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Alameda
Alameda (1979) Formada por cinco músicos de sesión (dos de ellos colaboraron en
algún momento con Triana), Alameda inició su carrera con un disco
epónimo que mostraba una mezcla de sinfonismo aflamencado y latin
jazz. Aquí encontramos la huella de las tendencias melódicas y
románticas de Triana, pero a diferencia de éstos, no se orientaron
hacia la psicodelia de corte floydiano, sino que decidieron irse por
la fusión de intensos ambientes flamencos con abundantes ritmos
latinos. Esto se nota en canciones tan bien logradas como "Matices"
y "A La Vera Del Jueves". También destacan temas más románticos e
introspectivos, como la flamenquísima "Ojos De Triste Llanto" y la
hermosa mini - suite "Amanecer En El puerto" (su canción más
emblemática). Hablando con más detalle acerca del estilo musical de
Alameda, cabe destacar que, a pesar de la notoria presencia de la
guitarra flamenca, éste no es el instrumento que más destaca dentro
del ensamble grupal. Los dos tecladistas tienen a su cargo no solo
los ambientes sinfónicos, sino también la mayor parte de los solos,
interpretados en el piano, los sintetizadores y el piano eléctrico.
La sección rítmica es bastante eficiente. Mención aparte merece la
hermosa voz del guitarrista, sumamente emotiva y bien dotada, limpia
e impecablemente afinada, moderadamente dramática: tal vez sea el
mejor de los vocalistas de la vertiente progresiva andaluza. En
conjunto, este disco no es de los más intrincados de la corriente
progresiva andaluza, pero indudablemente destaca en cada uno de los
temas la conmovedora belleza de sus melodías, así como la pulcra
elegancia de sus arreglos y ejecuciones: todo esto lo hace
recomendable.
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Alameda
Misterioso
Manantial (1980)
Siguiendo por la misma corriente del álbum debut, "Misterioso
Manantial" exhibe una mayor profusión melódica y armónica en los
arreglos de las canciones. El disco se inicia con un solo de un
célebre guitarrista flamenco, "Tomatito", que sirve como un tipo de
obertura. Las siguientes siete canciones transitan libre y
fluidamente entre el romanticismo sinfónico más emotivo y los
compases latinos más juguetones: como botones de muestra, vale decir
que "Dos Amores" y "Al Caer" resaltan lo primero, "Canto Al
Despertar" le da prioridad a lo segundo, mientras que "En Tus
Labios" combina ambas orientaciones. En líneas generales, se puede
notar que las melodías caen en ciertos aires repetitivos tomados del
disco debut, pero ellas siguen exhibiendo la misma belleza y
sensibilidad. Una vez más, la hermosa y emotiva voz de José Roca
sirve como vehículo perfecto para las letras reflexivas y románticas
de las canciones. Los siguientes trabajos de Alameda no lograrán
alcanzar estos niveles de creatividad; solo los dos primeros discos
resultarán satisfactorios para los paladares exigentes. Hace poco,
el sello discográfico ha editado en un doble CD los cuatro primeros
discos de este grupo. .
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Alfredo Carrion
Los Andares Del
Alquimista (1976) Alfredo Carrión es el compositor y arreglador de esta obra. Tiene en
su curriculum el aporte en la orquestación del álbum "Ciclos" de
canarios. La obra es decididamente sinfónica con abundantes cuerdas,
aunque sin perder el contacto con la base rockera con aceptables
trabajos de batería y bajo y buenos momentos de guitarra eléctrica
que bien desequilibran el clima sinfónico. La voz femenina oscila
entre lo tradicional y lo lírico, con letras en castellano. El disco
es algo pretencioso y cae en algunos momentos en la ampulosidad,
fundamentalmente en algunas secciones orquestadas o con coros. Sin
embargo obviando estos pasajes la obra es agradable de escuchar.
Prefiero personalmente los caminos algo más intrincados y
progresivos de las partes más plenamente inmersas en el rock. El
tema final de 16 minutos "Los Andares del Alquimista" es
interesante, pletórico de cambios rítmicos, con secciones de
tendencia clásica, rockera, jazzera, sacra y tradicional
alternativamente, ricamente instrumentado.
Temas: Espejo Sumergido, Tensa Memoria, Vino De Silencio, Romance,
Los Andares Del
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Atila
Intención (1976)
Atila es uno de los grupos más interesantes del progresivo español:
procedentes de la región de Cataluña, justamente eligen el idioma
catalán para las partes cantadas de su repertorio. El uso medio
orquestal de los teclados, junto con los solos de guitarra y moog,
ocupan un lugar preferencial en su sonido: hasta cierto punto,
podemos citar a ELP y Focus como las más importantes influencias en
esta banda. El estilo del guitarrista transita por las influencias
de Al di Meola y Santana, mientras que el tecladista maneja por
igual los colores y matices barrocos de Wakeman tanto como la
parafernalia sintetizada de Emerson. Desde el tema de apertura (el
mismo que da título al disco), el grupo manifiesta al oyente su
propuesta. En general, el sonido de Atila es más potente que Fusioon
(otra banda catalana), aunque ciertamente podemos encontrar algunos
paralelos entre ambos grupos: especialmente por la inclusión de
algunos elementos jazz-rock en la sección rítmica, así como en el
uso de algunas ideas extravagantes, como por ejemplo las notas del
campaneo del Big Ben en el segundo tema, titulado ‘Cucutila’. ‘Día
Perfecto’, en medio de un inicio y un epílogo de corte etéreo,
contiene una sección bastante fuerte, donde resalta un duelo
alternado entre solos bien armados de moog y solos energéticos de
primera guitarra. La suite de más de 15 minutos de duración ‘El
Principio del Fin’, que ocupaba el lado B del vinilo, comienza con
la introducción de la celebérrima Tocata en Re Menor de Bach. A
partir de entonces, se despliega un jam en el cual, como siempre, el
tecladista y el guitarrista se alternan en el protagonismo en solos
variados e imaginativos, contando también con un solo de batería
bastante preciso y efectivo. Tras otro motivo barroco, la suite
concluye con una sección de corte jazzero y una bizarra coda de
efectos de moog. En suma, un disco bastante recomendable.
Otros Discos:
The Beginning of the End (1975), Reviure (1977).
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Atila
Reviure (1977) El tercer trabajo de Atila supuso un aumento en el protagonismo de
su teclista, tanto en las composiciones como en la interpretación .
El abanico de influencias se amplía: Camel, King Crimson ,etc. Se
nota también una mejoría en la producción junto con un aumento de la
presencia del sintetizador Roland SH100, todo esto, lógicamente,
produce un sonido más ambicioso y rico en detalles. Por otra parte
las letras, de forma mas o menos explicita, se vuelcan en la
reivindicación política, cosa harto comprensible dentro del revuelto
panorama de finales de los setenta. Debemos recordar que Cataluña ,
junto al resto de España, esta abandonando cuarenta años de
dictadura fascista.
El álbum se divide en cuatro cortes de similar minutaje:
Reviure (9,53): Épico. Al principio transcurre por unos desarrollos
instrumentales memorables , pero personalmente lo valoro mas a
partir de su parte central . Una estrofa entonada al estilo de Greg
Lake en las canciones más solemnes de los primeros Crimson, se
transforma en una emocionada arenga nacionalista que deja paso a la
banda con toda su plenitud en una demostración de potencia.
Somni (9,32): Se inicia con el sintetizador planeando sobre una
secuencia electrónica, la guitarra acústica, la batería y una
sofisticada línea de bajo , abruptamente el tema se desarrolla por
cauces mas rockeros acompañando una libre versión de un conocido
trabalenguas catalán . Finalmente se entra de nuevo en la fase
inaugural de la pieza para desvanecerse lentamente.
Atila (11,53): Mucha influencia del jazz rock e incluso del funky
para un corte totalmente instrumental que incluye un solo de batería
portentoso, quizás lo mejor del corte junto con su evocador inicio.
Al Mati (7,14): Lo más sinfónico del disco, por lo menos en su
apertura rica en momentos de gran belleza. Entra en su segunda mitad
en una dinámica jazz-rockera, en que la guitarra eléctrica toma el
protagonismo con un fantástico solo, acompañada de una endiablada
sección rítmica.
Recapitulando, un gran trabajo que por desgracia se halla
descatalogado. Pero lo peor es que todavía no se ha podido reeditar
en formato digital, gracias a la desidia de los señores de EMI
España, que no hallan (o no tienen ganas de buscar) el master
original. Únicamente se puede hallar, editada por Pan y Música, una
versión grabada en directo acompañando en el mismo álbum a una
versión remasterizada de su anterior trabajo, Intención..
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Azahar
Elixir (1977)
Grupo bastante peculiar dado que a pesar de haberse formado en
Madrid, exhibe una serie notoria de rasgos aflamencados, lo cual se
debe en gran parte a la fuerte personalidad y voz del vocalista.
Dicho sea de paso, la voz de Zappala toma algo de tiempo para
acostumbrarse... si es que el oyente llega alguna vez a
acostumbrarse: su registro ronco y casi chillón, además de sus
exaltados quiebres flamencos, salen a relucir de forma contundente
en las partes cantadas de las canciones. Por su parte, dado que la
banda optó por no contar con un baterista, el bajista se hizo cargo
de la sección rítmica por sí solo, apelando a efectos de fuzz y
otras distorsiones varias para realzar su instrumento. Mientras
tanto, Valls utiliza elementos arábigos en sus solos (que a su modo
sirven como perfectos complementos para la voz de Zappala) en
combinación con rasgueos blueseros, y por su parte, el tecladista
(junto con Zappala en varias ocasiones) se desdobla en múltiples
texturas y colores, con algunos solos ocasionales bien armados. Como
ya dijimos, no hay baterista en este grupo, lo cual permite que los
temas tiendan a presentar un carácter etéreo, a veces denso
inclusive. Por ejemplo, los instrumentales ‘¡Es que Esto No tiene
Nombre!’ y ‘Mercaderes’ son verdaderos bocetos sonoros en los cuales
los músicos se manejan con bastante libertad, sin la presencia de
una base rítmica fija. Entre los temas cantados, la balada ‘Un
Hombre Cansado’, y sobre todo ‘Viaje a Marruecos’ exhiben la
envolvente tensión creada entre el ensamble instrumental y la voz de
Zappala. A pesar de no contar con la fineza de otras bandas como
Fusioon, Cai o Imán, definitivamente este disco cuenta con sus
propios méritos que lo hacen recomendable. .
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Azahar
Azahar (1979)
Con la entrada de
un baterista, Azahar opta por renunciar a la libre densidad que se
respiraba en su álbum debut, para inocular mayor fuerza y una
estructura rítmica más firme en su nuevo repertorio. El estilo más
agresivo del nuevo tecladista también se presta pertinentemente para
esta reorientación estilística. En cierto modo, esto es muy
conveniente para que la voz de Zappala se sienta más acompañada por
la sección instrumental. La orientación funky/jazz fusión de
Trujillo se hace evidente en los instrumentales ‘Expreso de Ketama’
y ‘Bulerías de Lujo’; en los temas cantados, como por ejemplo ‘La
Naranja y el Limón’ y ‘Aire y Fuego’, Trujillo se apega más al
funky, lo cual parece ajustarse bien a los riffs guitarreros. La
balada ‘Noche de Primavera’ es ciertamente emotiva, aunque pudo
haberse extendido un poco más para que resultara más envolvente. El
corte flamenco está trabajado de forma más notable en el
instrumental ‘Zahira’. Este disco resulta en líneas generales más
fuerte y enérgico que el primero, pero también menos sutil y
elegante. Ya depende del oyente escoger su opción personal, pero en
mi opinión, resulta tan recomendable como el anterior, pues Azahar
sigue exhibiendo las mismas virtudes (así como las mismas
limitaciones) como grupo.
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Eduardo Bort
Eduardo Bort (1974)
Una de las maravillas que nos ha dejado el rock español de los 70s.
Lamentablemente Eduardo Bort editó solo un álbum durante este
periodo. Se trata de una obra en la que se combinan los grandes
recursos que el autor puede demostrar en las guitarras, con enorme
calidez en la acústica e impresionante solidez en la eléctrica que
suele sonar dura, ácida, penetrante y distorsionada. Excelentes
contrastes con la delicadeza de los teclados, plenos de sutileza.
Son momentos distinguidos los pasajes de mellotron en manos de Pepe
Dougan y Vicente Alcañiz. Bort pasa con destreza de los momentos
reflexivos e intimistas a pasajes intensos casi explosivos. Se
logran climas de cierta rarefacción psicodélica que son bien
acompañados por las voces que cantan en un inglés de incierta
pronunciación. El álbum me deja una agradable impresión: no parece
haber impostadas artimañas, no suena pretencioso y sin embargo es
absolutamente logrado, plenamente progresivo y decididamente
adictivo. Rock duro, psicodelia, sinfonismo, regionalismos, baladas
y vestigios jazzeros son ingredientes que conforman esta obra
imprescindible.
Otras producciones:
Sylvia, 1983.
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Cai
Más Allá De Nuestras
Mentes Diminutas (1979) El disco inicial de
Cai hay que tomarlo como un "ejercicio de calentamiento". La
destreza de los músicos es patente en los temas que componen este
disco, pero las composiciones y arreglos de éstos no reflejan un
nivel de originalidad y sorpresa suficiente para impresionar al
oyente. Muy ceñido a los parámetros psicodélicos del Pink Floyd de
1973 - 5, este cuarteto de Cádiz sabe ejecutar y transmitir
agradables ambientes etéreos a través de los cuatro extensos temas
que componen este disco, pero desafortunadamente los elementos
aflamencados no son tan evidentes como cabría esperar de una banda
andaluza. El tema homónimo y "Pasa Un Día" son los que más destacan
dentro de un repertorio que, por entonces, exhibía más calidad
interpretativa que originalidad.
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Cai
Noche Abierta (1980) El segundo disco de Cai representa su pico creativo absoluto,
rebosante de belleza, elegancia, exuberancia, un conmovedor
romanticismo y varios toques de sutil psicodelia. Tanto el ensamble
grupal como las habilidades individuales de los integrantes de la
banda brillan intensamente. La influencia del sinfonismo melódico de
Camel y de Génesis (76-77) es realmente notoria en cuanto a los
arreglos de los temas, a la vez que los compases jazzísticos se
hacen más intensos y complejos, manteniendo un elegante nivel de
sutileza. También se nota un aumento en la dosis de toque flamenco
tanto en la performance de los propios músicos como en la ocasional
colaboración de Paco Delgado, un guitarrista flamenco amigo del
grupo: éste se luce especialmente en un intenso aunque breve solo en
la canción que da título al disco. Otros temas que destacan son la
poderosamente romántica "Soñé Contigo", la suite sinfónica "Extraña
Seducción", y sobre todo, "La Roca Del Diablo", el impresionante
instrumental que cierra el álbum, lleno de amplias texturas
melódicas y ambientes ligeramente siniestros que sirven como
contraste frente a la dulzura y alegría destilada en todos los temas
anteriores. El otro instrumental de este disco es "Alegrías De Cai",
el cual, tal como lo indica el título, destila un espíritu más
colorido. Resumiendo, en líneas generales, NA es una verdadera joya
dentro de la vertiente aflamencada del progresivo español, y del
género progresivo en general: imperdible.
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Cai
Canción De La Primavera
(1981)
Cuando su disco anterior logró algo de notoriedad comercial en
algunos sectores de España, el sello discográfico y los managers
presionaron a la banda para que hicieran de su siguiente disco un
producto más accesible comercialmente. Esto afectó seriamente al
resultado final del tercer y último disco de Cai, el cual, aunque no
muestra ningún agotamiento de buenas ideas musicales, exhibe un
nivel menor de imaginación en los arreglos de los temas. Esto se
hace evidente por ejemplo en "Donde Tú Estás" y la canción que da
título al disco, que reflejan la misma elegancia y sensibilidad
romántica de los temas del disco precedente, pero da la impresión de
que su potencial exuberancia no está convenientemente trabajada. Con
todo, cabe destacar un par de joyitas dentro de este disco, a la
sazón, los dos instrumentales titulados respectivamente "Mercadillo
Del Piojito" y "Caletera": el primero está construido sobre una
complicada estructura jazzística al estilo de Weather Report,
mientras que el segundo destila sabores flamencos de manera fluida y
natural. Es de lamentar que Cai se despidiera del negocio musical
como grupo con un disco tan irregular como éste. Recientes ediciones
en CD reúnen a NA y CDLP en uno solo. .
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Companya Eléctrica
Dharma Diumenge (1975) Debut absolutamente fascinante para esta banda catalana
instrumental. Los temas combinan el jazz rock con músicas
tradicionales ibéricas, particularmente el folk catalán, con un
resultado enérgico pero siempre refinado, con muy buena factura
melódica. Todos sus miembros son excelentes instrumentistas
demostrando un excelente equilibrio en el reparto de los roles.
Absolutamente recomendable, en mi opinión una de las mejores bandas
de España. Hasta la actualidad han publicado cerca de 20 discos.
Discografía durante los 70s:
Diumenge (1975), L'Oucomballa (1976),
Tramuntana (1977), L'Angel de la dansa (1978), Ordinaries Aventures
(1979).
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Companya Eléctrica
Dharma
L'Oucomballa (1976)
El título del álbum hace alusión a una tradición en Barcelona que
trata de colocar huevos sobre el chorro de agua de los bebederos en
las plazas. Este segundo álbum es más heterogéneo y si bien la banda
aumenta sus horizontes con mayor diversificación, esto conlleva una
cierta pérdida de contundencia, que hace a este disco menos
sorprendente que al anterior. La banda continúa compacta pero es
menos dinámica en los cambios de roles protagónicos entre la
guitarra, el saxo y los teclados. Es igualmente un buen disco, con
excelentes pasajes.
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Companya Eléctrica Dharma
Tramuntana (1976)
El tercer álbum de la CED sigue por el camino del trabajo
inmediatamente anterior, es decir, experimentando con una atractiva
variedad de registros musicales y reforzando el peso del jazz rock
en el sonido de la banda. Cabe señalar que en "Tramuntana" la
presencia añadida y ocasional de más instrumentos (flauta, xilófono,
trompeta) junto con un trabajo más refinado de producción, llevan a
este trabajo a un nivel de pulcritud de sonido mayor que en
cualquiera de sus discos anteriores. Como dato anecdótico, notamos
que el tema que da inicio a este disco es el mismo que cerraba el
anterior ("Titu-tiru-ritu", una tonada folklórica catalana), sólo
que aquí aparece en una versión rockera. La calidad y creatividad de
esta banda permanecen en un status recomendable con este tercer
álbum..
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Crack
Si Todo Hiciera
Crack (1979) Banda de Asturias, originaria de Gijón, que edita este único álbum
en 1979. Decididamente sinfónico, pletórico de teclados combina los
elementos característicos del género con tonadas de abolengo
español, pero también es curioso que se note la influencia de bandas
de rock sinfónico italiano, recordando en algunos pasajes a Locanda
della Fate. Se trata de composiciones que presentan la suntuosidad
propia del subgénero, pero logran eludir la mayor parte del tiempo
la pompa exagerada y logrando momentos realmente bellos. Cantado en
castellano con voces masculinas y femeninas con abundancia de coros,
algunos con falsetes que corren serios riesgos de caer en el terreno
de lo jocoso. La instrumentación cuenta también con guitarras
eléctricas y españolas y algo de flautas, sin que prácticamente en
ningún momento se extrañe el neto predominio de las teclas. Mento
Hevia, quien luego establecería una carrera musical solista ofrece
semejanzas estilísticas con los maestros italianos de los teclados
pero también en algunos pasajes me recuerda a Tony Banks. Pese a
transitar muy cerca de los márgenes de la fastuosidad, es un álbum
que permanece dentro de los terrenos del buen gusto y lo agradable,
aunque sin presentar una maravilla comparable con las bandas
italianas con las que parecen aspirar a constituir una
correspondencia. Recomendable. .
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Errobi
Errobi (1977)
Anje Duhalde y Mixel Ducau integran Errobi en 1973. Son considerados
como la primera banda del rock vasco. Su primer álbum homónimo fue
publicado recién en 1977 por el sello Elkar. Evidentes raíces
folclóricas que se acentúan con el aporte de las letras en vasco
(euskera). Muy atractivas melodías enmarcadas en excelentes arreglos
vocales a cargo de los dos integrantes principales. La combinación
del rock y elementos regionales muestra un notable predominio de las
guitarras, tanto acústicas como eléctricas. Un recomendable álbum
debut con el que alcanzaron popularidad y que se continuará con
otros álbumes “Gure Lekukotasuna”, “Ametsaren Bidea” y “Bizi Bizian”
en los que incorporan mayores elementos de rock progresivo y fusión,
hasta la separación de la banda en 1979. Posteriormente se reunirán
en 1985 para grabar otro álbum. Anje Duhalde desarrolló también una
carrera solista. Guerssen ha publicado una reedición en vinilo
desarrollada a partir de las cintas originales..
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Fusioon
Fusioon (1972) Excelente cuarteto catalán, cuyo estilo transita libremente por la
sofisticación del jazz rock y la majestuosidad del sinfonismo: los
músicos que conforman esta banda cuentan con la suficiente solvencia
como para cumplir con las exigencias técnicas de su repertorio. Su
primer disco no incluía ningún material propio, sino que costaba de
un repertorio de ocho adaptaciones y arreglos de canciones populares
y algún tema clásico del célebre compositor gaditano Manuel de
Falla: para añadirle más color y textura a este material, contaron
ocasionalmente con la colaboración de un coro clásico y un reducido
ensamble orquestal. Cada una de las versiones ofrecidas por Fusioon
exhibe una inmensa imaginación musical que hacen de este disco un
producto realmente atractivo a los oídos del fan progresivo más
exigente. Tan recomendable como resulta este disco, solo es un
"calentamiento" previo a posteriores y mejores trabajos..
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Fusioon
Fusioon II (1974)
Ahora sí tenemos un disco de Fusioon con material propio. Su sonido
está mejor logrado, y su estilo se muestra más maduro y rico, pues
ahora han incorporado disonancias instrumentales (similares a las
que encontramos en Gentle Giant o la etapa intermedia de King
Crimson) así como evidentes toques heredados de la música
electrónica alemana a la hora de manejar los sintetizadores. El
ensamble grupal funciona como un sofisticado mecanismo de relojería,
lo cual permite construir una base firme donde se despliegan los
solos de guitarra, teclado y sintetizador. Además, los ocasionales
coros añaden un poco de humor satírico a los temas. Es en los temas
más largos, como "Tritons" y "Concerto Grosso" donde los músicos
cuentan con más espacio para plasmar sus múltiples extravagantes
ideas, pero es justo recalcar que el material, en conjunto, mantiene
un nivel de calidad muy alto y parejo. Muy recomendable..
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Fusioon
Minorisa (1975)
Siguiendo por las sofisticadas vertientes estilísticas del disco
anterior, aunque realzando las disonancias los experimentos sonoros
sintetizados, Fusioon crea con su tercer y último disco su obra
cumbre, la cual rebosa de variedad y versatilidad. La extensa suite
del inicio titulada "Ebusus" (dura casi 19 minutos) es un alucinante
collage de ideas musicales que lejos de sucederse de manera forzada,
se conectan entre sí de manera muy bien integrada: tanto la destreza
individual de los músicos como su capacidad para funcionar como un
equipo mantienen el altísimo nivel que ya encontramos en los discos
anteriores, especialmente el segundo. Como siempre, los ocasionales
arreglos corales transmiten un oportuno tono de alegría y sátira
combinadas. Otra suite, de menor duración, que da nombre al disco,
exhibe las mismas virtudes que la anterior, y merece los mismos
elogios. Por último, el alucinado instrumental "Llaves Del
Subconsciente", una "fuga" electrónica de dos partes, que combina la
agresividad sonora del krautrock con los ambientes sintetizados
etéreos de Stockhausen. Tan o más recomendable que el anterior,
queda como una obra imprescindible dentro de la amplia gama de
"tesoros escondidos.
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Gotic
Escenes (1978)
Gotic es una exquisita banda instrumental que deja al álbum
Escenes
como único testimonio de su pasaje por el rock ibérico. Sobre una
base de bajo y batería muy refinada, los teclados y las flautas
ofrecen delicadas melodías en las que se combinan las influencias de
bandas como Camel, los aires folclóricos españoles e incluso alguna
pincelada de fusión. La música de Gotic es permanentemente dinámica
pero también de irreprochable compostura. Puede apreciarse que los
dos guitarristas invitados complementan ajustadamente las mil y una
variaciones armónicas en las que se entrelazan los teclados del
excelente Jordi Vilaprinyó y la flauta de Josep Nuix, e incluso
llegan a coprotagonizar algún pasaje brillando entre los colchones
de teclados o sosteniendo algún lamento de la flauta. Una obra
absolutamente recomendable.
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Granada
Valle del Pas (1978) El tercer y último disco de Granada es el más generalmente celebrado
de toda su carrera. Esta banda asturiana, liderada por Carlos
Cárcamo, cultiva un progresivo sinfónico con bastante energía y
fluidez, amén de un preciso sentido de la melodía y la elegancia;
las inclusiones de elementos célticos del folklore de la costa
noroeste española, e incluso elementos aflamencados, le añaden
texturas y colores oportunos al material, sin dejar de mencionar los
arreglos de cuerdas ocasionales. El resultado final es una muestra
indiscutible de exquisitez y delicado buen gusto, lo cual no se
contradice con el empleo destacado de varios riffs y llamativos
solos de guitarra eléctrica y sintetizador. Tal como señalamos
antes, el elemento folklórico es determinante en la orientación
estilística d este disco, y es por ello que la participación de
Blanco en instrumentos de viento típicos de Asturias resulta más que
oportuna: esto se hace especialmente patente en 'El Himno del Sapo'
y 'Ya Llueve', los temas más notoriamente folklóricos del disco.
Pero lo folklórico también está presente en los números más
fastuosos y netamente progresivos, como ocurre con el tema homónimo
y el que le sigue, 'Calle Betis (Atardeciendo)'. 'Noches Oscuras,
Ocas Contentas' también destila fastuosidad, con una presencia mucho
menor de lo folklórico. El aspecto jazzero también tiene su cabida
dentro del espectro sonoro de Granada: el tema de apertura, 'No Sé
si Debo', es una muestra de ello.
Otros álbumes:
Hablo de una Tierra (1975), España Año 75 (1976).
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Guadalquivir
Guadalquivir (1978)
Guadalquivir surgió en la ciudad andaluza de Córdoba en buena parte
como una reacción de Luis Cobo, a quien los miembros del trío
sevillano Triana, buenos amigos suyos, animaban para que expresara
su creatividad en el contexto de un grupo. Asociándose con otros
cuatro músicos, la banda empezó a cultivar un rock genuinamente
aflamencado, orientado principalmente hacia los senderos del jazz
fusión, con influencia de Return to Forever y el Weather Report
post-1974. El dueto de guitarras, en conjunción con las florituras
arábigas del vientista, conforman una serie infinita de melodías
envolventes, tocadas con entusiasmo, pero sin apabullar al oyente
con solos infinitos: más bien, se deja un espacio moderado para que
los solistas se luzcan sin tapar el brillo de la melodía misma,
dejando aparecer una sutil dosis de aspereza en el sonido. La
sección rítmica, por su parte, funciona de forma muy fluida a través
de los intrincados compases flamencos, rescatando su color típico en
el contexto del jazz. Todos los temas de este disco, compuestos por
cada uno de los guitarristas alternadamente, guardan un nivel
bastante parejo, por lo que es difícil escoger uno que destaque
individualmente. Nos limitaremos a mencionar que hay temas
abiertamente festivos, como por ejemplo 'Generalife', 'Baila Gitana'
y 'Dominga'; también otros con un talante más medido, por así
decirlo más introspectivo, como el tema de apertura 'Guadalquivir',
y también 'Cartagena', cuyas texturas reposadas dan al oyente un
oportuno momento de relax en medio de tanta ebullición rítmica. En
suma, un disco sumamente hermoso y envolvente, en el que los músicos
dominan las intrincadas melodías y ritmos con una solvencia
absoluta: recomendable. .
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Guadalquivir
Camino del
Concierto (1980). Para su segundo disco, Guadalquivir decide pulir más
concienzudamente su sonido, y añadirle aun más colorido del que ya
había exhibido en su disco debut. Es por ello que da la impresión
general de que el tono celebratorio es más intenso, y además, de que
los recursos estilísticos se han enriquecido. Se puede advertir
ciertas cadencias académicas en 'Flor de Almendro', así como una
notoria excursión bluesera en 'El Vuelo de una Lágrima', pero
siempre conservando la emoción y la esencia flamenca. Los temas
fiesteros que más nos llaman la atención son 'Ostalinda', 'Cartuja'
(atención al solo de sintetizador ejecutado por el entonces
ex-Iceberg Josep Mas) y 'Noche de Verbena'; el tema de apertura que
da título al disco tiene un carácter más introspectivo, por lo que
no tiene un compás tan frenético como los anteriormente mencionados.
Pero los temas que en nuestra opinión merecen una mención destacada
son 'Esclavos de la Belleza' y '121 Hormigas', pues exhiben un nivel
máximo de complejidad dentro del repertorio general de Guadalquivir.
En líneas generales, se nota una clara continuidad en relación con
su primer disco, pero también se advierte claras evidencias de un
deseo pro seguir explorando nuevas ideas parta integrarlas dentro de
la personalidad propia de la banda. Tras una breve gira de promoción
de 'Camino del Concierto', Guadalquivir se disolvió. Solamente
volvió a los estudios, por iniciativa de Olaegui (sin Cobo ni
Ontiveros), para grabar un disco en 1983, Después del Silencio, en
homenaje al líder de Triana Jesús de la Rosa, por motivo de su
sensible fallecimiento en un accidente de tránsito. .
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Haizea
Hontz Gaua (1979) Segundo álbum de Haizea, con un interesante resultado que combina
elementos folklóricos con rock liviano y algunos pasajes con
acercamiento a la psicodelia que viene fundamentalmente por ciertas
influencias del folk de San Francisco El predominio de la música
acústica se rompe en algunos tramos en los que la electricidad se
asoma de en manos de la guitarra eléctrica y algunos efectos.
Excelente voz de Amaia Zubiría con letras en vasco. El contrabajo
tocado con arco por Barrena confiere un clima entre melancólico y
onírico, reforzado por el agradable trabajo de flautas. Algunos de
los mejores momentos están en el instrumental "Arnaki" que es donde
mejor se combina lo tradicional y el rock y el tema que presta
título al álbum que se inicia con un pasaje cantado a capella que
recuerda a los cantos gregorianos y se prolonga 14 minutos a través
de melodías pastorales e improvisaciones. Recomendable. Previamente
habían editado otro álbum llamado simplemente Haizea, de excelentes
criticas menos inmerso en el terreno progresivo.
Temas: Anderea, Egunarn Hastapena, Argizabi Ederra, Arnaki, Hontz
Gaua.
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Ibio
Cuevas de Altamira (1978) Originarios de la región de Cantabria, editan este aparentemente
único discom en el 78. Sugiero armarse de tolerancia para poder
pasar el primer tema. No es que sea malo pero demuestran, para mi
gusto una excesiva ampulosidad en la ejecución de los teclados y en
los pasajes cantados. Luego de esto continúa a lo largo de todo el
álbum una efectiva combinación de rock sinfónico y elementos
musicales locales, con algunas letras en castellano. Por momentos
parecen más italianos que españoles, pero invariablemente alguna
melodía típica denuncia su origen ibérico. El despliegue de teclados
en bueno, cuando no cae en los excesos antes mencionados. Por
momentos con un agradable trabajo armónico y por otros con abusos de
clichés que hacen a la banda algo previsible.
Temas: Cuevas De Altamira, Romance Del Conde Lara, La Virulencia Del
Ferrocarril, Las Chicas De Laredo, A Lo Alto y a Lo Bajo, Pastor, La
Baila de Ibio.
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Iceberg
Coses
Nostres (1976)
Iceberg es catalogado por
muchos fans progresivos de habla hispana y no hispana como el máximo
exponente español del jazz rock setentero, y ciertamente yo coincido
con ellos. Éste es su primer disco como cuarteto netamente
instrumental, pues su disco debut incluía un quinteto miembro como
vocalista. La destreza de Sunyer y Kitflus en las guitarras y los
teclados respectivamente, es simplemente impecable, lo cual les
permita entablar diálogos y contrapuntos fabulosos. La exhibición de
destreza técnica es evidente, pero para nada pierden el sentido de
la melodía, pues éstas se hacen notar claramente en medio de la
parafernalia virtuosa. La excelencia interpretativa también es
propia de los componentes de la sección rítmica: la función de
Colomer es simplemente excelsa, firme sin perder el sentido de la
textura, mientras que Sancho sabe compaginar muy bien su labor de
apoyo a la vez que hace florituras ocasionales para complementar la
faceta melódica de los temas. Las influencias del pretencioso jazz
fusión de Weather Report y Return to Forever son evidentes (por
ejemplo, 'L'Acústica'), pero además el material de Iceberg incluye
varios colores melódicos tomados de los diversos folklores españoles
(como en 'Nova' y 'La Flamenca Elèctrica'). Es imposible para mí
designar temas favoritos: el material mantiene de forma constante un
nivel impresionante, sin altibajos de ningún tipo. Solo me queda
recomendar este disco como un todo.
Discografía:
Tutankhamon
(1975), Coses Nostres (1976), Sentiments (1977), Arc-en-ciel (1979), En
Directe (1979)
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Iceberg
Arc-en-ciel (1979)
Para su cuarto disco, encontramos a Iceberg exhibiendo un sonido un
poco más fuerte, y un repertorio que pone un poco menos énfasis en
lo melódico. El énfasis está ahora en el jam, especialmente en lo
que se refiere a una mayor tendencia al jazz fusión, e incluso la
incorporación de algunos pasajes de latin jazz; un claro ejemplo de
esto último es 'Cantics de la Carn'. Pero también es verdad que en
temas como 'Embrujo' y 'Riu d'Agost' todavía está muy presente ese
melodicismo mágico que impregnaba sus discos anteriores. El tema de
cierre, 'Crisàlide', sigue en la onda fusión exhibida en los dos
primeros temas. En suma, otro gran disco de esta banda, aunque no
logra igualar las cuotas de genialidad que tenía 'Coses Nostres'. .
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Iceberg
En Directe (1979)
Con este disco en vivo, Iceberg se despedía del negocio musical como
grupo. Muy acorde con la orientación que iba cogiendo su último
trabajo en estudio, el material recogido en esta ocasión está
orientado hacia la elaboración de extensos jams en un tono que le da
prioridad al jazz fusión y algunos toques ocasionales de funky. Los
jams incluidos aquí son cuatro, siendo así que había un par ocupando
cada lado del vinilo: el que más me llama la atención es el último,
'Històries', que es el que muestra el mayor grado de frenesí y calor
de todos. También me gusta bastante el de entrada, 'Oh! Un Ànec
Simfònic', el cual sirve como muestra de la evolución estilística
que había estado experimentado el cuarteto. Un gran disco en vivo,
sin duda alguna, que cierra de manera más que digna una de las
trayectorias musicales más notables del movimiento jazz rock en
general, sin mencionar un país o región en particular. .
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Imán Califato
Independiente Imán Califato
Independiente (1978)
También proveniente de la provincia sureña de Cádiz, ICI conformó un
sólido y eficiente ensamble musical que combinaba equitativamente el
sinfonismo de corte cameliano, el jazz al estilo de Return To
Forever y el flamenco. Esto se refleja claramente desde su primer
trabajo, en especial, en "Tarantos Del Califato Independiente", la
larga suite de más de 20 minutos de duración que le da inicio. Los
otros tres temas también exhiben una buena dosis de destreza
interpretativa, pero las melodías no alcanzan el nivel de
inspiración de la suite antes mencionada. En todo caso, a pesar de
que se nota que aún tenían que seguir puliendo su sonido, se trata
de un disco fácil de disfrutar, dada la variedad del estilo del .
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Imán Califato
Independiente
Camino Del Águila (1980)
El segundo disco de ICI muestra una superación estilística y
compositora respecto al primero: el sonido es más estilizado, los
arreglos son más arriesgados y fluidos, y las melodías son más
elaboradas e inspiradas. El nuevo bajista se preocupa de manera muy
especial por desplegar la potencialidad melódica de su instrumento,
lo que ayuda crucialmente al conjunto en su creación de armonías y
atmósferas musicales muy ricas. El instrumental inicial, "La Marcha
De Los Enanitos", que comienza y termina con una dulce línea
melódica, incorpora en el extenso intermedio ciertos toques
inequívocamente frippianos en la guitarra eléctrica así como
abundantes ambientes etéreos de sintetizador. El siguiente tema,
también instrumental, titulado "Maluquinha", incorpora una mayor
dosis de latin jazz en su sección rítmica, lo cual da pie a que el
guitarrista despliegue un solo inspirado en Santana y que el
tecladista transmita en su piano eléctrico varios toques parecidos a
la bossa nova: un tema definitivamente alegre. El tercer y último
instrumental, que da título al disco, sigue más bien por la línea
del primer tema: los paisajes sonoros etéreos y crimsonianos también
se hacen presentes aquí, a través del flujo de melodías arábigas que
impregnan el tema. Por último, el único tema cantado, la tierna y
melancólica balada acústica titulada "Niños" sirve como un relajante
final para un disco que no ha bajado su intensidad por un segundo.
En definitiva, una joya bastante recomendable: lástima que sirvió
como "canto de cisne" para este grupo, que se desintegró seis meses
después de su edición..
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Itoiz
Itoiz (1978)
Una de las bandas vascas de mayor refinamiento, reconocida como una
de las mejores de España. Muy prolijo en el trabajo de guitarra y
teclados, con preponderancia en las líneas melódicas de la flauta y
de las voces, estas últimas en vasco y que si bien son probablemente
un poco monótonas, en general suman belleza a esta música que une
elementos del rock sinfónico y del folklore regional. Si bien los
temas están ricamente instrumentados en general conservan una línea
más bien tranquila sin caer nunca en la estridencia a pesar de algún
breve solo enérgico de la guitarra. Buen álbum debut.
Discografía: Itoiz (78), Ezekiel, (80), Alkolea (81).
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Itoiz
Ezekiel (1980)
Dos años de su auspicioso debut editan el que sería el álbum que
gozaría de mayor reconocimiento. Incorporan más músicos los que
enriquece aún más la instrumentación con saxos, violines y
mandolinas. También incrementen los horizontes de su música
mostrándose capaces de ejecutar temas más rockeros y hasta a veces
con elementos jazzísticos, a expensas del piano y el saxo, con mayor
variación rítmica y sin perder los rasgos de delicadeza que
caracterizaron al primer disco. Muy por el contrario los pasajes
melódicos de cuerdas y flauta son sumamente emotivos. Las voces son
menos monótonas que en el primer disco presentando inflexiones
acordes a la mayor variación musical. En mi impresión un muy buen
disco que sería el que recomendaría para conocer esta banda.
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Itziar
Itziar (1979) Como otras bandas vascas, editan un álbum en los últimos años de la
década del 70, recurren a guitarras acústicas y flauta, cantan en
vasco, dando mayor o menor protagonismo a las voces femeninas y la
gráfica de las tapas es obscura, acorde a la melancolía de la
música. ¿Cuál es el aporte de esta agrupación en este contexto? Ante
todo la hermosa y expresiva voz de Itziar Egileor, casi perfecta
para esas baladas folkies de agradables melodías que caracterizan a
la banda, pero que no desentona en los temas más fuertes y el los
escasos pasajes jazzeros. y se complementa maravillosamente con la
voces masculinas. El trabajo de guitarras sin ser sorprendente es
ajustado y cuidadoso, casi siempre acústico, aunque en pocas
ocasiones es la guitarra eléctrica la que rompe el clima más bien
parsimonioso del álbum. Aparentemente tienen otro álbum llamado
"Morenica y Galana".
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Izukaitz
Izukaitz (1978)
Álbum debut de la banda originalmente editado por el sello Xoxoa
en 1978. Una verdadera maravilla del género. Un álbum delicioso por
donde se lo aprecie. Tal como es una constante en las bandas del
País Vasco de este periodo están presentes dos características: el
desarrollo musical a partir de las raíces folclóricas y el canto en
vasco (euskera). Delicadas melodías enmarcadas en una soberbia
instrumentación de predominio acústico con algunos medidos aportes
eléctricos. Además de teclados, violines y guitarras, un desfile de
percusiones e instrumentos regionales absolutamente enriquecedores
para una música ornamentada sin resultar sobrecargada en ningún
momento. Arreglos vocales masculinos y femeninos, siendo estos
últimos absolutamente placenteros. El sello Guerssen ha publicado
una reedición en vinilo desarrollada a partir de las cintas
originales, con conservación del arte original de tapa.
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Izukait
Otsoa Dantzan (1980)
Álbum que continúa el desarrollo de ideas enmarcadas en el
folklore
vasco.
Se encuentran presentes
los elementos comunes del folk rock y del folk progresivo pero
hábilmente combinados en estilo personal y delicado de la banda que
no cesa de bucear en el floklore autóctono para conseguir un
ensamble único. Las
canciones continúan siendo cantadas en Euskera, ese particular
idioma que se habla en las vascongadas, lo que le termina de otorgar
un carácter especial a una placa muy madura.
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Jarka
Morgue o Berenice (1973)
Agrupación de fusión que lideraba el tecladista Jordi Sabatés, quién
también desarrolló actividad como solista y en el dúo Sabatés-Arisa,
además de participar en la formación de OM que colaboró con Pau Riba
en Dioptría I. Jarka tuvo numerosas formaciones entre los años 1971
y 1975. En el primer álbum participan Alfonso De Lucas en bajo y
Pedro Van Eeckout (Pan & Regaliz) como baterista. Para el segundo
álbum Morgue o Berenice, de 1973 ya no está Van Eeckout, pero
ingresan dos músicos que habían trabajado en EEUU con Chick Corea:
Danny Somoza como guitarrista y Tom Frugal en batería. Se trata de
uno de los álbumes del movimiento de fusión catalana más inclinado
hacia el costado jazzero, con excelentes trabajos de los cuatro
instrumentistas pero fundamentalmente con un destacado desempeño de
Sabatés en el piano. De hecho hay pasajes en los que trabajan como
trío. El piano de Jordi, y el estilo de Frugal y De Lucas, remarcado
en este último caso, por el empleo de contrabajo, marcan la fuerte
inclinación al jazz de estos músicos. Las participaciones del
guitarrista Somoza en brillantes armonías junto a Sabatés dan mayor
colorido a la música de Jarka. Participan como invitados Xavier
Batlles de mandolina y Paul St Maur Sorber en saxo en un tema cada
uno. Sabatés comienza una intensa actividad editando tres LPs en
1974: El Senyor dels Anells, un par de discos en dúos con Toti Soler
y Tete Montoliu..
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Lisker
Lisker (1979)
Muy buen álbum. Hasta donde sé, lamentablemente el único de esta
banda vasca. Alternan los temas predominantemente acústicos con los
básicamente eléctricos y enérgicos. Correctamente instrumentado, y
sin que desentonen el resto de los integrantes se destaca el
excelente trabajo de la guitarra eléctrica de Alberdi, muchas veces
en endemoniado contrapunto con la flauta de Gil. Si bien la mayor
parte de los temas muestra un desarrollo instrumental hay secciones
cantadas en vasco. Los temas acústicos presentan aportes folklóricos
aunque en dosis menores que las aplicadas por otras conjuntos de la
región. No hay que perdérselo. Guerssen ha publicado una reedición
en vinilo desarrollada a partir de las cintas originales
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Los Canarios
Ciclos,
1979
Provenían precisamente de las Islas Canarias y habían tenido en su
época pop éxitos como Get on Your Knees (de propia composición
aunque cantado en inglés). De esta época solo el tecladista Teddy
Bautista, de muy destacable trabajo, es parte integrante de Los
Canarios en su etapa progresiva. En esta incursión en el rock
sinfónico se basan bastante libremente en la obra de Antonio
Vivaldi, Las Cuatro Estaciones y trazan un paralelismo conceptual
con el desarrollo evolutivo del hombre. La obra que tiene un enorme
protagonismo de teclados incluyendo pianos, sintetizadores y
mellotron, es refinada en algunos pasajes pero suele caer tanto en
la ampulosidad tan frecuente en la vertiente sinfónica,
particularmente al recrear los clásicos, como en pozos de los cuales
parece costar salir haciéndose la escucha un tanto tediosa. Hay
reiteradas apariciones de voces operísticas y de coros que aportan
otro matiz aún mas grandilocuente a esta obra conceptual
originariamente doble vinilo con un tema por faz, reeditado en un
cd.
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Máquina!
Why? (1970)
Surgidos de la banda de acompañamiento de Jaime Sisa, el cantante y
bajista Jordi Batiste y el tecladista Enric Herrera constituyen
Máquina! en 1969 contando con Luis Cabanach Pedrosa en guitarra y el
baterista Santiago García Cortés, luego reemplazado al irse a
integrar Agua de Regaliz por José María “Tapi” Villaseca. En un
comienzo mixturaban sus fuertes influencias de The Beatles con
dilatados jams psicodélicos. Cuando editan su LP Why? en 1970 pueden
exponer sus inquietudes exploratorias, particularmente en el tema
que da nombre al álbum que con sus dos partes a ambos lados del
álbum se desarrolla a lo largo de mas de 23 minutos, algo
absolutamente inusual en España para ese momento, un prolongado
periplo psicodélico con un magnifico trabajo de interjuegos entre la
guitarra y los teclados. Como la mayor parte de la bandas hasta ese
momento optaron por letras en inglés. Al tener que realizar Jordi
Batiste el servicio militar ingresa José María Paris. La banda
naufraga al irse su otro líder Enric Herrera, por el mismo motivo.
Pero al regreso de este se integran miembros de Crac (no confundir
con la banda asturiana Crack) y otros músicos llegando a grabar en
1972 el primer álbum en vivo de esta escena, un doble LP llamado En
Directo.
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Medina Azahara
Medina Azahara (1979)
Medina Azahara es un quinteto procedente de Córdoba, y que sigue aun
en actividad como una banda de rock duro melódico. Pero en sus
primeros álbumes estuvo genuinamente inmerso en el género
progresivo, y fueron desde el primer momento unos de los grupos más
vendedores de la movida progresiva andaluza que surgió a fines de
los 70's (al amparo del éxito comercial de Triana). Pero a
diferencia de éstos o de sus conciudadanos de Mezquita y
Guadalquivir, Medina Azahara orientó su estilo por un medido
coqueteo con el hard rock y el blues eléctrico, a la vez que
conservaba una innegable cadencia flamenca. La presencia de la
guitarra eléctrica ciertamente destaca con el fin de transmitir una
notoria vibración rockera, así como la fuerte base rítmica maneja
por los hermanos Molina. Los teclados mayormente sirven para crear
atmósferas sinfónicas que complementan muy bien la dureza de la
guitarra: los solos de teclado son esporádicos. Por su parte, el
registro tenor y ligeramente ronco del vocalista encarna muy bien
esta fusión de pasión flamenca y furia rockera. El tema que abre el
álbum y que se convirtió en primer single, 'Paseando por la
Mezquita', es hasta hoy un tema emblemático de la banda, así como
del movimiento andaluz en general. Otros temas que destacan dentro
del álbum por su energía y complejidad son 'Amiga, 'Hacia Ti', y
'Sé'. Por su parte, 'Si Supieras' se alza como una semi-balada
sinfónica que explora la emotividad musical de la banda con un
dramatismo peculiar. En suma, un disco bastante recomendable,
significativo del lado más rockero del movimiento andaluz, a pesar
de no contar con el nivel de sofisticación de otras bandas de la
región andaluza.
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Medina Azahara
La Esquina del Viento
(1980)
El segundo disco de Medina Azahara sigue por la misma vertiente que
su predecesor. Incluso a la luz del incremento de los solos de
teclado, se puede muy bien decir que el colorido sonoro de la banda
ha aumentado. Sin embargo, los temas tienden a ser menos extensos,
lo cual probablemente se haya debido a la presión de la casa
discográfica para que el grupo escribiera canciones más accesibles.
El tema que da título al disco fue el primer single extraído del
disco, y a pesar de ser pegadizo, mantiene una saludable dosis de
exuberancia arábiga y arreglos inteligentes, sobre un sincopado
compás blues. El tema de apertura, 'El Rincón de Mi Mente', así como
'Una Mañana de mayo' y 'Tiempo de Miseria' están encuadrados en el
lado más melancólico de la banda, mientras que 'Las Flores Blancas'
y 'Amanece en la Ciudad' son buenos ejemplos de temas movidos
sostenidos sobre inteligentes arreglos instrumentales. En conjunto,
La Esquina del Viento no alcanza un nivel tan alto como el disco
debut, pero sigue siendo atractivo para cualquier coleccionista
interesado en investigar en el mejor rock español setentero. Ya
otros discos posteriores de la banda contendrían mayores concesiones
comerciales, para terminar derivando en lo que mencionamos más
arriba: simple rock duro melódico.
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Mezquita
Recuerdos De Mi Tierra
(1979)
Cuando Triana consiguió una buena de éxito comercial a partir de
1977, varias casas discográficas volvieron sus ojos hacia el círculo
rockero andaluz, caracterizado por fusionar los parámetros del rock
sinfónico con sonidos propios del folklore flamenco. Algunas de
estas bandas ya tenían varios años de formación y experiencia en
presentaciones públicas: una de ellas era Mezquita, proveniente de
la hermosa ciudad de Córdoba. RDMT exhibe un estilo sinfónico,
repleto de una actitud rockera bastante poderosa y frenética, y por
supuesto, también de los exuberantes toques arábigos característicos
del flamenco: dichos toques arábigos son realzados en un par de
temas con la participación de un cuarteto de cuerdas invitado.
También aparecen intercalados algunos pasajes más serenos donde la
emotividad, sin bajar su intensidad, se expresa de forma más
reposada. La destreza instrumental del guitarrista, que se mueve con
igual soltura por los trastes de la eléctrica y los de la española,
encuentra un trasfondo adecuado en las texturas y ocasionales solos
de teclado (principalmente, órgano y sintetizador), mientras que la
dupla rítmica de bajo y batería resulta bastante consistente, además
de colaborar con los aspectos melódicos del repertorio de la banda.
Por su parte, las voces roncas y apasionadas de los vocalistas (el
guitarrista y el bajista) transmiten apropiadamente la pasión típica
flamenca. Aunque la selección de temas que conforman este disco es
muy pareja, cabe destacar el tema inicial que le da título, así como
"Desde Que Somos Dos" y "Ara Buza". Según varios comentaristas, este
disco podría ser el mejor exponente del progresivo aflamencado
español, y tal vez no les falte razón en ello. Altamente
recomendable.
Otros Álbumes:
Califas Del Rock (1981) ..
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Música Dispersa
Música Dispersa (1970)
Mientras Máquina! tomaba la punta en el terreno electrónico, Música
Dispersa podía reclamar el sitial de honor en la vanguardia acústica
dentro del rock catalán. Sin alcanzar el éxito de aquellos, puede
decirse que los méritos de Música Dispersa son descollantes, no
cantan en inglés como sus contemporáneos, simplemente porque las
voces en general eran empleadas como instrumentos o susurraban
vocablos incomprensibles. El nombre de la banda y la simplísima tapa
de su único LP de 1970, que muestra una ola del Mediterráneo son un
buen adelanto del contenido musical. Junto a los instrumentos
tradicionales aparecen otros de confección propia. Atmósferas
enrarecidas, místicas, a veces letárgicas y generalmente lisérgicas.
De vez en cuando alguna guitarra eléctrica nos trae a los terrenos
del rock, pero es una combinación de elementos derivados del folk
ácido el territorio preferido de la banda. Discutidos y desestimados
en su momento, se separan acompañados de las escasísimas ventas de
su tremendamente meritorio disco. Los integrantes de Música Dispersa
eran: Jaume Sisa en guitarra, percusiones y voz, Albert Batiste en
bajo, armónica, teclados, percusión y voz. Bravo “El Cachas” en
guitarra, mandolina, flauta y voz, y la joven Selene en teclados,
flautas, percusiones y voz. Batiste integraría posteriormente Slo Bo
y Orquesta Platería, Sisa comandará su propia banda antes de
participar en Orquesta Platería.
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Ñu
Cuentos de Ayer y de Hoy (1979)
Con este nombre tan curioso (ya aparentemente carente de
significado) se conoce a esta particular banda española, originada
en 1975 que aún hoy se encuentra en actividad, aunque inclinados al
rock metálico. Presentan en su primera época notables influencias de
bandas tan disímiles como Black Sabath y Jethro Tull y abordan un
sonido definidamente pesado, aunque con breves pasajes melodiosos y
a veces casi sinfónicos. En su música se destaca una poderosa
guitarra que no ofrece respiro, flauta, armónica y violín con
algunos aportes de melotron. La voz de Molina es propia de los
cantantes metálicos. En resumen un conjunto de elementos
contrastantes que da como resultado un álbum debut que debería ser
escuchado y que recién llega en 1979 con el conocido personaje de la
escena española Vicente Romero como productor. Según tengo entendido
el álbum no fue demasiado exitoso en su momento..
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Ñu
A golpe de látigo (1980) Un año después y con cambios en la formación (algo que sería una
constante en la banda) que continua siempre liderada por el cantante
y flautista José Carlos Molina y nuevamente con Vicente Romero en la
producción, sale el segundo álbum. Sreá el último en abarcar este
interesante híbrido entre el rock metalico y el progresivo, aunque
ya se nota myor inclinación a la primera de las vertientes. Por el
lado más duro se nota la influencia de bandas como Uriah Heep, por
el costado más melodioso Jethro Tull permanece como una constante.
Es en este disco que aparece "El Flautista" un verdadero clásico de
la banda. No tan bueno como el primero es un disco aceptable para
conocer a esta peculiar banda..
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Om
Om (1971)
Legendaria agrupación liderada por el guitarrista Jordi Soler,
pionera en los terrenos de la fusión catalana. Por sus filas, antes
de grabar un único LP pasaría Tim Hodgkinson, luego integrante de la
banda británica de Rock in Opposition, Henry Cow. Con una frecuente
rotación de integrantes debutan discográficamente acompañando a Pau
Riba en la primera parte de Dioptria con una formación que incluía
además de a Jordi Soler a Jordi Sabatés en teclados, Romá Escales en
vientos, Doro Montaberry en bajo y Josep Polo en batería. En 1971
editan el LP, llamado simplemente OM. Aquí la formación comprende a
Marti Soler (hermano de Jordi e integrante de Bueyes Madereros) en
guitarra, Manolo Elías en bajo, el británico Peter Hodgkinson en
batería, Xavier Batlles, Francesc Pi de la Serra y Rafael Poch en
percusión, Xavier García en trompeta y Jordi Sabatés en teclados,
entre otros. El álbum es un excelente y temprano ejemplo de la
corriente de fusión jazz rock con aires mediterráneos que
posteriormente será tan característico de Barcelona. No faltan
algunas incursiones psicodélicas y pasajes de improvisación. Pero
todo este conjunto de elementos confluye hacia la concreción de una
música de avanzada, de enorme refinamiento. Álbum totalmente
instrumental, la reedición en CD contiene dos bonus tracks de un
simple en el que cantan en catalán, con una orientación más dirigida
hacia lo roquero aunque con igual virtuosismo..
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Pan & Regaliz
Pan & Regaliz (1971)
Secuela de Agua de Regaliz. Integraban la agrupación Guillem Paris
en voz y flauta, Alfons “Muiti” Bou en guitarra, Artur Domingo en
bajo y luego de un par de cambios Pedro Van Eekout como baterista.
Con notorias, pero no excluyentes influencias de Jethro Tull pero
conservando aires mediterráneos en su música editan un par de
simples y un LP, “Pan & Regaliz” de 1971, en el que cantan, como la
mayor parte de las bandas hasta ese momento en inglés. Con resultado
más que satisfactorio hacer ostensibles además algunos matices a
veces jazzeros y recurrentemente psicodélicos. Poco tiempo después
se separan. Pedro Van Eekout pasa a integrar Jarka y Artur Domingo
un grupo con integrantes españoles y alemanes llamado Evolution.
Guillem Paris intenta reestructurar a la banda pero pronto desiste e
inicia una carrera solista sin mayor éxito..
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Pau Riba
Dioptria (1969-1970)
Integrante del movimiento de la Nueva Canción Catalana y uno de los
más destacado intérpretes del Grupo de Folk. Nacido en Mallorca
conocido como el Daevid Allen español, con notables influencias del
australiano y también, como corresponde a su grupo de pertenencia,
de Bob Dylan. Desde 1968 edita una serie de simples y EPs, además de
su participación en el dúo Pau i Jordi. En su primer álbum (doble
aunque editado en dos partes en diferentes años, reeditado en cd
doble) nos ofrece una fresquísima música que aunque transita
estilísticamente el pasaje de la psicodelia al progresivo, se ubica
más cercana a la primera en su primer disco. Con letras en catalán.
Los arrebatos hippies no ocultan la búsqueda de Riba de muy buenas
melodías. Cuenta con el acompañamiento de los miembros de OM,
pionera banda de jazz rock de Barcelona que contaba entre sus filas
al guitarrista Jordi Soler quien también desarrollaría una carrera
solista y una participación en Orquestra Mirasol. Integraban OM
también Jordi Sabatés en teclados, Romá Escales en los vientos, Doro
Montaberry en bajo y Josep Polocomo baterista.La segunda parte es
prácticamente acústica, con la voz y la guitarra de Riba grabadas en
directo. La electricidad aparece a partir del cuarto tema ("Simfonia
Núm. 2") con la participación en el órgano y la guitarra de Soler. A
pesar de las buenas melodías y algunos refinamientos no repite la
energía de la primera parte.
Otros álbumes: Jo, La Donya i el Gripau (71), Electroccid Accid
Alquimistic .
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Pau Riba
Jo, La Donya i el Gripau (1971)
Entre los años 70 y 73 se instala en Formentera registrando un solo
álbum llamado Jo, La Donya i el Gripau, inclinado hacía el folk
ácido, con una instrumentación acústica, con predominio de guitarras
y percusiones, grabado en directo, en forma simple y de una belleza
despojada muy propia de un cantautor. Lo acompañan en violín Xavier
Riba, quien participaría de Orquestra Platería, Jordi Soler y Martí
Soler (quien también pasara por OM) en guitarras y Martín Pacheco en
percusiones...
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Pau Riba
Licors (1977)
Pero esta excelente muestra de talento no será la última que nos
brindará Pau Riba en los 70s. Con Daevid Allen como invitado de lujo
registra Licors en 1977. Con los ingredientes que ya venía
exhibiendo en sus anteriores trabajos confecciona lo que
probablemente sea su obra más catalogable como progresiva, aunque
como es de esperarse, este músico a estas alturas no adscribe a
ninguna tendencia en particular. Licors ha sido reeditado en un solo
y muy apetecible CD junto a Electroccid Àccid Alquimistic Xoc.
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Tapimán
Tapimán (1972)
José María Villaseca que venía de integrar Máquina! se une en 1971 a
Miguel Angel Nuñez en guitarra y a Pepe Fernández, que venía de
Vértice, en bajo. Luego de grabar un simple Nuñez es reemplazado por
Joaquin “Max” Nuñez, también ex-Vértice, con quien graban el segundo
simple y el único álbum homónimo que se edita en 1972 por el sello
Edgisa. Lejos de los caminos experimentales transitados por
Villaseca en Máquina, en esta ocasión hacen diez temas decididamente
enrolados predominantemente en el rock duro, con la lógica
abundancia de riffs de guitarra y gratos momentos de energía que
llega a lo desbordante. Luego de publicado este único LP se separan.
Desde allí en más Villaseca intenta desarrollar una carrera solista
como cantante con el nombre de Tapi..
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Triana
El Patio (1975)
Banda de Sevilla, varias veces comparados con King Crimson,
personalmente no encuentro ningún punto de contacto con los
británicos en este disco. Padres del Flamenco Rock, presentan ambos
ingredientes en un permanente contraste en el que por un lado están
la voz, con letras en castellano, en un estilo típicamente flamenco
y la guitarra acústica española y por el otro la batería y
fundamentalmente los teclados con muy buenos aportes de sintetizador
y mellotron. La guitarra eléctrica aportada por el invitado Pérez se
suma a estos contrastes, pero he de decir que su participación es
algo escasa y se hace desear. Hermosa tapa de Máximo Moreno. Muchos
odian y otros aman esta banda. Sin enmarcarme en alguna de esas
posiciones disfruto de lo pintoresco de su música. En los 80s
fallece Jesús de la Rosa.
Discografía durante los 70s:
El Patio (75), Hijos Del Agobio (77),
Sombra y Luz (79), Un Encuentro(80)..
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Triana
Sombra y Luz (1979) El tercer disco de Triana exhibe una producción de sonido más clara
y depurada, a la par que una menor sofisticación en la estructura de
los temas que lo conforman. “Una Historia” y “Quiero Contarte”, los
dos primeros temas, se sujetan al típico formato de canción, sin
perder en demasía la capacidad expresiva tan característica del
progresivo andaluz. Son los temas más extensos los que más destacan
aquí. Por un lado, el tema homónimo, que incluye extensos pasajes
psicodélicos llenos de efectos instrumentales y vocales sobre un
constante telón de fondo de sintetizadores hipnóticos (esta misma
secuencia servirá de ‘reprise’ final del disco). Por el otro lado,
“Hasta Volver”, una obra de 10 minutos, con sobrias tendencias
sinfónicas que añaden un aire estilizado a las melodías flamencas
que se van sucediendo fluidamente. También merece mencionarse
“Tiempo de Saber”, en especial por su alucinante introducción de
guitarra flamenca. En líneas generales, un disco que resulta
bastante atractivo, a pesar de carecer del brillo que hicieron de
sus dos primeros discos sendos clásicos indiscutibles del rock
setentero hispano. Con todo, “Sombra y Luz” sirvió para colocar a
Triana en un panorama de popularidad que ya venía mereciendo desde
hacía algún tiempo. .
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Triana
Un Encuentro (1980)
Para muchos, se trata del disco que cancela la etapa más creativa de
este grupo. Ahora el formato de canción predomina de manera casi
exclusiva en el repertorio de este trabajo. “Tu Frialdad” y “Cae
Fina La Lluvia” constituyeron sendos hits radiales, lo cual no
debería de entrada hacernos desmerecer su evidente belleza melódica.
Lo que pasa es que ya no se encuentran aquí otras piezas más
extensas y/o sofisticadas que sirvan de desahogo experimental, a
excepción del solo de batería que cierra el disco en medio de
efectos de sintetizador y ruidos de jaurías de perros de caza – un
guiño de despedida al pasado psicodélico de la banda. En general,
las pretensiones artísticas bajaron su nivel de sofisticación. De
todas maneras, es justo hacer mención especial de “A Través del
Aire”, que durante seis minutos despliega una secuencia bien hilada
de dos pasajes musicales centrales bien diferenciados entre sí;
también debemos dar cuenta de “Aroma Fresco”, una breve joya
progresiva fiel al estilo tradicional de Triana que lamentablemente
solo dura dos minutos y medio. Adicionalmente, podemos disfrutar de
“Un Nido en mi Ventana”, una balada acústica intimista y
moderadamente intensa. En resumen, tenemos aquí un trabajo que
palidece en comparación con sus predecesores, pero que incluye
varios pasajes llenos de pasión y belleza que hay que saber apreciar
por sí mismos..
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Txomin Artola
Belar
Hostoak (1978)
Txomin Artola nació en Hondarribia en 1948. Participó en los
movimientos del rock, el folk y finalmente en la Canción Vasca desde
principios de los 70s. En 1975 participa del primer álbum de Haizea,
pero posteriormente deja la agrupación. En 1978 publica este álbum
en el que se combinan todos los estilos musicales que había
desarrollado hasta el momento y en el que se notan estrechos puntos
de contacto con la música de Haizea. Muy buenas baladas con delicada
instrumentación con guitarras, xilofón, teclados y flautas. No
faltan algunos acercamientos al rock un tanto más duro y al jazz.
Como en otras circunstancias el sello Guerssen ha reeditado esta
obra en vinilo con total respeto por el arte original de tapa doble
y sonido extraído del master original. Esto es doblemente
interesante porque tengo entendido que no existe reedición en CD.
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