Miguel Abuelo
Miguel Abuelo et Nada:
Los Abuelos de la Nada en su primera formación solo
editan un simple con los temas "Diana Divaga" y "Tema en Flu
sobre el Planeta". Aparecen además en "La Estación" en el
compilado "Mandioca Underground". Abuelo (Miguel Ángel
Peralta) como solista publica además dos simples: "Oye
Niño"/ "¿Nunca te Miró una Vaca de Frente?" y "Hoy seremos
campesinos" /"Mariposas de Madera". Sin haber registrado un
álbum Miguel Abuelo emigra a Europa, y es en Francia,
durante 1974 que con un grupo llamado Hijos de Nada graba su
primer LP. Participan Daniel Sbarra en guitarra , Carlos
Beyris en cello, Pinfo Garriga en bajo, Diego Rodríguez en
batería, Gustavo Kerestachi en sintetizador y Juan Dalera en
flauta y quena. Las cuatro primeras composiciones pertenecen
a Miguel Abuelo. "Tirando piedras al río" combina la energía
roquera de la guitarra y el delicado clasicismo del cello,
(instrumentos coprotagonistas del álbum), que complementan
la excelente voz de Miguel que pasea desde su máxima
potencia a variados ejemplos de sutileza. Como en otros
temas no faltan aproximaciones a Led Zeppelin. "El largo día
de vivir", otro hermoso tema sumergido en una atmósfera
hippie. La guitarra acústica se ensambla con el cello y
flauta ofreciendo un encantador marco a la voz de Abuelo.
"Estoy aquí parado, sentado y acostado" un clásico , con su
clima onírico, son aquí las percusiones las que tercian con
el cello y la guitarra en el inicio del tema, que va
desarrollando una creciente intensidad. "El Muelle" que
contiene fragmentos de poesía de Rumi, poeta del siglo XIII,
continúa la ensoñación, y ahora se acompañan de sonidos de
clavicordio, un pasaje de pesadilla precede al dramático
final. Los tres temas finales pertenecen a el guitarrsta
Sbarra. "Señor carnicero" es un tema de rock duro
ornamentado con un adictivo arreglo de cello. "Recala Sabido
Forastero" es una tranquila canción con toques barrocos y
acompañamiento de Moog. Finalmente "Octavo Sendero" otro
ejemplo de rock ornamentado con excelente acoplamiento, otra
vez, entre la guitarra y el cello con una agradable arreglo
de voces. Álbum absolutamente recomendable. Entiendo que
existe una edición en cd, aunque no es fácil de conseguir.
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Agnus
Pinturas y Expresiones (1980)
Agnus existe desde 1974 sin embargo la banda graba este
álbum recién en 1980, cuando solo el guitarrista Luis Sáez
permanece como miembro original. Oriundos de la provincia de
Santa Fe, al igual que MIA y Redd apuestan a la producción
independiente. Comunicaban sus presentaciones por teléfono o
correo y entregaban a sus seguidores una credenciales que
posibilitaban obtener descuentos en los shows. En los
primeros años las presentaciones eran acompañadas de
exhibiciones de otras expresiones artísticas (ballet,
pintura, fotografía). Dividido en cuatro temas con pasajes
de enorme sutileza en los que se pasa de una delicadeza casi
pastoral al rock progresivo intenso, aunque nunca
estridente. Es muy buena la participación del violín y
abundan los tramos con predominios alternativos de coros
femeninos y flautas. Sin embargo es el trabajo de la
superlativa guitarra de Sáenz lo que más llama la atención.
Excelente y muy recomendable trabajo.
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Alas
Alas (1976)
Conformado como trío de bajo, batería y teclados son
inevitables las comparaciones con EL&P. De hecho las
influencias de la banda británica no están ausentes. Sin
embargo el peso de otras vertientes convierten a Alas en un
grupo de fusión donde convergen también el folklore y el
tango, este último desde una concepción más cercana a
Piazzola que a la tradicional. Temas largos divididos en
secciones para ajustar los cambios rítmicos. "Buenos Aires
solo es piedra" ocupa todo el lado 1 del LP original. Las
secciones tienen nombres de intención evidente como Tango,
Trompetango ó Soldó. No faltan pasajes de improvisación y de
instrumentación poderosa. El bandoneón estubo a cargo de
Rodolfo Mederos. El lado 2 abre con "La muerte contó el
dinero" dónde los aportes folklóricos pesan más que los
tangueros (las secciones se llaman Vidala, Galope o
Mal-ambo). En el momento de hacer críticas me surgen dos
reclamos. Uno es que la voz de Moretto es muy limitada, y el
otro es no haberse separado más del sonido de EL&P. La
edición original del LP duraba poco más de media hora. La
edición en CD de Progressive Rock trae dos bonus tracks. En
mi opinión este álbum es altamente recomendable.
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Alas
Pinta tu aldea (1977)
Alex Zuker se aleja e ingresa en su reemplazo Pedro
Aznar, que también tocará sintetizadores. Moretto se hace
cargo también del bandoneón.´El despliegue de teclados es
mayor. La ejecución del bajo es impresionante. Aparecen más
claramente aportes de jazz en "A quienes sino". No ocultan
en nada la devoción por Piazzola en "Pinta tu aldea" tema en
el que toman más de un par de notas del renovador del tango.
En "La caza del mosquito" alcanzan un alto nivel
interpretativo con los pianos y vientos de Moretto y el bajo
sin trastes de Aznar. En la misma línea, aunque con un
sonido algo más intimista está "Silencio de aguas profundas"
donde junto al piano se destaca el aporte de guitarra
acústica. En este álbum puede decirse que Alas adquiere
personalidad propia, ya no está tan visible la influencia de
EL&P. Moretto ha dejado de cantar, convirtiéndose la banda
en puramente instrumental. Si bien el primer álbum es una
buena opción para introducirse, considero a éste la obra más
trascendente de Alas.
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Almendra
Almendra (1969)
Este álbum ha sido considerado ha través de los años como el
mejor disco de rock producido en Argentina. Si tenemos en
cuenta que es también uno de los primeros discos del
movimiento, este concepto no hablaría nada bien del rock
argentino, si no fuera porque es muy poco frecuente
encontrarse con tanta belleza en un disco. Quienes busquen
rock progresivo encontrarán poco interesante esta música.
Quienes se dejen llevar por las buenas melodías la
disfrutarán ampliamente, si están dispuestos a contemporizar
la poesía inocente que contiene. "Muchacha (ojos de papel)"
es probablemente junto con "La Balsa" de Los gatos una de
las canciones más populares del género en la Argentina.
"Figuración", "Fermín" ó "Plegaria para un niño dormido" no
le van en saga y son para mi gusto tan buenas ó mejores
canciones. Es de notarse ya el algunos temas, como por
ejemplo "Plegaria..." la peculiar acentuación de Spinetta,
poniendo el énfasis en la última sílaba. La composición de
Edelmiro Molinari "Color Humano" y "Ana no duerme" son los
momentos en el que el disco se libera permitiéndose expresar
mayor intensidad. Quien quiera comprender el rock argentino
debe escuchar este álbum. La edición en CD, "Cronología I"
contiene los primeros singles y los temas que faltan del
álbum doble en "Cronología II".
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Almendra
Almendra II (1970)
Almendra venía anunciando la realización de una ópera rock,
sin embargo esta obra no vio la luz y en su lugar producen
este excelente aunque heterogéneo álbum en el que las
diferentes personalidades de sus integrantes producen obras
que permiten vislumbrar cual será el destino musical del
desmembramiento de esta banda seminal del rock argentino.
Edelmiro Molinari ha crecido como compositor y en temas como
"Mestizo" ó "No tengo idea" aparecen muestras de lo que será
su banda Color Humano. Analógicamente "Camino difícil" ó el
instrumental "Carmen" nos muestra cuál será el aporte de
Emilio del Guercio a su fabulosa banda Aquelarre. Sin
embargo puede decirse que Luis Alberto Spinetta continúa
siendo el alma creadora capaz de producir canciones de una
belleza inusual como "Para Ir", "Parvas". Sin la belleza
pueril del primer álbum, con la incorporación de prolongados
pasajes instrumentales (Agnus Dei dura más de 14 minutos),
más inclinado hacia el rock, el segundo disco de Almendra es
otro imprescindible. La edición en CD conocida como
"Cronología II", lamentablemente recorta la obra, pasando a
figurar los temas en el CD "Cronología I".
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Alma y Vida
Alma y Vida (1971)
Alma y Vida surge de la reunión de un grupo de músicos
orientados al jazz que frecuentaban la mítica Cueva de
Passarotus con el ex miembro de la banda beat The Seasons,
Carlos Mellino. Se comenta que en sus origenes eran la banda
acompañante de un conocido músico. Graban un simple, cuyo
tema "Niño de Color Cariño" puede escucharse en la
recopilación "Pidamos Peras a Mandioca. Como curiosidad
puede comentarse que en este registro participa en trompeta
Mario Salvador, quien pronto se retira de la banda, pero
vuelve a ocupar el puesto en la reunión del grupo 30 años
después. Inmediatamente ingresa a la banda Gustavo Moretto y
registran el primer álbum titulado simplemente "Alma y
Vida", en donde se observan las influencias de bandas como
Chicago y Blood, Sweat & Tears. La sección de vientos tiene
un rol preponderante junto a la particular y poderosa voz de
Mellino, quien canta en casi todos los temas. Moretto lo
hace solo en su tema "La Morada", tema que incluye un
atractivo arreglo barroco protagonizado por los vientos. De
este disco salen hits como "Mujer, gracias por tu
llanto"(tema en que Ricardo Lew figura como co-autor) y "La
Gran Sociedad", sin embargo hay temas muy atractivos como el
intenso "Veinte Monedas" (Con en actor Esteban Mellino,
hermano de Carlos como autor de la letra) o el
lamentablemente breve jam de "Y…Esto…?".Las letras alternan
temáticas amorosas con otras de neto compromiso social y
político, elementos que serán característicos en las líricas
del grupo.
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Alma y Vida
Alma y Vida Vol.2 (1972)
Algunas actitudes de la banda, particularmente el
presentarse en ámbitos no aceptados por parte del público y
particularmente por la prensa sectaria, hacen que la banda
sea discriminada y caratulada como "complaciente". En
contraposición a esta supuesta "deserción" la banda hace
temas como "Hoy Te Queremos Cantar" escrito por Gustavo
Moretto que la gente inmediatamente asocia con la figura del
Che Guevara. En el resto de las letras se aprecian
referencias contestatarias en forme reiterada. Esteban
Mellino es nuevamente autor de letras como la de "Don
Quijote de Barba y Gabán" y "Un Sonido Final". Incorporan
arreglos más interesantes, los temas se prolongan dedicando
más espacio a lo instrumental, se aprecia más el interesante
trabajo de Barrueco en la guitarra eléctrica y hay más
exposición de los teclados. Un paso adelante en el
desarrollo musical del grupo.
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Alma y Vida
Del Gemido de un Gorrión (1973)
El tercer disco es el único que lleva como título un nombre
y no una sigla. El camino que se vislumbra en el Vol II
parece querer reanudarse en este disco. Se incluyen arreglos
más arriesgados, como el inusitado pasaje casi experimental
que rompe el clima de balada de "Bussi a las 3 y Media",
temas más roqueros como "Carna, Rock y Suficiente" con una
atractiva participación de la guitarra eléctrica de Barrueco
(al igual que en en final de "Vos te Equivocaste Amigo") y
alcanzan su mayor compromiso sociopolítico en cuanto a
letras en "Es la Hora". Claro que la hermosa canción que
presta titulo al álbum es de las más recordadas por los
seguidores de la banda. En lo personal me gusta el álbum
aunque creo que estos músicos daban para más en ese momento.
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Alma y Vida
Alma y Vida Vol. 4 (1974)
Un rotundo cambio en la banda. Evidentemente ellos son los
primeros en considerarlo según las notas internas de la tapa
del vinilo en la que se habla de matar un avieja etapa y
renacer. Las dudas que generaba el anterior disco quedan
disipadas. El álbum abre con el impresionante "Sin
Rendición, El Jugador" compuesto por Baraj-Barrueco con un
excelente solo de saxo de Bernardo Baraj acompañado por una
machacona guitarra rítmica que ocupa buena parte de los casi
9 minutos del tema. "Cadenet" es una de las más recordadas
baladas de la banda, nuevamente con letra de Esteban Mellino
y muy apropiado arreglo de teclados. "Fábula del Super Ratón
y el Pueblo" un tema con humor y compromiso dentro de un
esquema habitual del grupo, "Ajedrez" categorizado como
vals, agradable aunque poco arriesgado. Los más de 10
minutos del tema de Moretto "Alguien se Va" son responsables
de gran parte de las virtudes del disco. Intenso, cambiante,
con un germen de lo que haría en Alas en algunos de los
pasajes; sin duda uno de los temas más logrados en el
historial de Alma y Vida. El cierre pertenece a otro de los
más recordado temas, el excelente "Salven a Sebastián". En
mi personal opinión el mejor trabajo de este grupo.
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Alma y Vida
Alma y Vida Vol. 5 (1976)
Moretto se va del grupo para trabajan en otro proyecto que
lo tendrá en un rol más protagónico: Alas. Se incorpora en
su lugar Osvaldo Lacunza para ocuparse de los vientos,
quedando los teclados solo en manos de Mellino. La ausencia
de Moretto se hace sentir y el álbum se siente como una
regresión si se lo compara con el anterior. Sin embargo
tiene algunos buenos temas como el instrumental "Ritmo Loco
Baraj" un intenso jam, y "Mercado del Reptil" un rock con
riffs y los clásicos arreglos de vientos. Mellino decide
partir para una carrera solista y la banda se desarma.
No existen reediciones en CD de los discos originales de
Alma y Vida. Solo puede encontrarse en este formato una
edición recopilatoria llamada Cronología.
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Arco Iris
Arco Iris (1970)
Inmerso en la férrea disciplina que se imponía en la
comunidad orientada por Dana, Santaolalla compone el
material del primer disco. Arco Iris todavía esta lejos de
sus mejores álbumes, sin embargo se vislumbran los elementos
que posteriormente desarrollarán: blues, rock, jazz, con
canciones pop y un recurrente aire pastoral. Incluso se
vislumbran ya algunos aires folclóricos. Todavía sin
Gianello, con la colaboración de Alberto Cascino en la
batería, los habituales integrantes de Arco Iris utilizan
flautas, saxos, cellos y diversos instrumentos de percusión
no habituales en ese momento en el rock argentino. El tango
que ya estaba presente en el primer álbum de Almendra
aparece aquí con una nueva modalidad. Arco Iris son los
primeros en citra a Piazzola en "Quiero Llegar". Gran parte
del material compuesto queda fuera del álbum pero aparecería
años más tarde en las recopilaciones. Aparece ya en la
portada el símbolo que identifica a Arco Iris, la llave de
Dana. La reedición en CD contiene los primeros singles de la
banda (Cronología I). Para completistas del rock progresivo
argentino.
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Arco Iris
Tiempo De Resurrección (1971)
Durante un tiempo el baterista es Tito Otero, con el que
graban el simple Es Nuestra la Libertad / Zamba, con el que
comienzan a codearse abiertamente con el folclore. Otros dos
bateristas duran poco tiempo en la agrupación hasta que
Horacio "Droopy" Gianello toma el lugar en forma estable. Al
terminar su contrato con RCA firman con Music Hall y graban
el simple Mañana Campestre / Soy un Pedazo de Sol con el que
logran un relevante éxito. Ara Tokatlian comienza a trabajar
con el saxo, luego de prácticas exhaustivas, también es Ara
el que en forma incipiente comienza a encargarse de los
teclados. Graban el álbum en dos pistas en los estudios
Netto Hay un notable progreso en la banda que logra plasmar
con efectividad sus ideas. El folclore es ahora una parte
sustancial de la obra musical de Arco Iris y cobran
importancia los temas acústicos que se combinan y equilibra
con los costados más eléctricos orientados al rock elaborado
y a la fusión. Dana participa como cantante. Aún no
protagonizan la escena los intrumentos regionales. Entre los
agradecimientos figura un musico poco conocido en ese
momento: León Gieco. Arco Iris comienza a hacer
presentaciones como grupo principal y participan del BARock
en el Velódromo Municipal.
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Arco Iris
Suite Nº1 (1971)
Cuando Arco Iris firma con Music Hall, el sello al que
pertenecian anteriormente (RCA), decide lanzar un LP con
material anteriormente no conocido que pertenecía a las
sesiones de grabación del primer álbum "Arco Iris" y un par
de versiones en inglés de temas anteriormente conocidos.
Estos temas habían sido grabados posteriormente al registro
del primer álbum con motivo de un viaje de Santaolalla a
EEUU durante el cuál trataría de establecer contactos allí.
Realizado de esta manera se trata evidentemente de un álbum
desparejo, inferior a lo que podía brindar esta banda en el
momento que fué publicado. Sin embargo cuenta con el
atractivo de largas sesiones instrumentales que lo hace
apetecible para completistas. Sin embargo Santaolalla
calificó de inescrupulosa la actitud del sello al publicar
estos temas, particularmente por el hecho de ser en parte
cantado en inglés
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Arco Iris
Sudamérica o El Regreso a La Aurora (1972)
Excelente álbum doble desarrollado en el formato denominado
"opera rock". El folclore se integra, pero no a la manera de
Los Jaivas, quienes parecen tomarlo como punto de partida,
sino que es aquí un ingrediente más junto al rock y al jazz.
Se distinguen también algunos giros psicodélicos y ciertos
guiños a otras operas rock. Dentro del crecimiento musical
cobran importancia tanto las profundizaciones del
conocimiento de la música autóctona como las influencias de
los trabajos de bandas progresivas y de fusión, entre las
que Santaolalla cita a Weather Report. El trabajo
instrumental es de muy buena factura, Santaolalla con una
guitarra eléctrica decididamente ácida en muchos momentos
que se impone como un sello personal, Tokatlián ocupándose
no solamente de los vientos sino también ya en forma más
extendida de los teclados. La base muy sólida con Bordarampé
en el bajo y Horacio Gianello en batería adaptándose
perfectamente a todos los estilos que desfilan al o largo de
la obra. Los instrumentos propios de folclore adquieren un
rol enriquecedor. La edición original venía con una lujosa
caja, con letras y el argumento de una obra con contenido
telúrico, místico y cósmico. Una de las producciones más
relevantes durante los 70s en el rock argentino y
seguramente junto a Agitor Lucens V, los puntos culminantes
de Arco Iris durante la etapa en que Santaolalla revistió en
sus filas. En las presentaciones cobra gran importancia el
componente audiovisual con imágenes de diapositivas
trabajadas junto al especialista Eduardo Debrien.
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Arco Iris
Inti Raymi (1973)
Inti Raymi tiene un contenido musical de excelente factura,
pero uno tiene la sensación de estar escuchando la
continuación de Sudamérica. Probablemente sean temas que
quedaron fuera del anterior álbum. Según comenta Santaolalla
en un extenso reportaje aparecido en la revista Expreso
Imaginario en 1978, ellos lo consideraban una especie de
continuación de la ópera Sudamérica. Por lo tanto todo lo
que pueda decirse de aquél disco encaja en la descripción de
éste. Decepciona un poco la repetición de ritmos y estilos
empleados aunque quienes disfrutaron con la ópera rock
Sudamérica también pasamos buenos momentos con esta suerte
de secuela. Nuevamente la estética de la cubierta, con
motivos autóctonos es de excelente calidad, al menos en su
edición original de tapa doble.
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Arco Iris
Agitor Lucens V (1974)
Otra obra fundamental de esta magnífica banda y la última
con la formación clásica de Tokatlian, Santaolalla,
Bordarampé y Gianello. Nuevamente un doble vinilo
(increiblemente no reeditado en CD). Con menor, aunque no
ausente contenido folklórico, igualmente nos deleitan con
esas zambas y malambos eléctricos que saben hacer. No dejan
de utilizar instrumentos regionales aunque el protagonismo
de los vientos y teclados en manos de Tokatlían y la
personal guitarra de Santaolalla es predominante. Impecable
como siempre en trabajo de Gianello en la batería apoyado
por los otros miembros en la percusión. Abordan la temática
de los extraterrestres y es interesante comentar que,
mientras buscaban material para la obra, surge del encuentro
con Fabio Serpa, un ex actor devenido en investigadorde
fenómenos sobrenaturales, la realización de la musica para
un audiovisual llamado "El Cosmos y el quinto Hombre". Este
material se conserva grabado y nunca ha sido publicado. Para
las presentaciones entablan relación con Oscar Araiz, que
participará con su ballet e incluso representará la obra en
París. Luego de este álbum Santaolalla y Gianello se separan
de la banda, fundamentamente por diferencias en el enfoque
filosófico de la comunidad. Un par de años después editarán
junto a otros músicos el álbum de Soluna "Energía Natural".
Arco Iris continúa con Ara, Bordarampé y otros musicos.
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Arco Iris
Los Elementales (1977)
Al alejarse Gianello y fundamentalmente Santaolalla,
principal compositor, muchos pensaron que la carrera de Arco
Iris estaba terminada. Luego de un prolongado lapso sale en
1976 un simple que contiene dos temas ( Sin Contratiempos /
Los del casco de Oro), en cuya portada no aparece el nombre
"Arco Iris" que marcan una transición entre la era de
Santaolalla y los tiempos por venir. Ara Tokatlian es ahora
el único lider musical de la agrupación y ocupa un papel
fundamental no solo en los vientos sino también en los
teclados (piano y sintetizadores), en los que ha venido
desarrollando un muy buen trabajo. es además el principal
cantante. Las composiciones ahora se despojan del gran
bagaje folklórico que poseían y se enmarcan el el área de la
fusión jazz rock, aunque conservando aires autóctonos. Las
nuevas adquisiciones de la banda Ignacio Elisavestzky en
guitarras y José Luis Pérez en batería y percusiones
despliegan un trabajo elogiable que termina de conformar un
álbum excelente, con el cual Arco Iris cierra su actividad
discográfica durante los 70s.
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Aquelarre
Aquelarre (1971)
El álbum abre con “Canto”, un tema con riffs de guitarra
distorsionada en contrapunto con los teclados, órgano, piano
y clavinet que caracterizarán el sonido del grupo. Sigue con
“Yo seré animal, vos serás mi dueño”, donde se adelantan en
su concepto a trasnochados filósofos de los noventa, pero
con la visión de la convulsionada época dicen: Vayan a
luchar / La historia se murió / Mamá no quiere dar a luz un
niño / porque dice que / con sus manos va / a salir a matar
por las calles. Aventura en el árbol es un blues progresivo
con guitarras a lo Kraut o mejor a lo Hendrix y órgano. El
lado 2 abre con “Jugador, campos para luchar”, una bella
melodía de teclados que se rompe con el duro riff de
guitarra. Del Guercio canta recordándonos mucho a Luis
Alberto Spinetta, su compañero de Almendra, pero ¿quién
influenció al otro?. Sigue “Cantemos tu nombre”, una melodía
folk con guitarra acústica y la inquietante voz de Gonzalez
Neira. Intenso final con “Movimiento” con los infalibles
teclados y el infaltable riff.
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Aquelarre
Candiles (1972)
Un año después sacan el segundo álbum llamado “Candiles” El
disco es algo menos “progresivo” que el primero. Cruzando la
calle es un rhythm and blues con instrumentación de
teclados, con solo algunos pasajes que recuerdan el rock
sinfónico, cantan: Cruzando la calle,/ cruzando la puerta
del corral / tu hermano se muere / mi hermano no puede
esperar / la muerte te ronda/ la muerte nos quiere ganar. En
“Soplo nuestro” cuentan una historia de protagonista
femenina, temática también recurrente en Aquelarre. En
hermana vereda incluyen una improvisación de sonido poco
habitual en el grupo y “Cuentos tristes” es una canción no
demasiado trascendente. El lado 2 abre con el poderoso
“Miren a este imbécil”, delicado inicio de órgano y voz que
se rompe, cuando no, por un riff de guitarras: Miren a este
imbécil,/ como se justifica./ El miedo que me tiene / Mata
hermanos en la casa / donde debe vivir. “Patos
trastornados”es un poderosísimo instrumental. Cierre con
“Iluminen la Tierra”, muy hermosa canción con la voz de
Neira.
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Aquelarre
Brumas (1974)
En 1974 aparece la tercera obra del grupo llamada “Brumas”.
La banda se había afianzado mucho debido a la enorme
cantidad de recitales dada por el país. El nivel de este
disco se diferencia de los otros. La música de Aquelarre ha
adquirido un nivel de refinamiento del que pocos grupos
pueden hacer gala, sin dejar de sonar poderosa,
fundamentalmente gracias a la guitarra de Starc. Las letras
continúan siendo comprometidas, aunque ahora envueltas en
una atmósfera surrealista. Dice Emilio del Guercio: “La
Poesía es real a partir de si misma, no a partir de su
traducción”. Desfilan temas más complejos, incorporan ritmos
latinos. Pocos temas en la historia del rock suenan tan
sinfónicos como “Brumas en la bruma”. Pocas veces suenan tan
poderosos como en “Milagro de Pueblo”. Cantan en “Aves
Rapaces”: Gente del valle que se va / buscando el fruto que
les da la paz / Cercana la cordillera / la fiebre se
despereza./ Las aves rapaces nacerán / de la noche. Es obvia
la alusión la dictadura de Pinochet.
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Aquelarre
Siesta (1975)
En 1975 sale el último disco de Aquelarre llamado “Siesta”.
Disco bellamente instrumentado, más reposado que los
anteriores. Abren con el clásico “Pájaro de la Locura” y
pasan una serie de temas de calidad constante. En “Canto
cetrino” aparece otra vez la protagonista femenina: Para que
preparas tu sonrisa de medianoche / nena que caminas a estas
horas por la vereda./ Cuantos sentimientos ateridos / por
ese miedo./ Si en tu cuerpo encuentran algo hermoso / por
esta noche./ Y en el reflejo de sus ojos creíste que estabas
viva. Luego de este álbum la música de Aquelarre estaba
consolidada y se habían ganado un lugar de prestigio en el
panorama argentino. Como otros grupos de su época dieron
gran importancia a la poesía, en este caso acompañada de una
base musical progresiva. Fueron a España y durante 2 años
giraron por Barcelona, Ibiza y Madrid. Fueron teloneros de
Soft Machine y de la Premiata Fornería Marconi sin embargo
no llegaron a grabar salvo la aparición en un compilado. A
fin de 1977 con Carlos Cutaia en lugar de González Neira se
despidieron del público con un recital en Buenos Aires.
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Aucán
Aucan (1977)
El dúo Miguel y Eugenio debutó en 1973 en el Acusticazo y
llegan a editar un LP de música acústica en el sello Trova.
Años después integran a sus hermanos menores y forman Aucán.
Esta formación produce este primer disco con incursiones
folklóricas y baladas, predominantemente en una corriente
acústica con interesantes aportes eléctricos. Hermosas
melodías, con delicadas instrumentaciones, buenos trabajos
de teclados generalmente como colchones pero a veces
liderando a la banda y algunos pasajes con guitarra
eléctrica de sonido elegante. Hay que destacar los aportes
del cello de Pablo Pérez, que al juntarse con los teclados
producen ciertos acercamientos a una línea sinfónica. Hay
participaciones de Gustavo Moretto y del grupo vocal Buenos
Aires 8. Como es de esperarse se destaca el trabajo vocal.
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Aucán
Brotes Del Alba (1980)
Tres años más tarde, con Guillermo Frachetti reemplazando a
a Miguel Pérez (uno de los dos miembros del dúo acústico
Miguel y Eugenio), Aucán saca su segundo y último trabajo,
producido por León Gieco, quien había acompañado al grupo en
diversas presentaciones en vivo actuando como cantante en
algunos temas. La línea del disco es similar a la del
primero. Canciones suaves, ritmos folklóricos y combinación
de ritmos e instrumentos folclóricos con rock de corte
sinfónico. Las letras cuidadas y los buenos vocales son una
constante en el grupo. Probablemente algo más volcado al
sonido sinfónico que el anterior me parece un poco menos
inspirado aunque también muy aceptable.
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Ave Rock
Ave Rock (1975)
En gran parte de este álbum Ave Rock intenta lograr un
sonido sinfónico a partir del blues y el rock. Los
resultados son parcialmente satisfactorios, teniendo los
mejores momentos cuando se alejan de estos ritmos. Es en
estos pasajes donde se notan algunas influencias de bandas
como Yes. Si bien son fundamentalmente instrumentales, las
voces parecen más bien corresponder a un grupo de hard rock
que a uno progresivo. Buenos contrapuntos de teclados y
guitarra. Se adelantaron a Espíritu y a Crucis en hacer un
rock progresvo de corte más europeo, pero tuvieron menos
éxito que ellos.
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Ave Rock
Espacios (1977)
Segundo y último disco de Ave Rock. Instrumentación más
refinada y con un sonido aún más europeo. Solo tres temas,
el primero, "Pausa en Espacios" ocupaba todo el lado 1 del
LP original, presentando cambios rítmicos, prolongados
tramos instrumentales, uno sonido casi pop en las partes
cantadas y hasta algo de experimentación. "4:30 en el
Universo" continúa en la misma vertiente, pero es un tema
demasiado corto para lo que quisieron mostrar y como en el
tema final "Surcos en el Aire" lo más flojo son las voces.
Un álbum con momentos muy buenos y otros aceptables. Se les
puede atribuir demasiada cercanía con el sonido de Yes,
aunque no se los puede tildar imitadores
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La Banda del
Paraiso
La Banda del Paraiso (1973)
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Los Barrocos
Sin Tiempo ni Espacio (1974)
Banda formada alrededor del año 70 y que durando hasta el
75, lamentablemente produce solo este muy buen álbum. Fuera
de la Argentina se los ha comparado en ocasiones con Curved
Air, sin embargo tal semejanza solo reside en que ambas
bandas hacen un uso intensivo del violín, orientado hacia un
sonido clásico, dándole a Los Barrocos, particularmente en
los temas más melódicos ciertos puntos de contacto con los
británicos. Sin embargo la música de esta banda en la mayor
parte de la obra es de un sonido típicamente argentino, con
gran despliegue de guitarras y abundancia de riffs. Son
particularmente sabrosos los pasajes en que las dos
guitarras juguetean entre sí y con el violín. Durante los
últimos tiempos de existencia de la banda fueron un trío sin
violín. Lamentablemente no hay reedición en CD.
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Bubu
Anabelas (1978)
Rock progresivo sinfónico de primera categoría.
Muy recomendable.
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Búsqueda
Búsqueda (1978)
Único trabajo de esta banda integrada por Jorge Fernández
Molina en guitarra, teclados y voz, Alfredo Muñoz en en bajo
y voz, Daniel Carrizo en batería y Tommy Loidi en guitarra y
voz. Las comentarios periodísticos de la época se dedicaban
a destacar lo poco imaginativo de la tapa en lugar de
destacar la belleza melódica del álbum. Hay quien ha
comparado a la banda con los italianos Celeste por las
tranquilas melodías y el trabajo de teclados, pero
honestamente no encuentro demasiado asidero a estos
comentarios. Los temas están erigidos alrededor de
agradables baladas, cantadas con voz suave e intimista
acompañada de una recurrente guitarra acústica con muy
buenos aportes de teclados (pianos, órgano y melotrón y
sintetizador) y delicadas guitarras eléctricas. Un disco que
encuentro recomendable para los amantes del rock progresivo
sinfónico sin estruendos.
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Carola
Damas Negras (1973)
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Caballo Vapor
Cavallo Vapor (1972)
Conformado por Juan C. Torres en guitarra, José A. Torres en
batería, Luis Corzo en bajo, una sección de vientos
integrada por Fracisco Nisivoccia, Eduardo Kohan y Aldo
Montilla. En el rol de cantante participa Antonio J.
Sánchez, luego más conocido como Johnny Allon, cantante
complaciente, conductor de televisión y empresario
relacionado a vertientes musicales de misérrimo pelaje. El
álbum, si bien es muy apreciado por los coleccionistas
contiene 9 temas poco atractivos, entre ellos una
insustancial versión de “La Balsa” de Los Gatos (hay que
aclarar que sobre el final del tema hay un pedido de
disculpas por el atrevimiento). Se trata en general de temas
de rock and roll adornados con muy poco imaginativos
arreglos de vientos. No existe reedición en CD. No
recomendable.
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Miguel Cantilo y
Grupo Sur
Miguel Cantilo y Grupo Sur (1975)
Miguel Cantilo se traslada al sur de la Argentina, más
exactamente a El Bolsón, para continuar la experiencia
comunitaria iniciada en la casa de la calle Conesa de Buenos
Aires. La experiencia desarrollada en este periodo está
relatada en el libro ¡Chau Loco! (ver sección
publicaciones). Junto a uno de sus compañeros, Kubero Díaz
(La Cofradía de la Flor Solar, La Pesada), escribe la mayor
parte de los temas que conformarán el álbum. Sin embargo
Kubero no será de la partida a la hora de grabarlo durante
1973. Lo reemplaza en la guitarra Willy Pedemonte (Piel del
Pueblo) quien realiza un intenso y encantador trabajo. Junto
aellos participan Jorge Pinchevsky en violín, Alejandro
Marassi en bajo y Diego Villanueva en batería. Si bien no
faltan los temas de corte folk, en este caso inmersos en una
atmósfera psicodélica, en contra de lo que podría pensarse,
la atmósfera rural, parece haber electrificado los conceptos
musicales de Cantilo, quien ha comentado que estaba muy
atraído por el sonido de bandas como Led Zeppelín, y
presenta temas como “Sur Alabanzas” o “La Leyenda del
Retorno”. En este último hay una evidente y muy comentada
alusión al regreso del líder justicialista Juan Domingo
Perón. La voz de Miguel se encumbra a alturas desgarrantes,
la guitarra de Pedemonte es deslumbrante y las apariciones
de Pinchevsky son de las más interesantes de este periodo.
No conozco edición en CD, de este altamente recomendable
disco.
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Color Humano
Color Humano (1972)
Luego de la separación de Almendra sus miembros toman
diferentes caminos que culminarán en la aparición de tres
nuevas bandas: Pescado Rabioso con L.A. Spinetta, Aquelarre
con Rodolfo García y Emilio del Guercio y Color Humano
(nombre de uno de los temas del primer álbum de Almendra)
con Edelmiro Molinari. Sin embargo la historia no fue tan
sencilla. En principio Edelmiro y Spinetta se unieron a
Carlos Cutaia en teclados y Pomo Lorenzo en batería para
formar una banda, Cutaia se retira y se conforma el trío
Tóraz, pronto también se va Spinetta. Entonces Edelmiro
intenta formar una banda llamada Pistola junto a otros dos
guitarristas: Pappo y Claudio Gabis. Esta y otro grupo
llamado Viento no prosperan y finalmente Color Humano ve la
luz. El estilo de la banda puede adivinarse a través de las
composiciones de Molinari en Almendra (por ejemplo
"Mestizo"). Rock y blues elaborados con letras surrealistas,
si bien lejanas al nivel de las de Spinetta, no por eso poco
interesantes. Se notan influencias de Jimmy Hendrix, pero
sin embargo desarrollan un estilo personal y fascinante con
frecuentes cambios rítmicos y climas oníricos. Todo el disco
tiene un excelente nivel y está protagonizado por la
guitarra y la voz de Molinari. "Padre sol, madre sal", un
tema acústico cuenta con la participación en voz de
Gabriela, esposa de Edelmiro. En el intenso "Introducción
polenta" Rafanelli toca además el órgano. En la pelicula
"Rock hasta que se ponga el sol" grabada durante el B.A.
Rock III Se puede ver a la banda tonando "Larga vida al sol"
con Moro en batería en lugar de Lebón. La tapa del CD que se
ve aquí no es la misma que la del vinilo, en la cual figura
el nombre de la banda con fotografías montadas en las
letras.
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Color Humano
Color Humano 2 (1973)
Pensado originariamente como un doble álbum fue editado
originariamente en forma separada durante 1973. La reedición
en CD presenta la intención original de la banda. Moro en la
batería ofrece un aporte de mayor calidad técnica. Rafanelli
y Molinari suenan más sueltos. El album, a pesar del
progreso del grupo en lo instrumental carece de temas de la
calidad del anterior. Estos son menos emocionales y
presentan menor variación rítmica.
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Color Humano
Color Humano 3 (1973)
Segunda parte del album doble. Este segundo disco reúne
maravillosos temas junto a la mejor ejecución de la banda,
"Hombre de las cumbres", "Hace casi 2000 años", "Cosas
Rústicas" están llenos energía y a la vez no carecen de
sutileza. Este último tema es el que aparece en la apertura
de "Rock hasta que se ponga el sol" con el nombre de "Coto
de caza". Una excelente obra para finalizar la historia de
esta banda.
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Contraluz
Americanos (1973)
Única producción durante los setenta de una banda que
mereció más suerte debido a sus intenciones musicales y sin
embargo quedó relegada a la categoría de grupo de culto. En
la música de Contraluz se aprecian contenidos folklóricos e
incluso tangueros pero no como ornamentaciones musicales o
debido a la incorporación de instrumentos típicos, sino como
evidencia de su formación cultural que inevitablemente
aparece en las composiciones. Caracteriza a la música de
Contraluz una poderosa base en manos del bajista Diego
Prochnik y del dúctil baterista Néstor Barrio, un
guitarrista, Carlos Barrio que puede ser sutil en unos
pasajes y enérgico en otros, el reiterado protagonismo de la
flauta transversa, ejecutada por Alejandro Barsi que hizo
que la banda tuviera que soportar el mote de imitadores de
Jethro Tull, calificación injusta, no porque en algunos
momentos no se asemejen a la banda británica sino porque
cercena la amplitud musical de un grupo que ya en ese
momento tenía personalidad propia y que daba evidentes
muestras de estar en la búsqueda de una madurez que no
pudimos apreciar por ver truncada su evolución. La voz de
Alvaro Cañada llega a extremos que con un estilo diferente
son explorados por ejemplo por cantantes como Francesco Di
Giacomo de Banco. Escuchar el álbum nuevamente después de 25
años me produjo una profunda emoción que probablemente me
reste objetividad, pero no creo equivocarme al decir que
temas como "Indios sin Prisión", "Sin Trabajo" o "La Sarna
del Viento" están entre los mejores que se han producido en
Argentina. Ya desde los títulos se aprecia el compromiso de
sus letras. Contraluz recientemente se ha reunido y editado
un nuevo álbum llamado "El Pasaje". Es de esperarse que esto
motive la reedición en CD de esta obra.
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Crucis
Crucis (1975)
Después de varias amagos el rock sinfónico comienza a tomar
forma en la Argentina y comienzan a aparecer en escena
grupos como Crucis, una formación con músicos dotados de
alto virtuosismo (Marrone y Kerpel), un bajista y cantante
que le aporta la fuerza y la melodía necesarias para llegar
al gran público (Montesano) y un baterista explosivo con
fuertes influencias de los músicos de jazzrock (el uruguayo
Farrugia).
El disco debut consta de siete temas muy parejos en los que
el grupo despliega todo su potencial pero sin dejar de
entrever aún dónde estará su techo.
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Crucis
Los Delirios del Mariscal (1976)
La segunda entrega de Crucis desnuda ciertas influencias
demasiado importantes como para considerarlo un disco fresco
y original como su antecesor.
La placa abre con "No me separen de mí", un tema de corte un
tanto más emparentado con la producción anterior. "Los
delirios del mariscal es una larga suite de más de 10
minutos que navega empalagosamente por el remanido sonido de
Camel y se desenvuelve entre largas improvisaciones sin
proyección hacia ninguna parte. "Pollo frito" es otra pieza
con profusas improvisaciones pero aquí la banda se sumerge
en ritmos y texturas de jazzrock que a fuerza de vértigo y
justeza se hace muy entretenida. "Abismo terrenal" cierra
con el mismo sesgo jazzrockero y algunos pasajes spacey pero
cae nuevamente en las figuras repetidas de las larguísimas
zapadas perdiendo totalmente el encanto con los anodinos
solos de bajo y batería.
Es posible que el disco haya visto la luz de manera temprana
ya que sin dejar de ser una pieza importantísima en la
discografía local del género, con un poco más de producción
podría llegar a haber sido una obra maestra.
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Cuero
Tiempo Después (1973)
Nacho Smilari, quien había participado de La Barra de
Chocolate, Vox Dei sin llegar a grabar al salir Yodi Godoy,
y que luego integrara Piel de Pueblo junto a Pajarito
Zaguri, encara un proyecto más personal. Para esto cuenta en
la batería con su ex compañero de Piel de Pueblo Carlos
Calabró y un ex La Joven Guardia Enrique Masllorens. Estos
músicos le ofrecen a Smilari una base más que contundente
para que pueda desarrollar un rock duro y algo de blues de
netas proporciones psicodélicas. Las voces enrarecidas dejan
amplios tramos libre para disfrutar del manejo instrumental.
El trabajo de la guitarra es alucinante, exhibiendo toda la
gama de recursos de Smilari. Masllorens se encarga de llenar
todos los espacios que puedan quedar libres poniendo el bajo
bien al frente. Un disco absolutamente recomendable para
quienes gocen de las vertientes duras del rock argentino. La
banda se separa luego de este álbum debido a un viaje de
Smilari a USA.
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Cuero
Crecimiento (1974)
Durante su viaje Smilari se entusiasma con la música de
fusión y a su regreso reforma la banda, esta vez con otros
integrantes. Bernardo Baraj de Alma y Vida en vientos,
Adalberto Cevasco en el bajo, Raúl Parentella en teclados,
Joe Coco en percusión y el ex Los In, Osvaldo López en
batería. La música también presenta un enorme cambio, si
bien conserva la fuerza y cierta atmósfera psicodélica, se
sumerge en la fusión afrolatina con alguna semejanza a
Santana pero más inclinada hacia el jazz con extensos
pasajes instrumentales. Nuevamente la labor de Smilari es
sobresaliente pero deja suficiente espacio para los aportes
de los vientos y el lucimiento de la sección rítmica (el
bajo de Cevasco suena maravillosamente). En un estilo
totalmente diferente encuentro este segundo y último disco
de Cuero tan recomendable como el primero. No conozco de la
existencia de reediciones.
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Kubero Díaz
Kubero Díaz y La Pesada (1973)
El ex guitarrista de La Cofradía de la Flor Solar realiza su
correspondiente álbum solista con los miembros de La Pesada,
de la misma forma que lo hicieran, el violinista Pinchevsky,
el bajista Medina y el guitarrista Claudio Gabis. Acompañado
por estos miembros y por Isa Portugheis en batería y Miguel
Cantilo en voz realiza un disco con temas que por momentos
recuerdan a la obra de La Cofradía, pero en general más
orientado a un rock más poderoso, matizado con un par de
tonadas orientadas al folk. Díaz produce un catálogo de
impresionantes sonidos con su guitarra y el trabajo de
Pinchevsky alcanza el mejor nivel en temas como el
espectacular "Algo esta por Suceder" ó el instrumental
"Colgado de la nubes". Un disco recomendable.
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Ensamble Musical de
Buenos Aires
La Biblia (1971)
De las varias versiones de La Biblia de Vox Dei que se han
realizado, esta es probablemente la menos digna. Para la
realización de este álbum se reúnen una serie de músicos que
giran alrededor de Billy Bond y Jorge Alvarez. Se acompañan
por una orquesta dirigida por Pedro Ignacio Calderón con
arreglos de Gustavo Beytelman. El resultado no podía ser mas
desalentador. La orquestación, nunca bien amalgamada con el
resto de los músicos suena muy lejos de las experiencias
desarrolladas por bandas italianas en los primeros 70s (Il
Rovescio della Medaglia, New Trolls). Tal vez la referencia
más concreta sean los trabajos de John Lord con Deep Purple
a fines de los 60s, aunque los resultados distan enormemente
de los del grupo inglés. Participan miembros de La Pesada,
Sui Generis, Espíritu y otros. Los miembros de Vox Dei ni
siquiera fueron invitados a participar, Mi sugerencia es que
lo dejen pasar.
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Espíritu
Crisálida (1975)
Excelente disco debut de uno de los grupos pioneros del rock
sinfónico, abarcando texturas, ritmos y combinaciones
sonoras directamente emparentadas con las logradas por los
supergrupos europeos.
Con un estilo muy cercano a Yes, el grupo se constituye como
referente del sinfonismo local y abre el fuego apostando
fuerte con un rock progresivo cargado de melodías y arreglos
de buen gusto.
A lo largo de ocho temas, Espíritu desarrolla una verdadera
obra conceptual anuncia y sintetiza en "La casa de la mente"
el contenido del disco.
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Espíritu
Libre y Natural (1976)
Segunda placa de la banda de Favrot y Bergé con la
participación de Ciro Fogliatta a cargo de los teclados en
reemplazo del saliente.
Se trata de una nueva obra de corte "operístico" con el
agregado de algunas cadencias más blueseras y teclados más
filosos que se alejan ahora un poco del sonido Wakeman y le
otorgan más personalidad a los arreglos.
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Claudio Gabis
Claudio Gabis y La Pesada (1973)
Luego de la separación de Manal, Gabis viaja a Brasil. A su
vuelta, Jorge Álvarez del mítico sello Mandioca le ofrece
grabar un álbum. Para ello se reune con los músicos de La
Pesada: Alejandro Medina (su ex compañero de Manal) en bajo,
Jorge Pinchevsky en violín, Isa Portugheis y un músico
llamado Jimmy en batería, Kubero Días en guitarra y voz y
por supuesto, Billy Bond en voz y manejo de la consola de
grabación. Bajo la influencia de autores como Algernon
Blackwood, E. A. Poe y H. P. Lovercraft hace parte de las
letras. Otras como "El Blues del Terror Azul" están
inspiradas en la realidad sociopolítica del momento.
Musicalmente el album se pasea desde el rock furioso al folk
psicodélico, pasando inevitablemente por el blues con
ingredientes de improvisación libre y ritmos brasileños. Uno
de los temas "El Viaje de Lord Dunsany" (otro escritor de
literatura fantástica) es presentado en otra versión en la
banda sonora de "Rock Hasta que se Ponga el Sol". Excelente
tapa a cargo de Juan O. Gatti.
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Claudio Gabis
Claudio Gabis (1974)
ara este nuevo álbum Gabis cuenta con Medina, Pinchevsky y
Billy Bond nuevamente y se incorporan algunas figuras
invitadas como David Lebón en voz, Charly García en
teclados, contando con Juan Rodriguez y Black Amaya, ambos
en batería. Predomina el blues y las instrumentaciones folk.
El álbum no tiene la fuerza ni los aportes de improvisación
y psicodelia que se dejan ver en el primer disco. Tal vez lo
más destacable son los fabulosos solos de guitarra de Gabis,
pero seguramente el álbum no resultará tan interesante como
el anterior, salvo para los amantes del blues.
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Rodolfo Haerle
Situaciones (1976)
Álbum de corte intimista que cuenta con el fundamental
aporte de Litto Nebbia, quien en lo que a instrumentación se
refiere se encarga de teclados, bajo, batería y coros.
También intervienen los músicos del "Trio" Néstor Astarita
en batería y Jorge González en bajo entre otros invitados.
Además de Nebbia, participan en coros Alejandro de Michelle
y Miguel Angel Eurasquín de Pastoral. Estilísticamente el
álbum no difiere de la producción de Litto Nebbia en esa
época. El aporte poético de Haerle es como ya comenté,
intimista y sin poseer una gran voz sale airoso cantando.
Buenas melodías y sin desmerecer los temas donde estas
predominan prefiero los que se extienden en las partes
instrumentales como "Simpleza del Amor por la Ciudad " ó
"Crónicas de la Madrugada". Recomendado para amantes dela
música de Litto Nebbia. No conozco de alguna reedición en
CD.
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Horizonte
Horizonte (1978)
La banda estaba en actividad desde 1975. Luego de tres años
y repetidas presentaciones en público logran grabar su
primer álbum recién en 1978. Al igual que Arco Iris o Aucán
incorporan decididamente ritmos folklóricos empleando
incluso instrumentos típicos como percusiones, quena o
charango. Sin embargo Horizonte se diferencia de estas
bandas al darle una fuerte presencia al rock progresivo
muchas veces de orientación sinfónica, siendo fundamental en
esta característica el rol de los teclados de Sergio
Vainikoff manejados con destreza y gran delicadeza. La
música de la banda es dinámica pero nunca estruendosa,
siempre con un muy agradable componente melódico. Las letras
tienen contenidos localistas como se delata a través de
títulos como "Tierra del Indio", "Trigo maduro" o "Vidala
del Corazón". Altamente recomendable.
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Horizonte
Señales sin Edad (1979)
Un año más tarde Horizonte vuelve a sorprender con un
trabajo probablemente superior al demostrado en el disco
debut. Conservando los elementos autóctonos de su música que
explora los ritmos latinoamericanos, acentúan el camino
progresivo de su música. La fuerte presencia de los teclados
de Vainikoff del primer disco gana en calidad y logra un
excelente acople con los vientos y las guitarras. También el
bajo de Alfano hace notar su presencia entre las ajustadas
percusiones de Ojeda y Bloise. El ensamblaje entre los
ritmos folklóricos y los componentes modernos nunca se
siente forzado y la música parece fluir naturalmente
particularmente en los muy buenos pasajes instrumentales.
Definitivamente Horizonte tiene un sonido propio claramente
diferenciado de agrupaciones como Los Jaivas o Arco Iris.
Como el primer disco, una obra muy recomendable.
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Invisible
Invisible (1974)
abuloso álbum para el debut discográfico de la nueva banda
de Spinetta. Temas complejos con variedad de cambios
rítmicos con fuerte presencia del bajo y un excelente
trabajo de batería. La guitarra muestra una ductilidad que
no se había podido apreciar en Pescado Rabioso. Los pasajes
musicales están perfectamente estructurados en base al
equilibrio entre los instrumentistas, sin que Spinetta sea
el protagonista absoluto. Como ya es costumbre las letras
describen imágenes oníricas ó relatan historias
surrealistas. Cada uno de los temas es excelente sin que se
pueda destacar uno sobre otro. Desde los jazzeados "Jugo de
Lúcuma" ó "Irregular" hasta el instrumental "Tema de Elmo
Lesto", pasando por el clásico "Azafata del Tren Fantasma",
en el que presentan elevada intensidad a pesar de que
Spinetta | |
