disposición completamente abierta, objetiva y
concentrada, ya que la esencia musical que provocan sus interpretes,
resulta una increíble fantasía. La actitud de la música de Magma
surge de la conciencia de que vivimos un tiempo en el que se presta
mucha atención a todas las expresiones de arte popular y trabajan
activamente por el re-descubrimiento de una "nueva conciencia". Los
miembros de Magma están en contra de una visión del mundo que
reduzca a la persona a un simple observador impotente, con su
dignidad creativa reprimida y su libertad coartada. Están en contra
también de las formas de vida imitativas cuyo reino es una suprema
mediocridad. Sin embargo Magma no olvida lo tradicional, pero con la
idea de que hay que hacer presión para que la imaginación se libere,
particularmente en los medios de comunicación contemporáneos. Magma
fue integrado en París en 1969 por Christian Vander, un
extraordinario baterista que había tocado con gentes de la talla de:
Chick Corea, Dave Holland, Grachan Monchur III y John Hicks. En ese
entonces al grupo lo conformaban 12 elementos: una sección de
vientos, 2 bajistas (eláctrico y acústico), 2 cantantes femeninas,
una tecladista, 1 percusionista, 1 guitarrista y 2 músicos más
(efectos, ruidos, etc.). Magma en tárminos geológicos es la materia
incandescente que se encuentra bajo la corteza terrestre; el grupo
intentaba funcionar en base al espíritu, ya que les proporcionaba
una profunda inspiración. Esto alimento la imaginación de Vander,
para hacer surgir una nueva música de compases extraños e
inesperados y un nuevo lenguaje al que denomino "kobaiano" ;
utópicamente hablado en el planeta Kobaia donde los nuevos conceptos
algún día podrán florecer y donde un nuevo hombre (Univeria Zekt),
podrá encontrar nuevas energías que le permitan desarrollar sus
capacidades al máximo.
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Magma
Kobaïa (1970)
Liderada por el inefable Christian Vander, Magma desarrolla una obra
conceptual que se extiende a lo largo de varios álbumes. La historia
del planeta Kobaia, de su civilización y de su relación con los
habitantes de la Tierra comienza en este disco. El oyente debe estar
advertido de que las liricas están en cantadas en Kobaiano, el
idioma de esta civilización y de que la musica de Magma corresponde
también a una civilización que se encuentra culturalmente más
evolucionada que la terrestre. La coninacion de trabajos vocales
dignos de Carl Orff y de una fusión de jazz y rock, intrincada,
agresiva, ampulosa, atrapante y siemre impecablemente ejecutada
hacen el sello del estilo que Magma introduciría y sería llamado
Zehul. Este primer capitulo se desarrolla en álbum doble en el que
se narra la migración desde la Tierra de los futuros habitantes de
Kobaia, la instalación en el nuevo destino, el desarrollo de una
nueva sociedad y de su armonía con el medio ambiente. En la segunda
parte una nave terrestre extraviada es rescatada por los Kobaianos.
Sus ocupantes se sorprenden del avanzado desarrollo de la sociedad
de Kobaia y relatan el triste destino al que ha arribado la sociedad
terrestre. Se organiza una misión para visitar la Tierra. Desde el
punto musical se ha tratado de emparentar la música del álbum con la
de otros desarrollos que tengan como componente al Jazz: el
Canterbury , la fusión norteamericana o los trabajos de Sun Ra, pero
más allá de algunos puntos de contacto es evidente un desarrollo
propio, marcado por la ausencia de concesiones y la aventura
musical. Un marcado trabajo rítmico en el que la contundencia de
Vander Y Moze no cede jamás. El aporte del piano de Cahen brinda un
enorme dramatismo que subraya el aportado por la alucinante voz de
Klaus Basquiz. Muy buen trabajo de guitarra tanto eláctrica como
acústica, aunque en ocasiones opacado por la enorme preponderancia
que tienen los vientos, que por otra parte son de una contribución
brillante. En los momentos en que se ofrece una labor
contrapuntistica de los vientos y guitarras es cuando la obra
alcanza sus momentos de mayor brillantez. La musica de Magma
estimula las emociones y ástas son siempre intensas, las escalas son
llevadas a extremos angustiantes y las resoluciones son variadas y
siempre interesantes, los pasajes cantados son de logrado dramatismo
y los pocos tramos reposados son de una extraña dulzura. Vander
Refiere haber compuesto Kobaia en base a las emociones provocadas
por la muerte de John Coltrane.
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Magma
Kobaïa (1970)
Su primer trabajo como grupo se resuelve en un álbum doble titulado
simplemente "Magma", que inicia la increíble fantasía. Este disco
aparecido en 1970, descubre nuevas concepciones artísticas, nunca
antes hechas por nadie y cantadas en la lengua kobaiana. La idea se
enfocaba a una historia que principiaba narrándonos las aventuras de
un gran número de personas en la Tierra quienes fastidiados de la
degradación humana, deciden construir una nave espacial, para
abandonar la Tierra en busca de un lugar donde comenzar una nueva
existencia. Tras vencer grandes dificultades, logran escapar del
control terrestre; para iniciar un pesado viaje que los lleva a un
planeta al que ellos bautizan como Kobaia. Ahí muy lentamente
comienzan a construir una nueva sociedad dirigidos bajo la sabiduría
de Nebehr Gudahtt, quien les enseña las formas correctas para
utilizar la energía y la comunicación, misma que los hace alcanzar y
perfeccionar una armonía y tecnología con la naturaleza.
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Magma
1001° Centigrades (1971)
La misión arriba a la Tierra. Allí relatarán la experiencia de la
civilización de Kobaia, los principios filosóficos por los que se
rigen y los avances sociales que disfrutan. Los visitantes son
apresados en la Tierra, pero son liberados al sufrir los captores la
amenaza de utilización de un arma destructiva. Finalmente los
Kobaianos son liberados y regresan a su planeta. Se trata de tres
largas composiciones. El trabajo de voces de Basquiz es algo más
moderado que en el anterior trabajo. Hay cambios de miembros en la
sección de vientos, pero estos no afectan al lucimiento de la banda.
Las teclas se enriquecen con el aporte del piano eláctrico. Es una
enorme pérdida la ausencia de guitarras en el álbum. La primera y
más larga de las composiciones, perteneciente a Vander se ubica más
en el estilo del primer álbum, con un sonido considerado
característico de Magma con intensos cambios rítmicos, que
igualmente dejan lugar para el repetitivismo y las escalas
ascendentes, las voces orffianas y el opulento dramatismo. Las otras
dos composiciones pertenecientes al saxofonista Lasry y al pianista
Cahen, son también de la característica complejidad aunque más
pobladas de puntos de contacto con el jazz experimental. Para mi
gusto personal esta obra es menos apetecible que el álbum debut y el
Mekanïk Destruktïw Kommandöh.
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Magma
1001° Centigrades (1971)
La historia es -cortada-, hasta que en 1971, aparece su segundo
álbum titulado "1001 Centigrade", que continua la fantasía bajo
unamusicalidad igualmente enigmática."....Años después de haber
desarrollado una civilización avanzada, una extraña nave tiene
dificultades orbitales alrededor de Kobaia, por lo que es rescatada
inmediatamente por los kobaianos, salvando a sus tripulantes de una
muerte segura.Los asustados sobrevivientes resultan ser terrícolas,
quienes narran los esafortunados desastres ocurridos a la humanidad
por su incapacitada conciencia de vida. Como quedaran impresionados
por ello -los kobaianos- no saben que pensar, hasta que los
terrestres viendo el avance armónico del planeta deciden pedirles
que viajen a la Tierra para propagar la esencia de su Filosofía y
organización social. después de mucho analizar la situación un grupo
de kobaianos [junto con los terrícolas] aceptan viajar a la Tierraen
plan de misioneros para enseñarles lo que les interesará o
necesitarán.La misión kobaiana desciende a la Tierra, con un
recibimiento efusivo y amistoso; tanto el personal k, como su nave,
maravillan a todo mundo. Sin embargo cuando se entrevistan con las
Autoridades, y al declararles que necesitan de una purificación
universal que los salve de sus catástrofes, estos son arrestados y
su nave confiscada....."Nuevamente el relato queda cortado y el
concepto, paralelamente con la música causa revuelo a nivel
"underground", ya que Magma se proyecta someramente y con un
lenguaje que nadie entiende.
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Magma
Univeria Zekt-The Unammables (1972)
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Magma
Mekanïk Destruktïw Kommandöh (1973)
La Tierra parece condenada a la autodestrucción. Nebehr Gudahtt uno
de los individuos que conserva la memoria de la visita Kobaiana a la
Tierra, predica que la unión espiritual con el ser supremo Kreuhn
Kohrman es el único camino a la salvación. Como es de suponerse este
mensaje es inicialmente rechazado par luego aceptarse
paulatinamente. Nos encontramos ante el tercer movimiento del Theusz
Hamtaahk (periodo que transcurre entre la visita de los Kobaianos y
la iluminación). Sin embargo hasta este momento no había noticias de
los dos movimientos anteriores (Más tarde aparecerán 'Wurdah Itah'
en 1974, y 'Theusz Hamtaahk' en 1980 en 'Retrospektiw 1&2'). Se
trata de la obra que Vander cita como su favorita (y es también mi
preferida). Es notable que las voces adquieren una enorme
preponderancia. Basquiz en su mejor perfomance se acompaña de un
coro femenino que visita las tonalidades más altas con voces
operísticas, repetitivas, intensas y muchas veces desgarrantes. Sin
embargo este predominio de voces ocurre en un contexto de
enriquecimiento instrumental con la incorporación de teclados,
concretamente el órgano, la reintroducción de la guitarra, que
cumple un rol de sonido cordial junto a las flautas y ocasionalmente
el piano, que compensan el clima marcial, tenaz y acometedor de la
obra. Las escalas se desenvuelven no hacia una resolución
convencional sino a la saturación y a un estado de áxtasis
repetitivo. Una obra enorme y altamente recomendable.
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Magma
Mekanïk Destruktïw Kommandöh (1973)
Pero al parecer el tercer álbum, hasta el año de 1973, bajo el
nombre de "Mekanïk Destruktïw Kommandöh", la historia que se había
concebido para 9 discos, muestra su parte final. ".....Al ser
capturados, los kobaianos alcanzan a transmitir un mensaje a su
planeta, en donde se organizan las operaciones de rescate. La
alternativa a que llegan los altos jefes de Kobaia es obligar a las
autoridades terrestres a devolver a los prisioneros k o de lo
contrario estarán en condiciones obligadas de destruir al mundo con
el Arma "Ultimátum K",.....con-llevando el terrible "Mensaje
Apocalíptico" del Profeta Nebehr Gudahtt, quien es secundado en todo
momento por el temible < Zebëhn Straïn Dë Geustaah" (ampliamente
conocido por nosotros como Christian Vander). Ante esta situación,
los ya decadentes terrícolas y sus actitudes estúpidas, dejan en
libertad a los kobaianos, mientras el profeta Nebehr
Gudahtt....exclama que la humanidad es humillante, vulgar, cruel y
ciega....y perdona al planeta entero. A la vez que los kobaianos
toman la determinación de no volver jamás a la Tierra, aunque su
llegada quede como un recuerdo imborrable en todo el mundo...."
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Magma
Mekanïk Kommandöh (1973)
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Magma
Wurdah Ãtah (1974)
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Magma
Köhntarkösz (1974)
Para 1974, aparece "Kohntarkosz", un álbum que se distingue por
contener un "homenaje" a John Coltrane, músico tradicional y a la
vez revolucionario del Jazz, que tanto inspiraba a C.Vander desde
sus primeros años. también contiene una extraordinaria composición
de Jannik Toop intitulada "Ork Alarm", extremadamente opresiva y no
apta para paranoicos, y la pieza que da nombre al disco Kohntarkosz,
donde escuchamos una voz etárea de Stella Vander. A estas alturas el
grupo había conseguido llamar la atención en elites a nivel mundial
y entre la gente joven que buscaba nuevas propuestas y alternativas
en el Rock-Prog, ya que se gestaba el movimiento en forma fenomenal,
un privilegio de completa integridad
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Magma
Live-Hhaï (1975)
En ese mismo año y debido a las constantes giras del grupo por
Europa que tuvieron gran aceptación, deciden realizar un álbum doble
en vivo que fue grabado en el Teatro Olympia de París, que refleja
el talento que cada uno de los músicos ha cultivado por máritos
propios en un dejó de superación e inspiración. El álbum titulado
"Magma Live" 1975, ha tenido un buen recibimiento, lo que hizo que
la Cía. disquera lo distribuye en los E.U., apoyarlo más en
publicidad y promoción masiva.
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Magma
Üdü Wüdü (1976)
Un álbum en el que predominan los temas cortos y las
responsabilidades compositivas compartidas. El que da el nombre al
álbum es una pieza bastante liviana con reminiscencias latinas y un
deagradable ritmo computado. "Weidorge" intenta retornar a la
habitual altisonante solemnidad y presenta un exquisito contrapunto
entre los teclados que lleva a una tensión creciente que alcanza el
final del tema. Paganotti y Gauthier usarán este nombre en su
próximo proyecto, (comentado más adelante por Joe Rocker) . Los
sintetizadores buscan el protagonismo, mientras los bronces y las
voces intentan vanamente no quedarse atrás en "Troller Tanz".
"Soleil d'Ork" presenta aires orientales, que van siendo invadidos
por sonidos cuasi biológicos, aunque el tema parece no resolverse.
Como en gran parte del álbum es el bajo de Paganotti quien se lleva
los laureles. Es en "Zombies" donde entran en un clima de alta
intensidad y oscuridad, con fuerte presencia de las percusiones y
del piano y por fin en "De Futura" es donde se sumergen un un tema
extenso con mayores posiblidades expresivas, cambios rítmicos
siempre intensos, alcanzando los mejores momentos del disco, aunque
bastante lejanos a los de sus mejores obras.
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Magma
Üdü Wüdü (1976)
El siguiente álbum aparecido en el año de 1976, lleva por titulo
"Udü-Wüdü", mismo que desgrana una incontenible música vanguardista
que resume varias incursiones o ramas de este arte. En realidad
Magma que viene siendo totalmente dirigido por Christian Vander, que
acoge en este disco como en los anteriores sus principales puntos de
vista respecto a la intelectualidad, el espíritu y la energía,
encauzadas a proponer un sistema cotidiano de mayor relevancia y
pureza, aunque en algunas composiciones se nos deja liberar por
medio de macabros y extraños sonidos. también retrata un virtuosismo
bastante cualitativo, que han originado que varios críticos europeos
viertan conceptos positivos respecto a ellos. El personal viene tan
variado como siempre ha sucedido en el grupo, ya que constantemente
los elementos entran y salen periódicamente, sin alterar la calidad
u originalidad que Magma ha impuesto a travás de estos años de
Rock-Jazz quizá inclasificable.
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Magma
Inedits (1977)
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Magma
Attahk (1978)
Excelente álbum de la legendaria formación francesa que, liderada
por el inconmensurable batería, compositor e ideólogo Christian
Vander , consiguió sacudir el mundo de la música a principios de los
setenta con una compleja mitología futurista basada en la historia
del planeta Kobaia y sus habitantes . Así, con unas estructuras
musicales inclasificables y un idioma propio, Magma crearía su
propio estilo la "Zeuhl Music". Aquí Vander y compañía narran las
aventuras de Gorgo y Ourgon, repelentes personajes que se nos
presentan ya en la magnifica portada a cargo de H.R.Giger, artista
muy conocido tanto por los amantes del rock progresivo ( "Brain
Salad Surgery") como por los aficionados al cine de ciencia ficción
( "Alien" ). En "Attahk" la música se adentra mas profundamente en
el terreno del jazz-rock que en el pasado, lo cual la hace mas
accesible nuestros oídos "terrícolas". Hace ya cinco años desde
aquellos coros apocalípticos de su obra maestra, el imprescindible
"Mekanik Destruktiw Kommandoh", y no se pueden repetir las mismas
formulas. No obstante en absoluto podemos hablar de un producto
comercial, eso es imposible teniendo en cuenta el estilo de la
banda. Con una gran producción y mejor sonido que trabajos
anteriores, se parte como siempre de una base rítmica espectacular y
muy compleja ( a veces incluso suenan dos bajos) . Y con el trabajo
vocal que hace de lo grotesco arte de Klaus Blasquiz y su apoyo
coral, van transcurriendo temas tan trepidantes como "The Last Seven
Minutes " , "Lirik Necronomicus Kant" con su bella introducción
"Rindë", la descriptiva "Maahnt" y "Nono". No tan destacables son el
¿¿gospel kobaiano?? "Spiritual"; y "Dondaï", corte supuestamente
romántico. Aunque son de agradecer algunos respiros a tanta acción.
Si no habáis escuchado nunca a estos geniales franceses, este es un
buen inicio para introducirse en su mundo. Aunque os aviso, si lo
hacáis mas vale que os preparáis para ver la cara de la gente a
vuestro alrededor escuchando los eructos que aparecen en el quinto
corte,"Maahnt". Solo por eso ya vale la pena.
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Martin Circus
En Direct Du Rock 'N' Roll Circus (1969)
Desde Francia llegó este estrambótico quinteto y posteriormente
sexteto de finales de los 60s y de nombre Martin Circus con su disco
debut en "Direct du R&R Circus" que trae 12 emotivas piezas
ejecutadas con buena tácnica y capacidad musical aunado a un
sentimiento un tanto especial. MC grabó aproximadamente 6 discos
elepás y otros tantos singles -pero- con este álbum "En Direct du
Rock 'n' Roll Circus" nos dejaron constancia de que eran una
agrupación de Early Prog y del cual entre-mezclaban estilos como el
Rock-Pop "sofisticado" de letras penetrantes con voces en francás,
aparte de ciertos tintes del Canterbury Sound en forma tenue, además
se capta la vibra inequívoca del Underground Rock parisino y otro
tanto del Comedy-Rock de alto rango que era excitante y muy freak
por aquella lejana ápoca. Este trabajo "En Direct du R&R..." para la
edición digitalizada y remasterizada en CD por Mam Productions 1997
y con permiso para publicación del sello Magic Records nos ofrece 6
bonus tracks grabados en Estudio del año 1970 y de los cuales 4
temas son de su disco en Vivo 1969, más 2 rolas de un single todas
ellas muy bien logradas y estructuradas. Este cd también contiene un
booklet de 8 páginas en dónde viene parte de su historia,
discografía y fotos de los integrantes. En cuanto a las influencias
e inspiraciones musicales de MC es notorio percibir los influjos de
Frank Zappa & The Mothers Of Invention y de Gong en primera
instancia..., pero sin embargo la calidad y estilización de estos
franceses los hizo diferentes y autánticos con composiciones propias
en sus corrientes sonoras. también en algunos pasajes musicales me
parece que andaban -circa- Colosseum pues se les aprecian ciertos
acentos bluesy, jazzy & rock. Su flautista/saxofonista de apellido
Pisani es muy versatil al tocar y su sonido con los instrumentos de
viento puede tener algunos visos o guiños moderados con los de Ian
Anderson (JT), con Didier "Bloom" Malherbe (Gong) y también con Dick
Heckstall-Smith (Colosseum). Como había mencionado la influencia de
Zappa/Mothers periodo 1966-1969 está presente en varias piezas del
disco y le da cierto humor negro a la música de estos
músicos-trovadores-freaky's-franceses en dónde sobresale su buen
Comedy-Rock en temas como:"La 3éme -Ouverture-", "Tomahawk", "C'est
pas D'La Soupe" y "La 3éme -Final-". Ya en la onda Gong -inicios-
(Escena Canterbury) nos deleitan con rolas como "Barbe-Bleue",
"Troika" y "Chanson pour un cadavre" (bonus) las que probablemente
sean las más elaboradas de esa actuación en "Direct..." en un
afamado night-club parisino. En cuanto a la Balada y Canción
francesa con un pincelazo de Rock-Pop nos entregan dos "emotivas
rolas" como lo son:"Tout tremblant de Fievre" la cual me fascina y
por cierto que en algún pasaje me recuerda a algun efectivo tema de
la banda argentina Alma Y Vida pues la voz en dicho tema es de
cierta manera parecido a la tesitura vocal del tecladista y cantante
principal Carlos Mellino. El otro temazo es la sensible pieza "Le
Matin des Magiciens"... toda una gozada en la cual el respetable
ovaciona en 2 o 3 ocasiones en plena representación. En lo tocante
al Underground Rock se reventaron una de las rolas más movidas y de
tintes Psych que lleva por nombre "Moi je lis les Bandes Dessiness"
en la cual lleva un breve solo de flauta muy en la vena de Ian
Anderson. Otra pieza a resaltar es la focal "Nos larmes tombaient"
en la cual me hacen evocar al gran Colosseum -pero- sin Chris
Farlowe en la poderosa voz. Pienso yo que Martin Circus y su música
que abarcaba el Early Prog y otras combinaciones sónicas de su
tiempo debieron de haber sido más conocidos -pues- la calidad,
presencia y sensibilidad acompañaban en todo momento a está
extravagante pero efectiva agrupación francesa. Bueno, al menos
ahora se puedan conseguir algunos de sus trabajos en cd y eso me
parece sustancial para así poder tenerlos en cuenta..., para quienes
gustamos del Progresivo francás en sus inicios.
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Mona Lisa
L'Escapade (1974)
Éste es el disco debut de Mona Lisa, que aunque era un sexteto a la
hora de iniciarse las sesiones de grabación, quedó sin Solves como
quinteto en la culminación. Producido por Jean-Michel Brezovar, el
guitarrista de Ange, ‘L’Escapade’ exhibe un sonido áspero similar a
‘La Cimitiére des Arlequins’ de Ange, y ciertamente, justifica en
buen grado las comparaciones con la banda de Dechamps y cía.,
comparaciones que siempre incomodaron a Mona Lisa. Con todo, es
justo señalar que, a pesar de que su estilo aun no está del todo
curtido, se nota que la banda se siente cómoda en composiciones de
largo aliento (tres de los seis temas duran más de 8 minutos),
mostrando con ello unos patrones musicales más ambiciosos que los de
sus "padrinos". Esto permite un mayor campo de acción para la
exhibición teatral del vocalista Le Guennec, tal como consta en Le
Colporteur y Petit Homme de la Terre, en mi opinión, los mejores
temas del disco. Una mención especial debe ir para el breve
instrumental pastoral de entrada, Prelude a l’escapade, por su
serena y cautivante belleza. La edición de Musea trae dos bonus
tracks (Diableries y Les Vielles Pierres) muy acordes con el estilo
de los temas oficiales del disco.
Dominique Le Guennec: voz, flauta, saxo soprano, percusión
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Mona Lisa
Grimaces (1975)
Mona Lisa hace muy poco por evitar las comparaciones con Ange. Así
como el grupo de los hermanos Decamps abre Le cimetiere des
arlequins con un tema de Jaques Brel, ellos abren Grimaces con La
Mauvaise Reputation de George Brassens. El álbum es prolijo en la
instrumentación pero el protagonismo lo tiene la voz y el
histrionismo de le Guennec. Reeditado en CD por Musea con un bonus
de una grabación de "Maneges et chevaux de bois" (tema que también
cierra la parte en estudio) en un show en 1978. Si bien este álbum
representa un avance con respecto a su anterior obra, Mona Lisa
nunca alcanzó niveles de excelencia. El álbum sonará agradable a los
fans de la música de Ange.
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Mona Lisa
Le Petit Violon (1977)
Mona Lisa presenta claras influencias de Ange en lo musical y de
Genesis en lo conceptual. Su cantante Dominique le Guennec aparece
frecuentemente maquillado o disfrazado al estilo Peter Gabriel,
incluso la máscara de Mr Grágoire, personaje protagónico de Le Petit
Violon recuerda a la del King Cole de The Musical Box. La música
presentada en el álbum es agradable, prolijamente instrumentada con
elementos actorales que se perciben a travás de la dramatización del
canto ( en francás), aún no viendolos en escena, Es de notarse que
frecuentemente le Guennec recita efusivamente en lugar de cantar
para resaltar sus dotes teatrales. Habitualmente se habla de este
álbum como de la mejor obra del grupo. Reeditado en CD por Musea en
1995 con información en francás e inglás.
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Mona Lisa
Avant Qu'il Ne Soit Trop Tard (1978)
La cuarta entrega de Mona Lisa es un concept-disc inspirado
libremente en la novela "La Peste" de Albert Camus. Musicalmente
hablando, no ofrece mayores novedades estilísticas respecto a los
anteriores, pues continúan explorando en el rock abiertamente
teatral de cierta inspiración genesiana y crimsoniana temprana: tal
vez quepa destacar una producción de sonido más pulida. El ensamble
instrumental sigue funcionando de manera muy integrada. Los pasajes
de teclado, los poderosos solos de guitarra y la diversidad de
instrumentos de percusión ayudan a crear un paisaje bastante
colorido sobre el cual el cantante expone toda su pasión, sarcasmo y
exaltación: mientras tanto, la firme base rítmica ayuda a la música
a asentarse en los parámetros de cada canción. Cabe destacar la
fuerza rockera de "La Páste", que no otorga descanso al oyente; los
atractivos pasajes acústicos de "Lána"; y también las dos suites
sinfónicas "Souvenirs De Naufrageurs" y "Cráature De La Steppe",
ásta última con un memorable final siniestro. Existe una buena
proporción de fans de Mona Lisa que consideran a este disco como su
favorito. En general, bastante recomendable.
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Mona Lisa
Vers Demain (1979)
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Moving Gelatine Plates
Moving Gelatine Plates (1970)
Esta es la primera producción de MGP y ciertamente la mejor. Las
influencias de Zappa y de los grupos de Canterbury están presentes
aunque en algún menor grado que en en la siguiente producción. El
álbum es a la vez complejo en su construcción musical y fácil de ser
escuchado. Los frecuentes cambios rítmicos lo hacen entretenido. Es
de destacarse el nivel de los instrumentistas. Si bián a menudo se
habla de ciertas semejanzas con Magma, debe suponerse que al ser
grupos contemporáneos y al haber compartido escenarios la influencia
debe ser mutua. también se les atribuye tomar prestado algo de Gong,
si bien esto es algo más creíble, de ninguna manera va en mora de la
magnitud de MGP. Llegan al estudio luego de meses de haber tocado
los temas en vivo, shows y festivales en los que compartieron
escenarios con Gong, Zappa, Magma y Amon Dull II. Esta es
seguramente el motivo por el cual un álbum grabado en seis días
puede sonar así. Altamente recomendable. La edición en CD de Musea
se completa con parte del disco "Moving" de 1980, en el que Didier
Thibault hace lo que puede para refundar el grupo, pero la historia
ya no es la misma, aunque toque con su compañero de Gong, el
saxofonista Didier Malherbe.
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Moving Gelatine Plates
The World of Genius Hans (1972)
No puede decirse que el sonido de MGP sea absolutamente original. De
hecho recuerda inmediatamente a Gong e incorpora elementos de Zappa
y Magma. Sin embargo el disco es excelente aunque no fue exitoso en
su momento. La música es divertida, de ritmos frecuentemente
cambiantes, pletóricamente instrumentada. Para cantar eligieron el
inglás, lo que explicaría parte de su fracaso comercial junto a la
complejidad y cierta sofisticación musical. Fundamentalmente
instumental con tramos de improvisación. La edición en CD de Musea
viene con 5 temas del LP Moving (Los otros temas están en el CD
"Moving Gelatine Plates" del 71)
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Moving Gelatine Plates
Moving (como Moving) (1980)
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Pataphonie
Le Matin Blanc (1979)
Trío francás de finales de los setentas. Su trabajo lleva el titulo
de "Le Matin Blanc" de 1979 -aprox-. Todas las composiciones son de
ellos: 4 de Andrá Viaud (guitarra, efectos y guitarras preparadas),
4 de Pierre Demouron (bajo) , y 3 de Gilles Rosseau (batería,
vibrafóno y percusión), que hacen un total de 11 temas y de los
cuales -cuatro- son en Vivo, y dicho cd tiene una duración de
{73:28}. El trío no mete voz salvo en el primer corte en dónde una
corista desarrolla un cántico muy de fondo y cuasi operístico por
breves instantes. Me llamaron mucho la atención ya que despliegan
una gama de tonalidades sonoras muy extrañas, diversas y poco
convencionales. Ya más adelante denotan cierta experimentación
musical que por breves lapsos se convierte en improvisación.... pero
que también toman en grande la vertiente de RIO music. Tienen
excelente ejecución instrumental que los acerca al Sonido Progresivo
de KING CRIMSON (setentas), principalmente por la tácnica y sonido
de la guitarra; pero a otros maestros que se acercan en forma vaga
es a HENRY COW en algunos compases complejos. Otra impresión que me
da es que desarrollan unas líneas melódicas un poco semejantes a
HATFIELD & The NORTH, pero que al continuar tocando envuelven ese
estilo con lúgubres atmósferas de Sonidos muy Subterráneos para
volver a caer sin previo aviso al más elemental RIO.Para mí
PATAPHONIE es uno de esos tríos de música heterogánea que existen en
los parajes más escondidos que conforman la línea fronteriza entre
el Rock Progresivo y el RIO -amen- de que a la vez incursionan en la
experimentación, y algunas otras corrientes poco protocolarias.
..."Disco imprescindible para los que gustan de alguno de los grupos
arriba señalados".
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Pentacle
La Clef Des Songes (1975)
Pentacle es uno de los grupos que mejor aprovechan el sonido Ange,
siendo un poco más suaves y sinfónicos que Mona Lisa. Este álbum es
producido por Christan Decamps y tal vez por eso sugiere la
innegable similitud con Ange. El estilo del grupo es muy sinfónico y
suave, esto se hace evidente en la suite de Le Raconteur de 10:42,
los teclados son muy de fondo y crean texturas mientras que la
guitarra y la voz son los principales instrumentos. Este es un disco
de delicadas melodías, suave y sinfónico, bien hecho pero sin ser
excepcional.
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Philipe Besombes
Libra (1974)
Músico inicialmente influenciado por Pierre Henry y autor de obras
para ballet y teatro, escribe este trabajo como banda sonora de la
película avant-garde Libra. De hecho en el aspecto sonoro la
película no muestra más que esta música. La combinación de sonidos
electrónicos y gemidos humanos que abren con La Plague (y se repiten
en "Ceremonie") recuerdan al Zoolook de Jean Michel Jarrá (músico
con el que en algún momento colaboraría), pero estas sonoridades son
interrumpidas por acordes bluseros que su vez se ven impedidas en su
desarrollo por jugueteos electrónicos a veces sobre dinámicas bases
rítmicas otras como única expresión sonora de un terreno desolado.
En ocasiones que se repiten hay referencias inequívocas al sonido
cósmico floydiano con larga notas de órgano sobre las que se apoyan
letárgicos coros. Intercalados entre estos temas afloran otros en
los que incluso la guitarra acústica lidera. Dentro de esta tónica,
y ya tal vez un poco inducido por lo anteriormente comentado puedo
decir que los vientos de "Bailade en Velo" parecen estar lejanamente
inspirados en Unnmagumma. La electrónica suele ganar paso en varios
tramos del disco, allí donde Besombes parece verse más cómodo para
desarrollar un sonido propio. Sin embargo para remarcar lo
heterogáneo de los recursos musicales empleados puede agregarse que
Raggacountry es una justamente una raga cuyas percusiones y citar
matizadas con disparos electrónicos se interrumpen intempestivamente
con música disco o de Rock&Roll, o que "Hache 06" es un acercamiento
al funk, bastante desconcertante en este contexto, que parece ser
empleado como elemento de distensión en la obra. Para poder plasmar
la obra Besombes trabajó con músicos de sesión, cintas, osciladores
sintetizadores y todo elemento que un estudio de grabación podía
brindar en 1974. Mio Records que en su reedición en CD del álbum
completo originalmente editado por Tapioca, incluye material de las
mismas sesiones de grabación como bonus tracks, ha reeditado junto a
esta, otras dos obras de Philipe Besombes: Cesi est Cela (1972-1979)
y uno de sus trabajos con Pole, agrupación que compartía con J.L.
Rizet en la segunda mitad de los 70s. Libra es un álbum que ha
recibido comentarios de todo tipo, de los más elogiosos hasta otros
que casi lo defenestran. Debe decirse que es un trabajo casi híbrido
de tan heterogáneo pero aún así seductor por el adecuado ensamble de
las piezas que lo componen y por el buen trabajo de producción.
Besombes además de la ya mencionada banda Pole participará mas
tarde, a fines de los 70s en Hydravion.
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Pulsar
Pollen (1975)
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Pulsar
The Strands Of The Future (1976)
El segundo trabajo discográfico de Pulsar es (junto con "Halloween",
el tercero) uno de los más generalmente aclamados tanto por los fans
como por la crítica especializada. Es en TSOTF que este quinteto
empieza a madurar y afianzar su estilo progresivo, el cual bebe
indudablemente de la psicodelia floydiana de la ápoca 73 - 75 y de
los experimentos electrónicos de Tangerine Dream y Jean Michel Jarre
(prestar atención a las envolventes capas de sintetizadores y
mellotron que aparecen en varios momentos del disco), pero aún así
le insuflan un sentido dramático y oscuro propio del rock progresivo
francás, aunque no con la teatralidad propia de un Ange o un Mona
Lisa, sino más bien tendiendo hacia una actitud más abiertamente
melancólica y lánguida. Esto último se nota particularmente en el
estilo vocal serenamente entristecido del guitarrista, así como en
los pasajes acústicos de corte pastoral que aparecen de vez en
cuando. Toda la diversidad de registros de que es capaz esta
talentosa banda francesa se expresa a travás de la extensa suite de
22 minutos de duración que da título al disco. El siguiente tema es
"Flight", un breve aunque variado instrumental con una introducción
y conclusión jazzísticas en medio de las cuales se ubica un hermoso
pasaje sinfónico bastante romántico y etáreo. Los dos últimos temas,
"Windows" y "Fool's Failure" siguen por la vertiente abiertamente
floydiana del álbum (la conclusión del último tema se inspira
claramente en el final de "Welcome To The Machine"), aunque sin
olvidar los aspectos propios que Pulsar supo otorgarle a la suite
mencionada más arriba. En líneas generales, un disco bastante
recomendable que refleja uno de los puntos más altos de la carrera
de Pulsar.
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Pulsar
Halloween (1977)
Grupo erróneamente ubicado junto a Ange, Mona Lisa, etc. Pulsar se
diferencia de ellos en poner la instrumentación por delante de las
secciones vocales. Acusados de ámulos de Pink Floyd, comparten con
estos la capacidad de crear atmósferas oníricas con su música. Sin
embargo en lo estrictamente tácnico se desprenden de los británicos
luego de sus primeros tiempos. En Hallowen logran una obra elegante,
agradable, algo melancólica y oscura pero finamente instrumentada.
Dividida en dos partes, a diferencia de sus dos primeras obras con
letra en inglás sobre una historia de tono surrealista. Los músicos
atribuyen el clima de la obra a la influencia que tuvo sobre ellos
"Muerte en Venecia", el film de Visconti con música de Malher. El
álbum salió a la venta en plena explosión del punk, lo que colaboró
con la escasa difusión que recibió. Edición de Musea con cuadernillo
informativo muy completo. No es un álbum excelente pero es bastante
recomendable.
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Pulsar
Bienvenue Au Conseil D'Administration (1978)
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Richard Pinhas
Rhizosphere (1977)
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Richard Pinhas
Chronolyse (1978)
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Sandrose
Sandrose (1972)
Único álbum de esta banda francesa que desarrolla un rock sinfónico
con ingredientes del jazz y del pop. Se destaca el amplio rango de
capacidades del guitarrista y compositor Jean-Pierre Alarcen, con
una virtuosa y delicada labor en guitarra eláctrica y capaz de
entonar inmejorables melodías con la acústica. El tecladista Henri
Garella, verdadero coprotagonista de la banda ofrece estupendos
colchones con su primoroso Hammond y un placentero mellotron de rol
destacado que hace las delicias de los entusiastas de este enraizado
instrumento del genero progresivo. Nota aparte merecería la voz de
Rose Podwojny, quien modula en algunos temas como una cantante de
los 50s lo que da un toque casi kitsch a los tramos más cercanos al
pop. Sin embargo en otros momentos se desarrolla un enorme
histrionismo ofreciéndole a la banda un toque de dramatismo. Sin
pretensiones de abrir nuevas fronteras para el rock es un álbum
recomendable.
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Shylock
Giarlogues (1976)
Lamentablemente Shylock quedó en la injusta categoría de grupo de
culto. Este disco merecía un destino más popular. Es en mi opinión
uno de los mejores discos producidos en Francia. Si bien se nota un
acercamiento a Crimson, no deja de ser original. Muy bien ejecutado
con equilibrio en el uso de los teclados (nunca suenan
aparatosamente) y la guitarra (con muchas "escalitas" y riffs), sin
estridencias pero con intensos cambios rítmicos. Tal vez la batería
está demasiado en primer plano casi abusando de redobles y
platillos, pero no llega a molestar. Puramente instrumental. Muy,
pero muy recomendable. La edición en cd de Musea trae 5 temas
grabados en el 81 por el guitarrista y el pianista.
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Shylock
Ile De Fievre (1978)
Los miembros de Shylock se retiran de la música durante el tiempo en
que cumplen con el servicio militar, cuando regresan incorporan a un
bajista: Christian Villena con quién no llegan a grabar. Cuando
tienen la oportunidad de un segundo LP, cuentan con Serge Summa para
tocar el bajo. Los resultados de esta nueva producción que llamaron
Ile de Fievre contribuyen a la expansión del rock progresivo aunque
está quién opina que se filtra por sus limites. El fundamental
aporte del bajo ha sido otorgar absoluta libertad a la guitarra y a
los teclados que ya no deben apoyar la base. Calificar de
extravagante el disco es dudar injustamente de la intenciones
estáticas del grupo y desconocer la belleza y complejidad de las
composiciones. El sonido, la armonía, los ritmos, tienen códigos
nuevos en esta producción. El bajista enriquece el aporte tácnico
del resto de los integrantes, que esta lejos de ser despreciable.
Como nexos con el resto del rock progresivo siguen existiendo los
puntos de contacto con Crimson (ojo solo puntos de contacto) Shylock
compone una obra genial, reservándose el lamentablemente el destino
de grupo de culto al ser tomado por icono del rock progresivo
francás aunque no hayan recibido gratificaciones durante su
existencia como grupo. La CBS abortó el proyecto del tercer álbum.
Los miembros del grupo no aceptaron los condicionamientos de la
compañía que requería un cambio de rumbo hacia terrenos más
convencionales. Se separan en 1979, tal vez sonaban anacrónicos en
la era New Wave. La excelente edición de Musea contiene un bonus de
la última grabación de la banda en 1979 y un cuadernillo con
abundantes datos biográficos.
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Spacecraft
Paradoxe (1978)
El ex tecladista invitado de los provocadores Red Noise en su único
álbum Sarcelles-Lochéres, John Livengood y el guitarrista de Musica
Electronica Viva, Ivan Coaquette presentan en Paradoxe los registros
que habían acumulado en los años precedentes. Catalogado bajo los
rótulos de música experimental, electrónica y ambient, ofrece largos
viajes electrónicos con reminiscencias al krautrock berlinás
(algunos los han comparado con Cluster) pero son manifiestas las
notables influencias de los trabajos previos de Richard Pinhas y
Heldom (no es de extrañarse que en los 90s Livengood dentro de su
aparentemente inconstante carrera musical se una a Pinhas para
grabar Cyborg Sally). Los resultados del álbum son muy
satisfactorios aunque lamentablemente este dúo no realizó con
posterioridad ningún otro trabajo. La edición en CD de Spalax
contiene como bonus un temprano registro 11 minutos grabado por
ambos en 1973.
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Red Noise
Sarcelles-Locháres (1970)
El primer álbum de la banda que data de 1970 nos muestra una extraña
combinación de psicodelia, jazz con importante contenido de
improvisación y dadaísmo musical. Representantes del ala extrema de
la vanguardia parisina de fines de los 60s y principios de los 70s,
junto otras bandas tan demenciales como maravillosas como Fille qui
Mousse. En el momento de la edición del álbum estaba integrados por
su líder Patrick Vian en guitarra y voces, Jean Claude Cenci: en
saxo, flauta y voces, Daniel Geoffroy en bajo y voz Philip Barry en
batería y voz, John Livengood en órgano en órgano, Austin Blue en
percusión. Algunos titulos son muy descriptivos: "Cosmic Toilet
Ditty", "Caka Slow", "Obsesión Sexuelle". Nos ofrecen también un
escatológico manifiesto antisistema en "Petit Prácis D’instruction
Civique". Debo remarcar que solo una cosa no me termina de convencer
de la banda y es una marcada presencia de muy heterogeneas
influencias de abrazan el Pink Floyd de Barrett hasta Sun Ra,
pasando por Zappa y Beefhart. Cuando se sueltan y son ellos mismos
son simplemente excelentes. En lo personal he disfrutado muco sus
psicodálicos jams. Un documento imprescindible del under parisino de
principios de los 70s. Reeditado por el sello Futura Records para su
"RED series, musiques rock & pop"
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Skryvania
Skryvania (1978)
Talentosa y precoz banda francesa que se inició por la iniciativa de
unos jóvenes que aún seguían estudios colegiales. Tras pasar dos
años en presentaciones públicas, lograron grabar lo que será su
único trabajo discográfico, siendo así que ninguno de los músicos
había llegado a la veintena. Desafortunadamente, el estudio de
grabación no carecía de un equipo tácnico de nivel profesional, por
lo que esta grabación oficial tiene el mismo sonido deficiente que
ofrecería cualquier "bootleg" pirata. A pesar de esto, es posible
detectar todas las virtudes inherentes al repertorio de Skryvania,
el cual se enmarca en los patrones típicos del sinfonismo con una
clara influencia de los Yes y Genesis clásicos. Largos temas llenos
de cambios de ritmos, ambientes y acordes, con una participación
vocal muy ocasional, lo cual permite darle un amplísimo espacio a
los solos de guitarra y teclado. La presencia de bastantes momentos
de clima reposado puede hacernos recordar a veces a Pulsar, pero a
diferencia de ástos Skryvania se preocupa mucho por poner una buena
dosis de agresividad rockera en su estilo sinfónico. La sección
rítmica es bastante sólida, sin que el bajo deje de aportar bastante
al aspecto melódico de los temas. El nivel de composición y arreglo
de ástos es bastante complejo y parejo, destacando especialmente
"Tristan & Iseult", "La Chateau d'Orpháe" y la trilogía instrumental
conformada por "Intro", "Epopáe" y "Final". La edición en CD
contiene algunos bonus tracks, consistentes en breves covers de
temas del "Topographic Oceans" y del "Lamb Lies Down On Broadway".
Un trabajo sumamente interesante, que sin embargo resulta eclipsado
por su propia producción de sonido: aun así, recomendable.
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Taï Phong
Taï Phong (1975)
Taï Phong debutó con su álbum homónimo en 1975, cuando ya el gánero
prog sinfónico estaba en su máximo nivel de ebullición en el país
galo. El origen de su nombre tan exótico se debe al origen
vietnamita de sus dos co-fundadores, pero es tanto su locación como
las vertientes de su estilo los que colocan a esta banda dentro de
la historia del prog francás. Su estilo se decanta claramente por un
recurso marcadamente melódico, inyectado con bastantes ambientes
etáreos producidos por cortinas flotantes de teclado y retazos
efectistas de guitarra (al estilo del Pink Floyd de WYWH), lo cual
acerca a Taï Phong a sus compatriotas contemporáneos de Pulsar. Sin
tener la especial genialidad de ástos, la banda logra crear climas
emotivos de manera fluida. Esto se muestra de manera muy clara en
‘Fields of Gold’ y ‘Out of the Night’, dos de los temas más largos
del disco: el primero comienza como una balada enmarcada en un
ambiente notablemente sentimental, hasta que finalmente gira hacia
un viaje sonoro hipnótico que se prolonga durante los últimos cuatro
minutos; el último contiene una estructura más cohesiva, lo cual le
permite al grupo realzar su herencia floydiana con un brillo más
notable, permitiándose así cerrar el disco con esplendor. Otro tema
destacado es ‘For Years and Years (Cathy)’, el cual también exhibe
una interesante riqueza progresiva similar a la de ‘Out of the
Night’. El registro agudo del vocalista principal (Khahn) es
aprovechado para capitalizar el gancho potencial de los momentos más
rockeros del disco: ‘Goin’ Away’ y ‘Crest’, un tanto cercanos al
mainstream de tenor glam, aunque ciertamente ambos temas mantienen
unos interesantes cambios de ritmo. La balada ‘Sister Jane’, por su
parte, muestra la faceta más complaciente de la música de Taï Phong,
una faceta que en realidad es esencial, pues creo que es palpable
que para el grupo lo progresivo no es tanto un estilo como una
estrategia. En todo caso, esta estrategia les ha permitido crear
algunas gemas en su debut.
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Travelling
Voici La Nuit Tombee (1973)
Al escuchar esta banda que definitivamente representa una de las
filiales extranjeras del Canterbury tuve una sensación similar a la
que, salvando las distancias, sentí al escuchar por vez primera a
los holandeses de Supersister. Hay una notable influencia de varias
bandas del movimiento británico, particularmente Soft Machine, pero
sin embargo estas referencias son tomadas como punto de partida para
un desarrollo personal. Su cantante oscila entre modular para las
melodías del a canción francesa y el acercamiento tímbrico y
estilístico tan personal de Robert Wyatt, cayendo de a momentos en
la mera imitación. Imagino que Yves Hasselman quien es además del
dueño de la voz, un más que interesante tecladista tiene en su lista
de favoritos no solo a Ratledge sino también a Keith Tippett y Sun
Ra. Oscilan entre las formas propias del jazz y excelentes
incursiones de fusión en las que la base formada por Jacques Goure
en bajo y Roger Gremilliot en batería, se desempeña con ductilidad.
Para mi gusto el saldo es favorable, aunque no pueda elogiar su
originalidad.
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Triode
On N'a pas Fini D'avoir Tout Vu (1971)
Liderada por el flautista Michel Edelin Triode presenta un trabajo
puramente instrumental algo desparejo, con saldo satisfactorio, en
el que se combinan temas con bases extremadamente simples para
permitir la labor de la flauta, con otros que ofrecen estructuras
más complejas y dinámicas que permiten apreciar un interesante
trabajo armónico a cargo del resto de la banda. Igualmente aun en
estos casos suelen transitar los senderos más accesibles de la
fusión. De a momentos se puede apreciar también un encantador
trabajo de guitarra a cargo de Pierre Cherez, quien se encarga de
elevar los decibeles de la agrupación. El trabajo en flauta de
Edelin es satisfactorio aprovechando todos los recursos del
instrumento, aunque cayendo ocasionalmente en los lugares comunes
tan propios de estos instrumentistas. El punto más bajo es en mi
impresión una inncesaria versión de "Come Togheter" de The Beatles.
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Igor Wakhevitch
Logos (1970)
El compositor avant-garde Igor Wakhevitch ha producido una obra
difícil de clasificar. La composición contemporánea y la musica
electrónica son áreas en las que es habitualmente distinguido, pero
sin poder ser considerado un músico de rock en forma estricta, sus
acercamientos a la música progresiva son innegables. Amante confeso
de Soft Machine y con trabajos que después de la mitad de los 70s se
acercan en algo a Tangerine Dream y Klaus Shultze, áste compositor
que estudió junto a personajes de la talla de Terry Riley, Olivier
Messiaen ó Pierre Schaeffer, y que en 1974 compuso una ópera llamada
Etre Dieu para Salvador Dalí, realiza en 1970 su primer trabajo
discográfico, una obra de difícil digestión para quienes busquen
estructuras convencionales de rock pero que puede ser del agrado de
los amantes de las formas más experimentales del rock, la música
cósmica y el avant-garde. Se destaca dentro de lo presentado en el
álbum un esfuerzo hacia el desarrollo de climas, dicho sea de paso,
más espaciales que terrenales, y por otro lado decididamente
tendientes a lo lúgubre. Para desarrollar la obra que fue compuesta
para un ballet de Norbert Schmucki presentado en el Festival D'
Avignon de 1970 Igor Wakhevitch, se vale del aporte una banda de
rock de cierto áxito comercial llamada Triangle, de la participación
de un coro y de sus trabajos con cintas magnetofónicas ("Sound
Ritual For Pop Group, Mixed Choir & Tapes"). Sonidos electrónicos,
coros hipnóticos, percusiones machacantes intervienen en forma
conjunta o a veces aislada como cortinas que se despliegan. El
temple general de la obra es parsimonioso, pleno de sensaciones
oníricas que de a momentos se quiebran con breves pasajes en que la
música parece incursionar en ritmos tribales ("Homo Sapiens
Ignorabimus") y en algunos tramos en los que se insinúan estructuras
más asimilables al rock ("Danse Sacrale"), situaciones que irrumpen
conservando la atmósfera luctuosa que caracteriza a este trabajo.
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Igor Wakhevitch
Docteur Faust (1971)
Igor Wakhevitch presenta Docteur Faust, su segundo trabajo
discográfico, en 1971 a muy pocos meses más tarde de haber sido
editado Logos. Quien vea la portada del álbum, bizarra y propia de
una historieta sesentista, poco podrá prever del sorprendente
contenido musical. Pasajes recitados, percusiones tribales que se
alternan con tramos decididamente roqueros, incluso de a momentos,
de notable inclinación psicodálica, pueden ser interrumpidos por
orquestaciones que manifiestan su relación con la composición
contemporánea, el minimalismo y la música concreta. Como también lo
hiciera en "Logos", la banda de rock Triangle, participa de la
grabación. Los arreglos corales virulentos y demoníacos se alternan
con un discurso del Papa Pablo IV, a su vez interrumpido por una
impresionante, y chocante, ráfaga de sintetizadores. Contrastes como
este, abundan en la obra. En Docteur Faust, donde también la música
electrónica convive con el free jazz, y el rock aparece en sus
facetas más experimentales, todos estos componentes, lejos de
conformar un trabajo heterogáneo, resultan de una absoluta
coherencia. Evidentemente un márito más de este asombroso trabajo.
Se ha editado una caja de seis CDs llamada "Donc..." en la que se
recopilan recopilan todos los trabajos de los 70s de Igor Wakhevitch
excluida la ya comentada colaboración con Salvador Dalí.
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Igor Wakhevitch
Hathor (1973)
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Igor Wakhevitch
Etre Dieu (1974)
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Igor Wakhevitch
Les Fous D'Or (1975)
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Igor Wakhevitch
Nagual (1977)
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Igor Wakhevitch
Let's Start (1979)
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Weidorje
Weidorje (1978)
Ex-integrantes de Magma, Heldon, Cruciferius entre otros, componen a
este grupo francás que estuvo muy en la vía de Magma (sobre todo),
Zao y otro poco quizá de Ergo Sum, ya que dicha influencia es muy
marcada. Y desde luego Weidorje orienta su música en la corriente
Zeuhl, y hacía la fusión del Jazz-Rock demasiado evolutivo. Las
sensaciones que me produce está música tan compleja como bien
ejecutadaes algo así como: que uno se encuentra a muchos años luz de
la Tierra, inmerso en una civilización super-avanzada (no
necesariamente estamos en el planeta Kobaia) y en donde se observan
"flotar" o pasar lentamente varias naves intergalácticas de ese gran
Imperio. Siguiendo con el alucine podrían imaginarse edificaciones
tipo "imperio romano" pero construidas con una tecnología muy
sofisticada; más algunos jardines colgantes con fuentes que
contienen líquidos de colores muy hermosos, grandes monumentos -así-
como estatuas gigantescas entre muchas cosas más. Eso tan sólo es en
el aspecto imaginativo, ya que en el musical... uufff que les puedo
decir, el excelso bajista y baterista son una aplanadora de ritmos y
cambios espectaculares que hacen que las rolas nos mantengan
vibrando todo el rato. Los 2 tecladistas también resultan bestiales
en todas sus intervenciones (hasta en las partes más tranquilas), el
guitarrista con una buena tácnica mete los riffs exactos en su parte
de lucimiento (que son pequeñas por cierto), para que luego acompañe
sacando efectivos sonidos para darle más penetración e intensidad a
los temas. Avientan coros en la onda más Magmiana o como se diga, y
sus metales -sax tenor y trompeta- hacen las partes más explosivas
musicales pero cuando tienen que ser armoniosos, lo son y en que
forma.Recomiendo este viejo trabajo de estos franceses para quienes
son seguidores de Magma y Zao especialmente, o para quienes se
sientan atraídos por la "Zeuhl Music" en su máxima expresión.
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Zao
Shekina (1975)
A mi juicio este tercer álbum titulado Shekina es el trabajo más
versátil, estructurado y representativo de 4 de los discos que he
escuchado de está banda francesa. Tanto su tecladista Francois Cahen
como el saxofonista, clarinetista y vocalista Jeff Seffer quienes
son los compositores de todos los temas de dicho álbum... provienen
de la viajada y estrambótica banda Magma a principios de los 70s. En
ZAO Jeff Seffer se hace llamar Yochk'o quien es el símbolo
principal, y esto aunado a su grandiosa y bien modulada voz que es
otro instrumento más... ya que le imprime cierto canto tipo yodeling
(?) mezclado con un delicioso y estupendo scat-jazzero y en donde
también llega a crear ciertos sonidos guturales un tanto cuanto
espeluznantes pero a la vez cadenciosos. Yo percibo que la música de
Zao oscilaba entre el Jazz-Rock Fusion, la Zeuhl music y algunos
pincelazos del Movimiento RIO. Al abrir el primer tema de nombre
"Joyl" la primera palabra en forma de grito que se escucha dice:
ZAO! y proviene de la garganta de Yochk'o Seffer para enseguida
mostrar un estilo sonoro muy en la vena de Magma. En lo sucesivo el
canto de Seffer parece como si fuera articulado en la lengua
kobaiana y dónde la primera impresion fuera la de estar frente a un
trabajo algo denso, confuso, hipnótico, cósmico, -pero- sin que deje
de ser embriagador un solo instante. En varias de las piezas se
escucha una sección de cuerdas y los melodiosos metales de Yochk'o
matizando unos pasajes instrumentales muy precisos, transportadores
y que por instantes logran arrastrarnos a lugares miríficos; aquí yo
insisto que no es necesario el sonido de la guitarra (que no
utilizan, por cierto) ya que tanto el violín, viola y cello suplen
eficazmente la Lira. Siguiendo con mis consideraciones -creo- que
este álbum derrama grandilocuencia por momentos y tiene elogiables
cualidades compositivas de elevada estimulación sonora..., dónde los
instrumentos que más sobresalen son los teclados de Francoise Cahen,
el bajazo de Gerard Prevost (ritmazo que nace necesariamente del
deseo de mostrar una expresión sónica variada y viva), y la batería
del estupendo maestro Jean-My Truong (colosal aporreo siempre
preciso-tácnico-pomposo... magistralmente apoyado en ocasiones por
el percusionista: Pierre Guignon), y un poco más abajo los saxos y
clarinete siempre bien metidos y equilibrados de Y.Seffer. Sobre
Zao, siento que andaban -circa- Weidorje, Henry Cow, Musique Noise
(estos últimos son de la segunda mitad de la década 80)..., y por
supuesto que su gran inspiración fue Magma y su Zeuhl music. Las dos
piezas que más me gustan del álbum "Shekina" son Zohar y Metatron
(que por cierto son las de más duración) y que junto a las otras
cuatro (6 piezas en total) conformaron un álbum estupendo que dado
el nivel de intensidad interpretativa me parece quizá su mejor
trabajo y junto con los discos: "Z=7L" y "Osiris" presumo que fue lo
más granado de está agrupación francesa.
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ZNR
Barricade 3 (1976)
Zazou 'n Racaille son dos extraños personajes que gestaron un
sobresaliente cruce de caminos entre la música de cámara, el "art
rock", las formas extendidas de canción y un claro sentido
compositivo. Otra perla rescatada por el catálogo Recommended bajo
la mirada cuidadosa y el concepto claro de Chris Cutler. Un extraño
cabaret donde la música de cámara con armonías impresionistas y un
claro perfil surrealista remitían a Erik Satie o al Stravinsky más
sereno en tanto que los textos reconocían sus deudas a Raymond
Roussel y a la tradición de los cadáveres exquisitos. Se dice que el
original de Barricades vendió sólo 155 copias y que fue muy difícil
de localizar por mucho tiempo.La fina música para teclados y las
voces procesadas más algún instrumento inusual harían distintivo al
dúo de Hector Zazou y Joseph Racaille al punto de incluírlos en una
especial familia sonora junto a Pascal Comelade ( y sus instrumentos
de juguete) o Harold Budd ( las recientes colaboraciones de Zazou
dan cuenta de ello). En todos ellos puede pensarse en la extraña
huella de Satie pìsando la tierra fártil de las experiencias de
composición ligadas al rock.
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ZNR
Traite de Mecanique Populaire (1979)
Segunda y última obra de la dupla Hector Zazou-Joseph Racaille.
Salvo David Ruef en vientos cambian su pelotón de acompañantes.
Alejados de las corrientes más convencionales del rock, dentro del
entorno del rock de cámara, con recursos estilísticos y rítmicos
varias corrientes, entre las que no esta ausente el tango. Menos
electrónico y divertido que su anterior obra, escuchar esta obra no
deja de ser una hermosa experiencia para quién goza de esta
corriente musical Ya no está la profusión de voces procesadas y se
escucha menos el sintetizador y el mellotrón. Se podría decir que
los elementos que más los acercaban al rock, en esta ocasión se
diluyen. Son 19 temas con títulos a veces descriptivos de la música:
"Chanson Triste", "Deux Pieces Elementaires pour Piano et un
Prelude".
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