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Miguel Abuelo
Miguel Abuelo et Nada
Los Abuelos de la Nada en su primera formación solo
editan un simple con los temas "Diana Divaga" y "Tema en Flu
sobre el Planeta". Aparecen además en "La Estación" en el
compilado "Mandioca Underground". Abuelo (Miguel Ãngel
Peralta) como solista publica además dos simples: "Oye
Niño"/ "¿Nunca te Miró una Vaca de Frente?" y "Hoy seremos
campesinos" /"Mariposas de Madera". Sin haber registrado un
álbum Miguel Abuelo emigra a Europa, y es en Francia,
durante 1974 que con un grupo llamado Hijos de Nada graba su
primer LP. Participan Daniel Sbarra en guitarra , Carlos
Beyris en cello, Pinfo Garriga en bajo, Diego Rodríguez en
batería, Gustavo Kerestachi en sintetizador y Juan Dalera en
flauta y quena. Las cuatro primeras composiciones pertenecen
a Miguel Abuelo. "Tirando piedras al río" combina la energía
roquera de la guitarra y el delicado clasicismo del cello,
(instrumentos coprotagonistas del álbum), que complementan
la excelente voz de Miguel que pasea desde su máxima
potencia a variados ejemplos de sutileza. Como en otros
temas no faltan aproximaciones a Led Zeppelin. "El largo día
de vivir", otro hermoso tema sumergido en una atmósfera
hippie. La guitarra acústica se ensambla con el cello y
flauta ofreciendo un encantador marco a la voz de Abuelo.
"Estoy aquí parado, sentado y acostado" un clásico , con su
clima onírico, son aquí las percusiones las que tercian con
el cello y la guitarra en el inicio del tema, que va
desarrollando una creciente intensidad. "El Muelle" que
contiene fragmentos de poesía de Rumi, poeta del siglo XIII,
continúa la ensoñación, y ahora se acompañan de sonidos de
clavicordio, un pasaje de pesadilla precede al dramático
final. Los tres temas finales pertenecen a el guitarrsta
Sbarra. "Señor carnicero" es un tema de rock duro
ornamentado con un adictivo arreglo de cello. "Recala Sabido
Forastero" es una tranquila canción con toques barrocos y
acompañamiento de Moog. Finalmente "Octavo Sendero" otro
ejemplo de rock ornamentado con excelente acoplamiento, otra
vez, entre la guitarra y el cello con una agradable arreglo
de voces. Ãlbum absolutamente recomendable. Entiendo que
existe una edición en cd, aunque no es fácil de conseguir.
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Agnus
Pinturas y Expresiones (1980)
Agnus existe desde 1974 sin embargo la banda graba este
álbum recién en 1980, cuando solo el guitarrista Luis Sáez
permanece como miembro original. Oriundos de la provincia de
Santa Fe, al igual que MIA y Redd apuestan a la producción
independiente. Comunicaban sus presentaciones por teláfono o
correo y entregaban a sus seguidores una credenciales que
posibilitaban obtener descuentos en los shows. En los
primeros años las presentaciones eran acompañadas de
exhibiciones de otras expresiones artísticas (ballet,
pintura, fotografía). Dividido en cuatro temas con pasajes
de enorme sutileza en los que se pasa de una delicadeza casi
pastoral al rock progresivo intenso, aunque nunca
estridente. Es muy buena la participación del violín y
abundan los tramos con predominios alternativos de coros
femeninos y flautas. Sin embargo es el trabajo de la
superlativa guitarra de Sáenz lo que más llama la atención.
Excelente y muy recomendable trabajo.
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Alas
Alas (1976)
Conformado como trío de bajo, batería y teclados son
inevitables las comparaciones con EL&P. De hecho las
influencias de la banda británica no están ausentes. Sin
embargo el peso de otras vertientes convierten a Alas en un
grupo de fusión donde convergen también el folklore y el
tango, este último desde una concepción más cercana a
Piazzola que a la tradicional. Temas largos divididos en
secciones para ajustar los cambios rítmicos. "Buenos Aires
solo es piedra" ocupa todo el lado 1 del LP original. Las
secciones tienen nombres de intención evidente como Tango,
Trompetango ó Soldó. No faltan pasajes de improvisación y de
instrumentación poderosa. El bandoneón estubo a cargo de
Rodolfo Mederos. El lado 2 abre con "La muerte contó el
dinero" dónde los aportes folklóricos pesan más que los
tangueros (las secciones se llaman Vidala, Galope o
Mal-ambo). En el momento de hacer críticas me surgen dos
reclamos. Uno es que la voz de Moretto es muy limitada, y el
otro es no haberse separado más del sonido de EL&P. La
edición original del LP duraba poco más de media hora. La
edición en CD de Progressive Rock trae dos bonus tracks. En
mi opinión este álbum es altamente recomendable.
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Alas
Pinta tu aldea (1977)
Alex Zuker se aleja e ingresa en su reemplazo Pedro
Aznar, que también tocará sintetizadores. Moretto se hace
cargo también del bandoneón.'El despliegue de teclados es
mayor. La ejecución del bajo es impresionante. Aparecen más
claramente aportes de jazz en "A quienes sino". No ocultan
en nada la devoción por Piazzola en "Pinta tu aldea" tema en
el que toman más de un par de notas del renovador del tango.
En "La caza del mosquito" alcanzan un alto nivel
interpretativo con los pianos y vientos de Moretto y el bajo
sin trastes de Aznar. En la misma línea, aunque con un
sonido algo más intimista está "Silencio de aguas profundas"
donde junto al piano se destaca el aporte de guitarra
acústica. En este álbum puede decirse que Alas adquiere
personalidad propia, ya no está tan visible la influencia de
EL&P. Moretto ha dejado de cantar, convirtiándose la banda
en puramente instrumental. Si bien el primer álbum es una
buena opción para introducirse, considero a áste la obra más
trascendente de Alas.
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Almendra
Almendra (1969)
Este álbum ha sido considerado ha travás de los años como el
mejor disco de rock producido en Argentina. Si tenemos en
cuenta que es también uno de los primeros discos del
movimiento, este concepto no hablaría nada bien del rock
argentino, si no fuera porque es muy poco frecuente
encontrarse con tanta belleza en un disco. Quienes busquen
rock progresivo encontrarán poco interesante esta música.
Quienes se dejen llevar por las buenas melodías la
disfrutarán ampliamente, si están dispuestos a contemporizar
la poesía inocente que contiene. "Muchacha (ojos de papel)"
es probablemente junto con "La Balsa" de Los gatos una de
las canciones más populares del gánero en la Argentina.
"Figuración", "Fermín" ó "Plegaria para un niño dormido" no
le van en saga y son para mi gusto tan buenas ó mejores
canciones. Es de notarse ya el algunos temas, como por
ejemplo "Plegaria..." la peculiar acentuación de Spinetta,
poniendo el ánfasis en la última sílaba. La composición de
Edelmiro Molinari "Color Humano" y "Ana no duerme" son los
momentos en el que el disco se libera permitiándose expresar
mayor intensidad. Quien quiera comprender el rock argentino
debe escuchar este álbum. La edición en CD, "Cronología I"
contiene los primeros singles y los temas que faltan del
álbum doble en "Cronología II".
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Almendra
Almendra II (1970)
Almendra venía anunciando la realización de una ópera rock,
sin embargo esta obra no vio la luz y en su lugar producen
este excelente aunque heterogáneo álbum en el que las
diferentes personalidades de sus integrantes producen obras
que permiten vislumbrar cual será el destino musical del
desmembramiento de esta banda seminal del rock argentino.
Edelmiro Molinari ha crecido como compositor y en temas como
"Mestizo" ó "No tengo idea" aparecen muestras de lo que será
su banda Color Humano. Analógicamente "Camino difícil" ó el
instrumental "Carmen" nos muestra cuál será el aporte de
Emilio del Guercio a su fabulosa banda Aquelarre. Sin
embargo puede decirse que Luis Alberto Spinetta continúa
siendo el alma creadora capaz de producir canciones de una
belleza inusual como "Para Ir", "Parvas". Sin la belleza
pueril del primer álbum, con la incorporación de prolongados
pasajes instrumentales (Agnus Dei dura más de 14 minutos),
más inclinado hacia el rock, el segundo disco de Almendra es
otro imprescindible. La edición en CD conocida como
"Cronología II", lamentablemente recorta la obra, pasando a
figurar los temas en el CD "Cronología I".
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Alma y Vida
Alma y Vida (1971)
Alma y Vida surge de la reunión de un grupo de músicos
orientados al jazz que frecuentaban la mítica Cueva de
Passarotus con el ex miembro de la banda beat The Seasons,
Carlos Mellino. Se comenta que en sus origenes eran la banda
acompañante de un conocido músico. Graban un simple, cuyo
tema "Niño de Color Cariño" puede escucharse en la
recopilación "Pidamos Peras a Mandioca. Como curiosidad
puede comentarse que en este registro participa en trompeta
Mario Salvador, quien pronto se retira de la banda, pero
vuelve a ocupar el puesto en la reunión del grupo 30 años
después. Inmediatamente ingresa a la banda Gustavo Moretto y
registran el primer álbum titulado simplemente "Alma y
Vida", en donde se observan las influencias de bandas como
Chicago y Blood, Sweat & Tears. La sección de vientos tiene
un rol preponderante junto a la particular y poderosa voz de
Mellino, quien canta en casi todos los temas. Moretto lo
hace solo en su tema "La Morada", tema que incluye un
atractivo arreglo barroco protagonizado por los vientos. De
este disco salen hits como "Mujer, gracias por tu
llanto"(tema en que Ricardo Lew figura como co-autor) y "La
Gran Sociedad", sin embargo hay temas muy atractivos como el
intenso "Veinte Monedas" (Con en actor Esteban Mellino,
hermano de Carlos como autor de la letra) o el
lamentablemente breve jam de "Y…Esto…?".Las letras alternan
temáticas amorosas con otras de neto compromiso social y
político, elementos que serán característicos en las líricas
del grupo.
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Alma y Vida
Alma y Vida Vol.2 (1972)
Algunas actitudes de la banda, particularmente el
presentarse en ámbitos no aceptados por parte del público y
particularmente por la prensa sectaria, hacen que la banda
sea discriminada y caratulada como "complaciente". En
contraposición a esta supuesta "deserción" la banda hace
temas como "Hoy Te Queremos Cantar" escrito por Gustavo
Moretto que la gente inmediatamente asocia con la figura del
Che Guevara. En el resto de las letras se aprecian
referencias contestatarias en forme reiterada. Esteban
Mellino es nuevamente autor de letras como la de "Don
Quijote de Barba y Gabán" y "Un Sonido Final". Incorporan
arreglos más interesantes, los temas se prolongan dedicando
más espacio a lo instrumental, se aprecia más el interesante
trabajo de Barrueco en la guitarra eláctrica y hay más
exposición de los teclados. Un paso adelante en el
desarrollo musical del grupo.
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Alma y Vida
Del Gemido de un Gorrión (1973)
El tercer disco es el único que lleva como título un nombre
y no una sigla. El camino que se vislumbra en el Vol II
parece querer reanudarse en este disco. Se incluyen arreglos
más arriesgados, como el inusitado pasaje casi experimental
que rompe el clima de balada de "Bussi a las 3 y Media",
temas más roqueros como "Carna, Rock y Suficiente" con una
atractiva participación de la guitarra eláctrica de Barrueco
(al igual que en en final de "Vos te Equivocaste Amigo") y
alcanzan su mayor compromiso sociopolítico en cuanto a
letras en "Es la Hora". Claro que la hermosa canción que
presta titulo al álbum es de las más recordadas por los
seguidores de la banda. En lo personal me gusta el álbum
aunque creo que estos músicos daban para más en ese momento.
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Alma y Vida
Alma y Vida Vol. 4 (1974)
Un rotundo cambio en la banda. Evidentemente ellos son los
primeros en considerarlo según las notas internas de la tapa
del vinilo en la que se habla de matar un avieja etapa y
renacer. Las dudas que generaba el anterior disco quedan
disipadas. El álbum abre con el impresionante "Sin
Rendición, El Jugador" compuesto por Baraj-Barrueco con un
excelente solo de saxo de Bernardo Baraj acompañado por una
machacona guitarra rítmica que ocupa buena parte de los casi
9 minutos del tema. "Cadenet" es una de las más recordadas
baladas de la banda, nuevamente con letra de Esteban Mellino
y muy apropiado arreglo de teclados. "Fábula del Super Ratón
y el Pueblo" un tema con humor y compromiso dentro de un
esquema habitual del grupo, "Ajedrez" categorizado como
vals, agradable aunque poco arriesgado. Los más de 10
minutos del tema de Moretto "Alguien se Va" son responsables
de gran parte de las virtudes del disco. Intenso, cambiante,
con un germen de lo que haría en Alas en algunos de los
pasajes; sin duda uno de los temas más logrados en el
historial de Alma y Vida. El cierre pertenece a otro de los
más recordado temas, el excelente "Salven a Sebastián". En
mi personal opinión el mejor trabajo de este grupo.
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Alma y Vida
Alma y Vida Vol. 5 (1976)
Moretto se va del grupo para trabajan en otro proyecto que
lo tendrá en un rol más protagónico: Alas. Se incorpora en
su lugar Osvaldo Lacunza para ocuparse de los vientos,
quedando los teclados solo en manos de Mellino. La ausencia
de Moretto se hace sentir y el álbum se siente como una
regresión si se lo compara con el anterior. Sin embargo
tiene algunos buenos temas como el instrumental "Ritmo Loco
Baraj" un intenso jam, y "Mercado del Reptil" un rock con
riffs y los clásicos arreglos de vientos. Mellino decide
partir para una carrera solista y la banda se desarma.
No existen reediciones en CD de los discos originales de
Alma y Vida. Solo puede encontrarse en este formato una
edición recopilatoria llamada Cronología.
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Arco Iris
Arco Iris (1970)
Inmerso en la fárrea disciplina que se imponía en la
comunidad orientada por Dana, Santaolalla compone el
material del primer disco. Arco Iris todavía esta lejos de
sus mejores álbumes, sin embargo se vislumbran los elementos
que posteriormente desarrollarán: blues, rock, jazz, con
canciones pop y un recurrente aire pastoral. Incluso se
vislumbran ya algunos aires folclóricos. Todavía sin
Gianello, con la colaboración de Alberto Cascino en la
batería, los habituales integrantes de Arco Iris utilizan
flautas, saxos, cellos y diversos instrumentos de percusión
no habituales en ese momento en el rock argentino. El tango
que ya estaba presente en el primer álbum de Almendra
aparece aquí con una nueva modalidad. Arco Iris son los
primeros en citra a Piazzola en "Quiero Llegar". Gran parte
del material compuesto queda fuera del álbum pero aparecería
años más tarde en las recopilaciones. Aparece ya en la
portada el símbolo que identifica a Arco Iris, la llave de
Dana. La reedición en CD contiene los primeros singles de la
banda (Cronología I). Para completistas del rock progresivo
argentino.
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Arco Iris
Tiempo De Resurrección (1971)
Durante un tiempo el baterista es Tito Otero, con el que
graban el simple Es Nuestra la Libertad / Zamba, con el que
comienzan a codearse abiertamente con el folclore. Otros dos
bateristas duran poco tiempo en la agrupación hasta que
Horacio "Droopy" Gianello toma el lugar en forma estable. Al
terminar su contrato con RCA firman con Music Hall y graban
el simple Mañana Campestre / Soy un Pedazo de Sol con el que
logran un relevante áxito. Ara Tokatlian comienza a trabajar
con el saxo, luego de prácticas exhaustivas, también es Ara
el que en forma incipiente comienza a encargarse de los
teclados. Graban el álbum en dos pistas en los estudios
Netto Hay un notable progreso en la banda que logra plasmar
con efectividad sus ideas. El folclore es ahora una parte
sustancial de la obra musical de Arco Iris y cobran
importancia los temas acústicos que se combinan y equilibra
con los costados más eláctricos orientados al rock elaborado
y a la fusión. Dana participa como cantante. Aún no
protagonizan la escena los intrumentos regionales. Entre los
agradecimientos figura un musico poco conocido en ese
momento: León Gieco. Arco Iris comienza a hacer
presentaciones como grupo principal y participan del BARock
en el Velódromo Municipal.
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Arco Iris
Suite Nº1 (1971)
Cuando Arco Iris firma con Music Hall, el sello al que
pertenecian anteriormente (RCA), decide lanzar un LP con
material anteriormente no conocido que pertenecía a las
sesiones de grabación del primer álbum "Arco Iris" y un par
de versiones en inglás de temas anteriormente conocidos.
Estos temas habían sido grabados posteriormente al registro
del primer álbum con motivo de un viaje de Santaolalla a
EEUU durante el cuál trataría de establecer contactos allí.
Realizado de esta manera se trata evidentemente de un álbum
desparejo, inferior a lo que podía brindar esta banda en el
momento que fuá publicado. Sin embargo cuenta con el
atractivo de largas sesiones instrumentales que lo hace
apetecible para completistas. Sin embargo Santaolalla
calificó de inescrupulosa la actitud del sello al publicar
estos temas, particularmente por el hecho de ser en parte
cantado en inglás.
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Arco Iris
Sudamárica o El Regreso a La Aurora (1972)
Excelente álbum doble desarrollado en el formato denominado
"opera rock". El folclore se integra, pero no a la manera de
Los Jaivas, quienes parecen tomarlo como punto de partida,
sino que es aquí un ingrediente más junto al rock y al jazz.
Se distinguen también algunos giros psicodálicos y ciertos
guiños a otras operas rock. Dentro del crecimiento musical
cobran importancia tanto las profundizaciones del
conocimiento de la música autóctona como las influencias de
los trabajos de bandas progresivas y de fusión, entre las
que Santaolalla cita a Weather Report. El trabajo
instrumental es de muy buena factura, Santaolalla con una
guitarra eláctrica decididamente ácida en muchos momentos
que se impone como un sello personal, Tokatlián ocupándose
no solamente de los vientos sino también ya en forma más
extendida de los teclados. La base muy sólida con Bordarampá
en el bajo y Horacio Gianello en batería adaptándose
perfectamente a todos los estilos que desfilan al o largo de
la obra. Los instrumentos propios de folclore adquieren un
rol enriquecedor. La edición original venía con una lujosa
caja, con letras y el argumento de una obra con contenido
telúrico, místico y cósmico. Una de las producciones más
relevantes durante los 70s en el rock argentino y
seguramente junto a Agitor Lucens V, los puntos culminantes
de Arco Iris durante la etapa en que Santaolalla revistió en
sus filas. En las presentaciones cobra gran importancia el
componente audiovisual con imágenes de diapositivas
trabajadas junto al especialista Eduardo Debrien.
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Arco Iris
Inti Raymi (1973)
Inti Raymi tiene un contenido musical de excelente factura,
pero uno tiene la sensación de estar escuchando la
continuación de Sudamárica. Probablemente sean temas que
quedaron fuera del anterior álbum. Según comenta Santaolalla
en un extenso reportaje aparecido en la revista Expreso
Imaginario en 1978, ellos lo consideraban una especie de
continuación de la ópera Sudamárica. Por lo tanto todo lo
que pueda decirse de aquál disco encaja en la descripción de
áste. Decepciona un poco la repetición de ritmos y estilos
empleados aunque quienes disfrutaron con la ópera rock
Sudamárica también pasamos buenos momentos con esta suerte
de secuela. Nuevamente la estética de la cubierta, con
motivos autóctonos es de excelente calidad, al menos en su
edición original de tapa doble.
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Arco Iris
Agitor Lucens V (1974)
Otra obra fundamental de esta magnífica banda y la última
con la formación clásica de Tokatlian, Santaolalla,
Bordarampá y Gianello. Nuevamente un doble vinilo
(increiblemente no reeditado en CD). Con menor, aunque no
ausente contenido folklórico, igualmente nos deleitan con
esas zambas y malambos eláctricos que saben hacer. No dejan
de utilizar instrumentos regionales aunque el protagonismo
de los vientos y teclados en manos de Tokatlían y la
personal guitarra de Santaolalla es predominante. Impecable
como siempre en trabajo de Gianello en la batería apoyado
por los otros miembros en la percusión. Abordan la temática
de los extraterrestres y es interesante comentar que,
mientras buscaban material para la obra, surge del encuentro
con Fabio Serpa, un ex actor devenido en investigadorde
fenómenos sobrenaturales, la realización de la musica para
un audiovisual llamado "El Cosmos y el quinto Hombre". Este
material se conserva grabado y nunca ha sido publicado. Para
las presentaciones entablan relación con Oscar Araiz, que
participará con su ballet e incluso representará la obra en
París. Luego de este álbum Santaolalla y Gianello se separan
de la banda, fundamentamente por diferencias en el enfoque
filosófico de la comunidad. Un par de años después editarán
junto a otros músicos el álbum de Soluna "Energía Natural".
Arco Iris continúa con Ara, Bordarampá y otros musicos.
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Arco Iris
Los Elementales (1977)
Al alejarse Gianello y fundamentalmente Santaolalla,
principal compositor, muchos pensaron que la carrera de Arco
Iris estaba terminada. Luego de un prolongado lapso sale en
1976 un simple que contiene dos temas ( Sin Contratiempos /
Los del casco de Oro), en cuya portada no aparece el nombre
"Arco Iris" que marcan una transición entre la era de
Santaolalla y los tiempos por venir. Ara Tokatlian es ahora
el único lider musical de la agrupación y ocupa un papel
fundamental no solo en los vientos sino también en los
teclados (piano y sintetizadores), en los que ha venido
desarrollando un muy buen trabajo. es además el principal
cantante. Las composiciones ahora se despojan del gran
bagaje folklórico que poseían y se enmarcan el el área de la
fusión jazz rock, aunque conservando aires autóctonos. Las
nuevas adquisiciones de la banda Ignacio Elisavestzky en
guitarras y Josá Luis Párez en batería y percusiones
despliegan un trabajo elogiable que termina de conformar un
álbum excelente, con el cual Arco Iris cierra su actividad
discográfica durante los 70s.
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Aquelarre
Aquelarre (1971)
El álbum abre con "Canto", un tema con riffs de guitarra
distorsionada en contrapunto con los teclados, órgano, piano
y clavinet que caracterizarán el sonido del grupo. Sigue con
"Yo será animal, vos serás mi dueño", donde se adelantan en
su concepto a trasnochados filósofos de los noventa, pero
con la visión de la convulsionada ápoca dicen: Vayan a
luchar / La historia se murió / Mamá no quiere dar a luz un
niño / porque dice que / con sus manos va / a salir a matar
por las calles. Aventura en el árbol es un blues progresivo
con guitarras a lo Kraut o mejor a lo Hendrix y órgano. El
lado 2 abre con "Jugador, campos para luchar", una bella
melodía de teclados que se rompe con el duro riff de
guitarra. Del Guercio canta recordándonos mucho a Luis
Alberto Spinetta, su compañero de Almendra, pero ¿quién
influenció al otro?. Sigue "Cantemos tu nombre", una melodía
folk con guitarra acústica y la inquietante voz de Gonzalez
Neira. Intenso final con "Movimiento" con los infalibles
teclados y el infaltable riff.
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Aquelarre
Candiles (1972)
Un año después sacan el segundo álbum llamado "Candiles" El
disco es algo menos "progresivo" que el primero. Cruzando la
calle es un rhythm and blues con instrumentación de
teclados, con solo algunos pasajes que recuerdan el rock
sinfónico, cantan: Cruzando la calle,/ cruzando la puerta
del corral / tu hermano se muere / mi hermano no puede
esperar / la muerte te ronda/ la muerte nos quiere ganar. En
"Soplo nuestro" cuentan una historia de protagonista
femenina, temática también recurrente en Aquelarre. En
hermana vereda incluyen una improvisación de sonido poco
habitual en el grupo y "Cuentos tristes" es una canción no
demasiado trascendente. El lado 2 abre con el poderoso
"Miren a este imbácil", delicado inicio de órgano y voz que
se rompe, cuando no, por un riff de guitarras: Miren a este
imbácil,/ como se justifica./ El miedo que me tiene / Mata
hermanos en la casa / donde debe vivir. "Patos
trastornados"es un poderosísimo instrumental. Cierre con
"Iluminen la Tierra", muy hermosa canción con la voz de
Neira.
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Aquelarre
Brumas (1974)
En 1974 aparece la tercera obra del grupo llamada "Brumas".
La banda se había afianzado mucho debido a la enorme
cantidad de recitales dada por el país. El nivel de este
disco se diferencia de los otros. La música de Aquelarre ha
adquirido un nivel de refinamiento del que pocos grupos
pueden hacer gala, sin dejar de sonar poderosa,
fundamentalmente gracias a la guitarra de Starc. Las letras
continúan siendo comprometidas, aunque ahora envueltas en
una atmósfera surrealista. Dice Emilio del Guercio: "La
Poesía es real a partir de si misma, no a partir de su
traducción". Desfilan temas más complejos, incorporan ritmos
latinos. Pocos temas en la historia del rock suenan tan
sinfónicos como "Brumas en la bruma". Pocas veces suenan tan
poderosos como en "Milagro de Pueblo". Cantan en "Aves
Rapaces": Gente del valle que se va / buscando el fruto que
les da la paz / Cercana la cordillera / la fiebre se
despereza./ Las aves rapaces nacerán / de la noche. Es obvia
la alusión la dictadura de Pinochet.
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Aquelarre
Siesta (1975)
En 1975 sale el último disco de Aquelarre llamado "Siesta".
Disco bellamente instrumentado, más reposado que los
anteriores. Abren con el clásico "Pájaro de la Locura" y
pasan una serie de temas de calidad constante. En "Canto
cetrino" aparece otra vez la protagonista femenina: Para que
preparas tu sonrisa de medianoche / nena que caminas a estas
horas por la vereda./ Cuantos sentimientos ateridos / por
ese miedo./ Si en tu cuerpo encuentran algo hermoso / por
esta noche./ Y en el reflejo de sus ojos creíste que estabas
viva. Luego de este álbum la música de Aquelarre estaba
consolidada y se habían ganado un lugar de prestigio en el
panorama argentino. Como otros grupos de su ápoca dieron
gran importancia a la poesía, en este caso acompañada de una
base musical progresiva. Fueron a España y durante 2 años
giraron por Barcelona, Ibiza y Madrid. Fueron teloneros de
Soft Machine y de la Premiata Fornería Marconi sin embargo
no llegaron a grabar salvo la aparición en un compilado. A
fin de 1977 con Carlos Cutaia en lugar de González Neira se
despidieron del público con un recital en Buenos Aires.
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Aucán
Aucan (1977)
El dúo Miguel y Eugenio debutó en 1973 en el Acusticazo y
llegan a editar un LP de música acústica en el sello Trova.
Años después integran a sus hermanos menores y forman Aucán.
Esta formación produce este primer disco con incursiones
folklóricas y baladas, predominantemente en una corriente
acústica con interesantes aportes eláctricos. Hermosas
melodías, con delicadas instrumentaciones, buenos trabajos
de teclados generalmente como colchones pero a veces
liderando a la banda y algunos pasajes con guitarra
eláctrica de sonido elegante. Hay que destacar los aportes
del cello de Pablo Párez, que al juntarse con los teclados
producen ciertos acercamientos a una línea sinfónica. Hay
participaciones de Gustavo Moretto y del grupo vocal Buenos
Aires 8. Como es de esperarse se destaca el trabajo vocal.
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Aucán
Brotes Del Alba (1980)
Tres años más tarde, con Guillermo Frachetti reemplazando a
a Miguel Párez (uno de los dos miembros del dúo acústico
Miguel y Eugenio), Aucán saca su segundo y último trabajo,
producido por León Gieco, quien había acompañado al grupo en
diversas presentaciones en vivo actuando como cantante en
algunos temas. La línea del disco es similar a la del
primero. Canciones suaves, ritmos folklóricos y combinación
de ritmos e instrumentos folclóricos con rock de corte
sinfónico. Las letras cuidadas y los buenos vocales son una
constante en el grupo. Probablemente algo más volcado al
sonido sinfónico que el anterior me parece un poco menos
inspirado aunque también muy aceptable.
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Ave Rock
Ave Rock (1975)
En gran parte de este álbum Ave Rock intenta lograr un
sonido sinfónico a partir del blues y el rock. Los
resultados son parcialmente satisfactorios, teniendo los
mejores momentos cuando se alejan de estos ritmos. Es en
estos pasajes donde se notan algunas influencias de bandas
como Yes. Si bien son fundamentalmente instrumentales, las
voces parecen más bien corresponder a un grupo de hard rock
que a uno progresivo. Buenos contrapuntos de teclados y
guitarra. Se adelantaron a Espíritu y a Crucis en hacer un
rock progresvo de corte más europeo, pero tuvieron menos
áxito que ellos.
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Ave Rock
Espacios (1977)
Segundo y último disco de Ave Rock. Instrumentación más
refinada y con un sonido aún más europeo. Solo tres temas,
el primero, "Pausa en Espacios" ocupaba todo el lado 1 del
LP original, presentando cambios rítmicos, prolongados
tramos instrumentales, uno sonido casi pop en las partes
cantadas y hasta algo de experimentación. "4:30 en el
Universo" continúa en la misma vertiente, pero es un tema
demasiado corto para lo que quisieron mostrar y como en el
tema final "Surcos en el Aire" lo más flojo son las voces.
Un álbum con momentos muy buenos y otros aceptables. Se les
puede atribuir demasiada cercanía con el sonido de Yes,
aunque no se los puede tildar imitadores
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La Banda del
Paraiso
La Banda del Paraiso (1973)
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Los Barrocos
Sin Tiempo ni Espacio (1974)
Banda formada alrededor del año 70 y que durando hasta el
75, lamentablemente produce solo este muy buen álbum. Fuera
de la Argentina se los ha comparado en ocasiones con Curved
Air, sin embargo tal semejanza solo reside en que ambas
bandas hacen un uso intensivo del violín, orientado hacia un
sonido clásico, dándole a Los Barrocos, particularmente en
los temas más melódicos ciertos puntos de contacto con los
británicos. Sin embargo la música de esta banda en la mayor
parte de la obra es de un sonido típicamente argentino, con
gran despliegue de guitarras y abundancia de riffs. Son
particularmente sabrosos los pasajes en que las dos
guitarras juguetean entre sí y con el violín. Durante los
últimos tiempos de existencia de la banda fueron un trío sin
violín. Lamentablemente no hay reedición en CD.
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Bubu
Anabelas (1978)
Rock progresivo sinfónico de primera categoría.
Muy recomendable.
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Búsqueda
Búsqueda (1978)
Único trabajo de esta banda integrada por Jorge Fernández
Molina en guitarra, teclados y voz, Alfredo Muñoz en en bajo
y voz, Daniel Carrizo en batería y Tommy Loidi en guitarra y
voz. Las comentarios periodísticos de la ápoca se dedicaban
a destacar lo poco imaginativo de la tapa en lugar de
destacar la belleza melódica del álbum. Hay quien ha
comparado a la banda con los italianos Celeste por las
tranquilas melodías y el trabajo de teclados, pero
honestamente no encuentro demasiado asidero a estos
comentarios. Los temas están erigidos alrededor de
agradables baladas, cantadas con voz suave e intimista
acompañada de una recurrente guitarra acústica con muy
buenos aportes de teclados (pianos, órgano y melotrón y
sintetizador) y delicadas guitarras eláctricas. Un disco que
encuentro recomendable para los amantes del rock progresivo
sinfónico sin estruendos.
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Carola
Damas Negras (1973)
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Caballo Vapor
Cavallo Vapor (1972)
Conformado por Juan C. Torres en guitarra, Josá A. Torres en
batería, Luis Corzo en bajo, una sección de vientos
integrada por Fracisco Nisivoccia, Eduardo Kohan y Aldo
Montilla. En el rol de cantante participa Antonio J.
Sánchez, luego más conocido como Johnny Allon, cantante
complaciente, conductor de televisión y empresario
relacionado a vertientes musicales de misárrimo pelaje. El
álbum, si bien es muy apreciado por los coleccionistas
contiene 9 temas poco atractivos, entre ellos una
insustancial versión de "La Balsa" de Los Gatos (hay que
aclarar que sobre el final del tema hay un pedido de
disculpas por el atrevimiento). Se trata en general de temas
de rock and roll adornados con muy poco imaginativos
arreglos de vientos. No existe reedición en CD. No
recomendable.
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Miguel Cantilo y
Grupo Sur
Miguel Cantilo y Grupo Sur (1975)
Miguel Cantilo se traslada al sur de la Argentina, más
exactamente a El Bolsón, para continuar la experiencia
comunitaria iniciada en la casa de la calle Conesa de Buenos
Aires. La experiencia desarrollada en este periodo está
relatada en el libro ¡Chau Loco! (ver sección
publicaciones). Junto a uno de sus compañeros, Kubero Díaz
(La Cofradía de la Flor Solar, La Pesada), escribe la mayor
parte de los temas que conformarán el álbum. Sin embargo
Kubero no será de la partida a la hora de grabarlo durante
1973. Lo reemplaza en la guitarra Willy Pedemonte (Piel del
Pueblo) quien realiza un intenso y encantador trabajo. Junto
aellos participan Jorge Pinchevsky en violín, Alejandro
Marassi en bajo y Diego Villanueva en batería. Si bien no
faltan los temas de corte folk, en este caso inmersos en una
atmósfera psicodálica, en contra de lo que podría pensarse,
la atmósfera rural, parece haber electrificado los conceptos
musicales de Cantilo, quien ha comentado que estaba muy
atraído por el sonido de bandas como Led Zeppelín, y
presenta temas como "Sur Alabanzas" o "La Leyenda del
Retorno". En este último hay una evidente y muy comentada
alusión al regreso del líder justicialista Juan Domingo
Perón. La voz de Miguel se encumbra a alturas desgarrantes,
la guitarra de Pedemonte es deslumbrante y las apariciones
de Pinchevsky son de las más interesantes de este periodo.
No conozco edición en CD, de este altamente recomendable
disco.
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Color Humano
Color Humano (1972)
Luego de la separación de Almendra sus miembros toman
diferentes caminos que culminarán en la aparición de tres
nuevas bandas: Pescado Rabioso con L.A. Spinetta, Aquelarre
con Rodolfo García y Emilio del Guercio y Color Humano
(nombre de uno de los temas del primer álbum de Almendra)
con Edelmiro Molinari. Sin embargo la historia no fue tan
sencilla. En principio Edelmiro y Spinetta se unieron a
Carlos Cutaia en teclados y Pomo Lorenzo en batería para
formar una banda, Cutaia se retira y se conforma el trío
Tóraz, pronto también se va Spinetta. Entonces Edelmiro
intenta formar una banda llamada Pistola junto a otros dos
guitarristas: Pappo y Claudio Gabis. Esta y otro grupo
llamado Viento no prosperan y finalmente Color Humano ve la
luz. El estilo de la banda puede adivinarse a travás de las
composiciones de Molinari en Almendra (por ejemplo
"Mestizo"). Rock y blues elaborados con letras surrealistas,
si bien lejanas al nivel de las de Spinetta, no por eso poco
interesantes. Se notan influencias de Jimmy Hendrix, pero
sin embargo desarrollan un estilo personal y fascinante con
frecuentes cambios rítmicos y climas oníricos. Todo el disco
tiene un excelente nivel y está protagonizado por la
guitarra y la voz de Molinari. "Padre sol, madre sal", un
tema acústico cuenta con la participación en voz de
Gabriela, esposa de Edelmiro. En el intenso "Introducción
polenta" Rafanelli toca además el órgano. En la pelicula
"Rock hasta que se ponga el sol" grabada durante el B.A.
Rock III Se puede ver a la banda tonando "Larga vida al sol"
con Moro en batería en lugar de Lebón. La tapa del CD que se
ve aquí no es la misma que la del vinilo, en la cual figura
el nombre de la banda con fotografías montadas en las
letras.
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Color Humano
Color Humano 2 (1973)
Pensado originariamente como un doble álbum fue editado
originariamente en forma separada durante 1973. La reedición
en CD presenta la intención original de la banda. Moro en la
batería ofrece un aporte de mayor calidad tácnica. Rafanelli
y Molinari suenan más sueltos. El album, a pesar del
progreso del grupo en lo instrumental carece de temas de la
calidad del anterior. Estos son menos emocionales y
presentan menor variación rítmica.
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Color Humano
Color Humano 3 (1973)
Segunda parte del album doble. Este segundo disco reúne
maravillosos temas junto a la mejor ejecución de la banda,
"Hombre de las cumbres", "Hace casi 2000 años", "Cosas
Rústicas" están llenos energía y a la vez no carecen de
sutileza. Este último tema es el que aparece en la apertura
de "Rock hasta que se ponga el sol" con el nombre de "Coto
de caza". Una excelente obra para finalizar la historia de
esta banda.
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Contraluz
Americanos (1973)
Única producción durante los setenta de una banda que
mereció más suerte debido a sus intenciones musicales y sin
embargo quedó relegada a la categoría de grupo de culto. En
la música de Contraluz se aprecian contenidos folklóricos e
incluso tangueros pero no como ornamentaciones musicales o
debido a la incorporación de instrumentos típicos, sino como
evidencia de su formación cultural que inevitablemente
aparece en las composiciones. Caracteriza a la música de
Contraluz una poderosa base en manos del bajista Diego
Prochnik y del dúctil baterista Nástor Barrio, un
guitarrista, Carlos Barrio que puede ser sutil en unos
pasajes y enárgico en otros, el reiterado protagonismo de la
flauta transversa, ejecutada por Alejandro Barsi que hizo
que la banda tuviera que soportar el mote de imitadores de
Jethro Tull, calificación injusta, no porque en algunos
momentos no se asemejen a la banda británica sino porque
cercena la amplitud musical de un grupo que ya en ese
momento tenía personalidad propia y que daba evidentes
muestras de estar en la búsqueda de una madurez que no
pudimos apreciar por ver truncada su evolución. La voz de
Alvaro Cañada llega a extremos que con un estilo diferente
son explorados por ejemplo por cantantes como Francesco Di
Giacomo de Banco. Escuchar el álbum nuevamente después de 25
años me produjo una profunda emoción que probablemente me
reste objetividad, pero no creo equivocarme al decir que
temas como "Indios sin Prisión", "Sin Trabajo" o "La Sarna
del Viento" están entre los mejores que se han producido en
Argentina. Ya desde los títulos se aprecia el compromiso de
sus letras. Contraluz recientemente se ha reunido y editado
un nuevo álbum llamado "El Pasaje". Es de esperarse que esto
motive la reedición en CD de esta obra.
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Crucis
Crucis (1975)
después de varias amagos el rock sinfónico comienza a tomar
forma en la Argentina y comienzan a aparecer en escena
grupos como Crucis, una formación con músicos dotados de
alto virtuosismo (Marrone y Kerpel), un bajista y cantante
que le aporta la fuerza y la melodía necesarias para llegar
al gran público (Montesano) y un baterista explosivo con
fuertes influencias de los músicos de jazzrock (el uruguayo
Farrugia).
El disco debut consta de siete temas muy parejos en los que
el grupo despliega todo su potencial pero sin dejar de
entrever aún dónde estará su techo.
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Crucis
Los Delirios del Mariscal (1976)
La segunda entrega de Crucis desnuda ciertas influencias
demasiado importantes como para considerarlo un disco fresco
y original como su antecesor.
La placa abre con "No me separen de mí", un tema de corte un
tanto más emparentado con la producción anterior. "Los
delirios del mariscal es una larga suite de más de 10
minutos que navega empalagosamente por el remanido sonido de
Camel y se desenvuelve entre largas improvisaciones sin
proyección hacia ninguna parte. "Pollo frito" es otra pieza
con profusas improvisaciones pero aquí la banda se sumerge
en ritmos y texturas de jazzrock que a fuerza de vártigo y
justeza se hace muy entretenida. "Abismo terrenal" cierra
con el mismo sesgo jazzrockero y algunos pasajes spacey pero
cae nuevamente en las figuras repetidas de las larguísimas
zapadas perdiendo totalmente el encanto con los anodinos
solos de bajo y batería.
Es posible que el disco haya visto la luz de manera temprana
ya que sin dejar de ser una pieza importantísima en la
discografía local del gánero, con un poco más de producción
podría llegar a haber sido una obra maestra.
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Cuero
Tiempo después (1973)
Nacho Smilari, quien había participado de La Barra de
Chocolate, Vox Dei sin llegar a grabar al salir Yodi Godoy,
y que luego integrara Piel de Pueblo junto a Pajarito
Zaguri, encara un proyecto más personal. Para esto cuenta en
la batería con su ex compañero de Piel de Pueblo Carlos
Calabró y un ex La Joven Guardia Enrique Masllorens. Estos
músicos le ofrecen a Smilari una base más que contundente
para que pueda desarrollar un rock duro y algo de blues de
netas proporciones psicodálicas. Las voces enrarecidas dejan
amplios tramos libre para disfrutar del manejo instrumental.
El trabajo de la guitarra es alucinante, exhibiendo toda la
gama de recursos de Smilari. Masllorens se encarga de llenar
todos los espacios que puedan quedar libres poniendo el bajo
bien al frente. Un disco absolutamente recomendable para
quienes gocen de las vertientes duras del rock argentino. La
banda se separa luego de este álbum debido a un viaje de
Smilari a USA.
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Cuero
Crecimiento (1974)
Durante su viaje Smilari se entusiasma con la música de
fusión y a su regreso reforma la banda, esta vez con otros
integrantes. Bernardo Baraj de Alma y Vida en vientos,
Adalberto Cevasco en el bajo, Raúl Parentella en teclados,
Joe Coco en percusión y el ex Los In, Osvaldo López en
batería. La música también presenta un enorme cambio, si
bien conserva la fuerza y cierta atmósfera psicodálica, se
sumerge en la fusión afrolatina con alguna semejanza a
Santana pero más inclinada hacia el jazz con extensos
pasajes instrumentales. Nuevamente la labor de Smilari es
sobresaliente pero deja suficiente espacio para los aportes
de los vientos y el lucimiento de la sección rítmica (el
bajo de Cevasco suena maravillosamente). En un estilo
totalmente diferente encuentro este segundo y último disco
de Cuero tan recomendable como el primero. No conozco de la
existencia de reediciones.
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Kubero Díaz
Kubero Díaz y La Pesada (1973)
El ex guitarrista de La Cofradía de la Flor Solar realiza su
correspondiente álbum solista con los miembros de La Pesada,
de la misma forma que lo hicieran, el violinista Pinchevsky,
el bajista Medina y el guitarrista Claudio Gabis. Acompañado
por estos miembros y por Isa Portugheis en batería y Miguel
Cantilo en voz realiza un disco con temas que por momentos
recuerdan a la obra de La Cofradía, pero en general más
orientado a un rock más poderoso, matizado con un par de
tonadas orientadas al folk. Díaz produce un catálogo de
impresionantes sonidos con su guitarra y el trabajo de
Pinchevsky alcanza el mejor nivel en temas como el
espectacular "Algo esta por Suceder" ó el instrumental
"Colgado de la nubes". Un disco recomendable.
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Ensamble Musical de
Buenos Aires
La Biblia (1971)
De las varias versiones de La Biblia de Vox Dei que se han
realizado, esta es probablemente la menos digna. Para la
realización de este álbum se reúnen una serie de músicos que
giran alrededor de Billy Bond y Jorge Alvarez. Se acompañan
por una orquesta dirigida por Pedro Ignacio Calderón con
arreglos de Gustavo Beytelman. El resultado no podía ser mas
desalentador. La orquestación, nunca bien amalgamada con el
resto de los músicos suena muy lejos de las experiencias
desarrolladas por bandas italianas en los primeros 70s (Il
Rovescio della Medaglia, New Trolls). Tal vez la referencia
más concreta sean los trabajos de John Lord con Deep Purple
a fines de los 60s, aunque los resultados distan enormemente
de los del grupo inglás. Participan miembros de La Pesada,
Sui Generis, Espíritu y otros. Los miembros de Vox Dei ni
siquiera fueron invitados a participar, Mi sugerencia es que
lo dejen pasar.
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Espíritu
Crisálida (1975)
Excelente disco debut de uno de los grupos pioneros del rock
sinfónico, abarcando texturas, ritmos y combinaciones
sonoras directamente emparentadas con las logradas por los
supergrupos europeos.
Con un estilo muy cercano a Yes, el grupo se constituye como
referente del sinfonismo local y abre el fuego apostando
fuerte con un rock progresivo cargado de melodías y arreglos
de buen gusto.
A lo largo de ocho temas, Espíritu desarrolla una verdadera
obra conceptual anuncia y sintetiza en "La casa de la mente"
el contenido del disco.
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Espíritu
Libre y Natural (1976)
Segunda placa de la banda de Favrot y Bergá con la
participación de Ciro Fogliatta a cargo de los teclados en
reemplazo del saliente.
Se trata de una nueva obra de corte "operístico" con el
agregado de algunas cadencias más blueseras y teclados más
filosos que se alejan ahora un poco del sonido Wakeman y le
otorgan más personalidad a los arreglos.
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Claudio Gabis
Claudio Gabis y La Pesada (1973)
Luego de la separación de Manal, Gabis viaja a Brasil. A su
vuelta, Jorge Ãlvarez del mítico sello Mandioca le ofrece
grabar un álbum. Para ello se reune con los músicos de La
Pesada: Alejandro Medina (su ex compañero de Manal) en bajo,
Jorge Pinchevsky en violín, Isa Portugheis y un músico
llamado Jimmy en batería, Kubero Días en guitarra y voz y
por supuesto, Billy Bond en voz y manejo de la consola de
grabación. Bajo la influencia de autores como Algernon
Blackwood, E. A. Poe y H. P. Lovercraft hace parte de las
letras. Otras como "El Blues del Terror Azul" están
inspiradas en la realidad sociopolítica del momento.
Musicalmente el album se pasea desde el rock furioso al folk
psicodálico, pasando inevitablemente por el blues con
ingredientes de improvisación libre y ritmos brasileños. Uno
de los temas "El Viaje de Lord Dunsany" (otro escritor de
literatura fantástica) es presentado en otra versión en la
banda sonora de "Rock Hasta que se Ponga el Sol". Excelente
tapa a cargo de Juan O. Gatti.
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Claudio Gabis
Claudio Gabis (1974)
Para este nuevo álbum Gabis cuenta con Medina, Pinchevsky y
Billy Bond nuevamente y se incorporan algunas figuras
invitadas como David Lebón en voz, Charly García en
teclados, contando con Juan Rodriguez y Black Amaya, ambos
en batería. Predomina el blues y las instrumentaciones folk.
El álbum no tiene la fuerza ni los aportes de improvisación
y psicodelia que se dejan ver en el primer disco. Tal vez lo
más destacable son los fabulosos solos de guitarra de Gabis,
pero seguramente el álbum no resultará tan interesante como
el anterior, salvo para los amantes del blues.
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Rodolfo Haerle
Situaciones (1976)
Ãlbum de corte intimista que cuenta con el fundamental
aporte de Litto Nebbia, quien en lo que a instrumentación se
refiere se encarga de teclados, bajo, batería y coros.
también intervienen los músicos del "Trio" Nástor Astarita
en batería y Jorge González en bajo entre otros invitados.
Además de Nebbia, participan en coros Alejandro de Michelle
y Miguel Angel Eurasquín de Pastoral. Estilísticamente el
álbum no difiere de la producción de Litto Nebbia en esa
ápoca. El aporte poático de Haerle es como ya comentá,
intimista y sin poseer una gran voz sale airoso cantando.
Buenas melodías y sin desmerecer los temas donde estas
predominan prefiero los que se extienden en las partes
instrumentales como "Simpleza del Amor por la Ciudad " ó
"Crónicas de la Madrugada". Recomendado para amantes dela
música de Litto Nebbia. No conozco de alguna reedición en
CD.
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Horizonte
Horizonte (1978)
La banda estaba en actividad desde 1975. Luego de tres años
y repetidas presentaciones en público logran grabar su
primer álbum recién en 1978. Al igual que Arco Iris o Aucán
incorporan decididamente ritmos folklóricos empleando
incluso instrumentos típicos como percusiones, quena o
charango. Sin embargo Horizonte se diferencia de estas
bandas al darle una fuerte presencia al rock progresivo
muchas veces de orientación sinfónica, siendo fundamental en
esta característica el rol de los teclados de Sergio
Vainikoff manejados con destreza y gran delicadeza. La
música de la banda es dinámica pero nunca estruendosa,
siempre con un muy agradable componente melódico. Las letras
tienen contenidos localistas como se delata a travás de
títulos como "Tierra del Indio", "Trigo maduro" o "Vidala
del Corazón". Altamente recomendable.
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Horizonte
Señales sin Edad (1979)
Un año más tarde Horizonte vuelve a sorprender con un
trabajo probablemente superior al demostrado en el disco
debut. Conservando los elementos autóctonos de su música que
explora los ritmos latinoamericanos, acentúan el camino
progresivo de su música. La fuerte presencia de los teclados
de Vainikoff del primer disco gana en calidad y logra un
excelente acople con los vientos y las guitarras. también el
bajo de Alfano hace notar su presencia entre las ajustadas
percusiones de Ojeda y Bloise. El ensamblaje entre los
ritmos folklóricos y los componentes modernos nunca se
siente forzado y la música parece fluir naturalmente
particularmente en los muy buenos pasajes instrumentales.
Definitivamente Horizonte tiene un sonido propio claramente
diferenciado de agrupaciones como Los Jaivas o Arco Iris.
Como el primer disco, una obra muy recomendable.
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Invisible
Invisible (1974)
Fabuloso álbum para el debut discográfico de la nueva banda
de Spinetta. Temas complejos con variedad de cambios
rítmicos con fuerte presencia del bajo y un excelente
trabajo de batería. La guitarra muestra una ductilidad que
no se había podido apreciar en Pescado Rabioso. Los pasajes
musicales están perfectamente estructurados en base al
equilibrio entre los instrumentistas, sin que Spinetta sea
el protagonista absoluto. Como ya es costumbre las letras
describen imágenes oníricas ó relatan historias
surrealistas. Cada uno de los temas es excelente sin que se
pueda destacar uno sobre otro. Desde los jazzeados "Jugo de
Lúcuma" ó "Irregular" hasta el instrumental "Tema de Elmo
Lesto", pasando por el clásico "Azafata del Tren Fantasma",
en el que presentan elevada intensidad a pesar de que
Spinetta toca una guitarra acústica, me es imposible
destacar alguno como favorito. La maravillosa tapa
corresponde a una obra de Escher. La edición en CD contiene
los dos pesados temas del simple que venía adosado al vinilo
original "La Llave del Mandala" y "Lo que nos Ocupa es esa
Abuela, la Conciencia que Regula el Mundo" y otros cuatro
temas de simples de la banda.
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Invisible
Durazno Sangrando (1975)
Si bien el disco presenta excelentes pasajes en "Encadenado
del Anima" (es particularmente hermoso el final de la
primera parte con el sintetizador String Ensemble sobre la
muy buena melodía) ó el clásico acústico "Durazno
Sangrando", me impresiona como una transición entre dos
excelentes álbumes. En "Encadenado..." utilizan una poesía
del padre de Spinetta, Luis Santiago, en "Pleamar de
Aguilas" Machi Rufino se ocupa de la primera voz. Un buen
disco, aunque no tan recomendable como los otros dos.
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Invisible
El Jardín De Los Presentes (1976)
"El anillo del Capitán Beto": un clásico del rock argentino
(durante años pensá que estaba dedicado a un jugador de
futbol del equipo favorito de Spinetta)."Los libros de la
buena memoria": una estremecedora melodía de cuatro acordes,
un bandoneón y una letra onírica movilizadora de emociones a
travás de las imágenes relatadas. "Alarma entre los
ángeles": Spinetta relega su protagonismo permitiándonos
apreciar la increíble calidad tácnica y artística de
Gubitsch. Cierra el lado 1 "Ruido de magia": un tema
acústico sin demasiada trascendencia. El lado 2 abre con
"Ruido de magia" muy buena canción de ritmo con cambios
sutiles y el aporte de un mellotron a las dos guitarras. En
"Doscientos años" reaparece el clima onírico en cuanto a
letra y melodía. "Niño Condenado" es el tema más fuerte del
disco alternando tramos apacibles con otros de gran
intensidad. Vuelta al tango y final con "Las golondrinas de
Plaza de Mayo", aunque todos sabemos que son palomas y no
golondrinas. Un hermoso álbum para la despedida de otras de
las magníficas bandas de Spinetta.
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La Cofradía de la
Flor Solar
La Cofradía de la Flor Solar (1971)
La ciudad de La Plata es la capital de La Provincia de
Buenos Aires, República Argentina. Una de sus substanciales
particularidades está dada por reunir jóvenes del interior
del país en la Universidad Nacional de La Plata. A fines de
los sesenta la dictadura militar de turno, comandada por el
infame Onganía produjo el desgraciado incidente llamado La
Noche de Los Bastones Largos. Luego de esos infortunados
sucesos se cierra el Comedor Universitario y se inicia la
persecución de los estudiantes.Un grupo de jóvenes de ambos
sexos de la Facultad de Bellas Artes decide iniciar una
experiencia comunitaria. Alquilan una casa y fundan La
Cofradía de la Flor Solar. Una de las actividades de la
agrupación era la música. La mayor parte de sus miembros
eran de Entre Ríos y deciden invitar a otros músicos de la
región. El 21 de septiembre de 1968 debutan en público.
Gracias a las conexiones de una de los integrantes de la
comunidad logran grabar una cinta el Buenos Aires, pero los
sellos discográficos de la ápoca no se interesan en el
estilo de la banda. Sin embargo el ambiente de vanguardia
incorpora a la Cofradía y es así que pronto llegan a montar
un espectáculo en el reducto avant garde por excelencia, el
Instituto Di Tella. La obra se llamó La Mezcladora de
Cemento. Mientras se narraba musicalmente la historia que
trataba de como una misión extraterrestre sucumbía ante el
consumismo, se proyectaban audiovisuales. Gracias a esta
aventura consiguen grabar un simple con los temas: "La Mufa"
y "Sombra Fugaz por la Ciudad". La falta de promoción hizo
que los temas pasaran desapercibidos. Quedan ligados por un
tiempo a un contrato, que por fortuna finalmente se
rescindió.Conocen a Billy Bond, un cantante pop de aires
rebeldes que gozaba de cierta popularidad y que finalmente
torna hacia el rock. Gracias a sus relaciones logran
publicar el tema Juana en un compilado del mítico sello
Mandioca. Cuando Billy Bond logra reconocimiento con su
banda llamada La Pesada del Rock and Roll los continúa
apoyando hasta que llegan a conseguir 20 horas de grabación
en el sello Microfón. En este módico tiempo graban un LP. En
el álbum tocan Kubero Díaz en guitarra y canto, Morcy
Requena en bajo y voz, Manija Paz en batería junto con un
grupo de colaboradores. Blues psicodálico, improvisación
(zapadas), canciones pastorales, rock con intensos riffs,
letras oníricas y climas lisárgicos con la guitarra de
Kubero omnipresente. La Cofradía había logrado tocar en
varios shows y festivales durante 1969 y 1970, logrando por
fin la merecida aprobación del público. El álbum ve la luz
en 1971. Realizan la presentación del LP en Buenos Aires.
Finalmente, mientas iban en ascenso la intolerancia hace que
la policía allane la casa de la Cofradía. La vida en
comunidad no estaba bien vista en una ciudad como La Plata.
Se extravían los instrumentos y fundamentalmente la
comunidad que daba el sustento inspirador a la banda se
desbarata. Los miembros del grupo no logran reunirse para
continuar el proyecto musical y La Cofradía de la Flor Solar
se transforma en un mito del rock argentino.
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La Maquina de Hacer
Pájaros
La Máquina De Hacer Pájaros (1976)
En el último álbum de Sui Generis, Charly García muestra
claramente su inclinación hacia el rock progresivo. Con
temas nuevos y algunos compuestos durante la existencia de
SG, García encara un trabajo ubicado plenamente en la
vertiente progresiva. Para esto se une a Oscar Moro, ex
baterista de Los Gatos, Carlos Cutaia, ex Pescado rabioso,
Josá Luis Fernández, quién era guitarrista del proyecto
original que posteriormente dio a luz a Crucis y al
guitarrista Gustavo Bazterrica. Juntos gestan esta obra
fundamental de la progresiva argentina. "Bubulina" era un
tema de SG, con una muy buena melodía y una instrumentación
dónde se destaca el trabajo de dos teclados y el poderoso
bajo de Fernández.""Como mata el viento norte" cuenta en
coros con Nito Mestre, cantante de SG, lo que junto a las
características del tema no lo alejan mucho de los temas de
la última etapa del dúo. exploran una vertiente más
energática en "Boletos, pases y abonos" y el poderoso final
("Crucial") cuenta con la colaboración de guitarra de Pino
Marrone, de Crucis. Los teclados se apartan un poco para el
lucimiento de la base rítmica y la guitarra en otro tema
potente llamado "No puedo verme". "Rock" define muy bien al
tema que sigue, que se inicia con una corta y delicada
melodía para dar paso a un rock and roll básico con algunos
pasajes de instrumentación de teclados. "Por probar el vino
y el agua salada" es un tema inclinado hacia lo acústico,
que también podría ser considerado típico de SG. El final lo
marca "Ah te ví entre las luces" o como era su título
original "Sh", con su suave melodía inicial que
progresivamente se intensifica a travás de hermosos arreglos
instrumentales para dar paso a un final dónde toda la banda
trabaja con gran intensidad. Uno de los momentos más
elevados y bellos en la producción del controvertido Charly
García. .
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La Maquina de Hacer
Pájaros
Películas (1977)
Segundo y último álbum de este supergrupo argentino que
originalmente se iba a llamar "(Quá se puede hacer salvo
ver) Películas".
Con un Charly García marcadamente más rockero y una amplia
paleta de recursos progresivos en las manos de Carlos
Cutaia, La Máquina de Hacer Pájaros se muestra como un grupo
consolidado y con un fuerte perfil innovador.
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David Lebón
David Lebón (1975)
David integró la primera formación de Pappo's Blues como
bajista, participó del primer álbum y de "Buenos Aires
Blues" con La Pesada, fue baterísta del primer Color Humano
y nuevamente bajista en Pescado Rabioso (luego sería
guitarrista y cantante de Polifemo y Serú Girán, y
brevemente participaría como tecladista de Espíritu). Con
estos antecedentes era de esperarse un disco al menos
interesante. Sin embargo más allá de una intensa zapada
("Envases de Todo") y un casi hit ("Dos edificios dorados",
en versión menos atractiva que la aparecida en "Música del
alma"), el disco no alcanza en ningún momento un gran nivel
aportando blues y rocks básicos y canciones, algunas
agradables y otras insípidas como "Tema para Luis" en la que
hace públicas sus diferencias con su ex compañero de Pescado
Rabioso, Luis Alberto Spinetta. Participan músicos de la
órbita de La Pesada como Alejandro Medina en bajo, Isa
Portugheis y Black Amaya en batería, además de Pappo en
guitarra y Charly García en teclados.
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Los Gatos
Los Gatos (1969)
Reseña completa de los Gatos y Lito Nebbia.
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Los Gatos
Beat N° 1 (1970)
Reseña completa de los Gatos y Lito Nebbia.
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Manal
Manal (1969)
Manal es uno de los grupos fundacionales de rock argentino,
junto a Los Gatos y Almendra. Si bien se desarrollaron
dentro del blues, no se deben dejar de apreciar las visibles
raíces autóctonas. Como todas las bandas de los 70s cantaban
en castellano, pero además las líricas estaban orientadas
hacia temas netamente argentinos y más que tangencialmente
relacionadas al tango. La descripción urbana de "Avellaneda
Blues" o "Avenida Rivadavia", el relato de "Una Casa con 10
Pinos", que habla del lugar hacia donde los músicos de la
banda solían escapar, el discorfomismo juvenil de "Jugo de
Tomate" ó "Todo el Día me Pregunto" con la inconfundible voz
de Martínez acompañando a una instrumentación de batería,
bajo y guitarra casi básica pero de impecable ejecución, en
ocasiones matizada por Gabis en órgano. Quienes busquen
instrumentaciones orientados a lo progresivo, deben dejar
pasar este álbum. Pero quienes quieran comprender el
fenómeno musical argentino tiene aquí un ítem
imprescindible.
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Manal
El León (1970)
Segundo LP de este grupos pilar del rock argentino
Aún dentro de la contención del sello Mandioca y con la
dirección de Jorge Alvarez, Manal redefine el estilo del
blues criollo amalgamando con precisión la potencia del trío
con la magia de la poesía urbana de Javier Martínez.
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Manal
Manal (1973)
En 1973 se reedita el álbum original con los temas
contenidos en los simples que fueron editados en el mítico
sello Mandioca, conformando el conocido
álbum doble de Manal (que tiene versión en CD), destacándose
temas clásicos como "No Pibe" ó "Para ser un Hombre Más". Un
excelente álbum de R&B y Blues Argentino.
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Materia Gris
Ohperra Vida de Beto (1972)
Este álbum es la única producción de la banda. Presentada
con el formato de ópera rock, se destaca el muy buen trabajo
instrumental de los miembros. Un base muy ajustada con
Riganti, quien posteriormente sería el baterista de alas y
Constanzo que no deja un hueco libre con su insistente bajo.
Rapetti presenta interesantes solos. Si bien aparecen
invitados como Litto Nebbia en teclados y Bernardo Baraj en
vientos, el predominio de las guitarras es neto. Rock de
intenciones progresivas con algunos aires psicodálicos y
ocasionales ritmos folklóricos. Un disco muy recomendable.
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M.I.A.
Transparencias (1976)
"Reencontrando el camino" es un tema con Bevis en bajo,
Vitale en batería y del barrio en piano acústico. En el
"Casamiento de Alicia" Vitale cambia el rol con del Barrio y
toca órgano y sintetizador al mejor estilo de los tríos de
bajo, batería y teclados, pero demostrando una personalidad
propia y una brillante capacidad en la ejecución. En "Imagen
II" no participa del Barrio y si Curto en guitarra acústica y
Liliana en flauta y percusión. Es un tema delicado que
incluye una cita del Preludio #1 de Bach. Vuelven a la
formación de trío con teclados en "Contrapunto rítmico", con
Vitale en batería y del Barrio en teclados, incluye solo de
bajo de Belvis y de batería de Vitale. En estos temas más
energáticos no pierden el objetivo de jerarquizar la línea
melódica. Para la sonata cíclica "Transparencias" de más de
20 minutos de duración se incorpora Liliana en batería,
flauta y voz. Se escuchan pasajes pastorales, clásicos,
electrónicos y un final de sonido "Floydiano". Si hay algo
criticable es la voz de Liliana que no se integra al
contexto de la obra. La edición en CD trae 4 bonus tracks
con un total de más de media hora, tomados del álbum
"Conciertos" de 1978. Tres son temas de piano solista en
manos de Vitale y el cuarto un tema de fuerte inclinación
jazzistica con Bevis en bajo y Kike Sanzol en batería.
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M.I.A.
Mágicos Juegos Del Tiempo (1977)
El segundo álbum de la asociación cooperativa MIA, relata en
el lado 1 del LP original "las últimas vivencias de una
niña, antes de su paso a la adolescencia", es por lo tanto
una obra introspectiva con canciones de una textura delicada
aunque con un aporte melódico no totalmente logrado y con
demasiada presencia de voces. El lado B "presenta dos de los
temas pertenecientes a Elegías y romanzas y otros dos
pertenecientes a la Cantata Profana Saturno". El primero de
estos temas muestra la inclinación al jazz de los
integrantes de MIA, el segundo es una canción casi pastoral
de aires españoles, con mellotron y un pasaje más intenso
con sintetizadores. El último tema es una arreglo coral con
Viatle en órgano. En mi opinión el álbum más flojo de esta
agrupación. Poseo edición en vinilo e ignoro el contenido
del CD en cuanto a bonus tracks.
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M.I.A.
Cornonstipicum (1977)
La agrupación llega a una madurez compositiva. Desfilan a lo
largo del álbum una serie de temas con ingredientes de jazz,
música clásica, rock e incluso de folklore en una perfecta
amalgama difícilmente clasificable que personalmente incluyo
dentro de la mejor música progresiva. La calidad
interpretativa de los músicos también se ha afianzado
enormemente, las voces esta vez
funcionan a la perfección. Vitale en los teclados demuestra
que está lejos de envidiar a los mejores exponentes del rock
progresivo internacional a pesar de sus diecisáis años y da
muestras de un virtuosismo infrecuente. La calidad de los
temas del disco es constante, pletórico de cambios rítmicos
y armonizaciones complejas, es un álbum imprescindible para
los amantes del gánero que no se conforman con
convencionalismos. La edición en CD de Ciclo 3 trae cuatro
Bonus Tracks extraídos del álbum "Conciertos", grabado en
vivo en el teatro Santa María en 1978.
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Alejandro Medina
Alejandro Medina y La Pesada (1974)
Varios de los miembros de La Pesada tuvieron su propio
disco, y en mi opinión estas producciones superaron en
general a los que llevaron como crédito de tapa a Billy Bond
y La Pesada. Acompañado con es lógico por Gabis y Kubero
Díaz en guitarras y Jorge Pinchevsky en violín, con
bateristas como Pomo y Juan Rodríguez y , por supuesto, con
Billy Bond como tácnico, logra un álbum que presenta desde
un rock a veces desquiciado y envolvente hasta tonadas folk
pasando por psicoblues con toneladas de guitarras y
distorsiones. La gruesa voz de Medina se desgarra en los
momentos de mayor excitación, aunque debe decirse que no se
nota una mayor preocupación en las letras. Recomendable para
amantes de rock duro y el blues. Tapa por Juan O. Gatti.
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Montes
Cuando brille el tiempo (1974)
"Cuando brille el tiempo" es el único LP producido por esta
banda liderada por Jorge Montes (también conocida como
Montes Mahatma). Una realización con altibajos, orientada
hacia el rock que cuenta con una sólida base en manos de
Oneto y Salazar, sobre la que Montes despliega su potencial
en la guitarra, donde demuestra algunas influencias de
Hendrix (los efectos del tema final parecen homenajearlo).
Lamentablemente algunos de los temas son bastante insípidos
("En el Camino de Dios hacia el Sol", "Arde Roma") y solo
sobresalen los pasajes instrumentales con los solos de
guitarra, quitándole coherencia a la obra. Prefiero temas
como "Cuando Brille el Tiempo" ("Hoy") ó "Arco Iris dónde
Estás" con sus introducciones baladísticos que migran al
pleno desarrollo energático. Aparecen como invitados Alex
Zucker (luego en Alas) en bajo, Eduardo Pipman en batería y
Sergio Goffar en piano eláctrico.
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Gustavo Montesano
Homenaje (1977)
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La Pesada del Rock
& Roll
Billy Bond y La Pesada (1971)
Billy Bond era a fines de los 60s un "rockero rebelde" de
saco y corbata que solía aparecer en el programa de TV
"Escala Musical". Poco tiempo después, siendo uno de los
dueños del mítico reducto "La Cueva", establece relaciones
con numerosos músicos. Con ellos graba el primer álbum de La
Pesada: Pappo, David Lebón , Nacho Smilari y otros en
guitarra; Javier Martínez, Cacho Arce, Pomo y otros en
batería; Vitico, Spinetta y otros en bajo. Billy Bond se
encarga de las voces y de la grabación. Marcelo Camerlo en
su libro da cuenta del plagio a Hendrix en "Cada día somos
más". Dejando esto de lado el álbum es variado e
interesante, con abundante rock, blues en una recurrente
atmósfera psicodálica, con letras sarcásticas. Las
composiciones se reparten entre la enorme cantidad de
músicos que aparecen en el álbum además de algunas letras de
Pedro Pujó, Pajarito Zaguri y Jorge Ãlvarez.
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La Pesada
Buenos Aires Blus (1972)
Presentado como La Pesada a secas (sin el Billy Bond en
título, aunque sí con su presencia) con una formación
integrada por Kubero Díaz y David Lebón en guitarra, Black
Amaya y Jimmy en Batería, Rinaldo Rafanelli y Alejandro
Medina en bajo, Billy Bond, Javier Martínez y la cantante de
jazz Donna Carol en voz y Oscar López Ruiz en arreglos
orquestales y varios invitados. Comienzan con un excelente
"Toda de Gris", combinación de jazz y blues con toques
tangueros y arreglos orquestales con Carol en la voz. Se
asoman a la experimentación en "Linda Ciudad" y a partir de
aquí salvo por un tema con sobregrabaciones callejeras y de
programas radiales de tango, insisten en una serie de blues
dentro de lo que se puede destacar "Entonces quá" con la voz
del ex Manal Javier Martínez muy bien acompañado con piano y
saxo. Terminan con "Ruca" una parodia a las letras de las
bandas "complacientes" de la ápoca. Uno se queda pensando
por que no redondearon con mayor originalidad el álbum luego
de su excelente introducción.
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La Pesada del Rock
& Roll
Billy Bond y La Pesada. Vol 2 (1972)
Ahora con Medina en bajo, Pappo y Kubero Díaz en guitarra,
Martínez y Gambolini en batería y Pinchevsky en violín.
Rocks + Blues + Rocks + Rocks = Billy Bond y La Pesada, reza
la tapa, y no miente, ese es el contenido. Algunos temas se
destacan por su potencia y en general por la muy buenas
guitarras de Kubero y Pappo ("La Pálida Ciudad" y
particularmente " La Máquina de Matar"), el resto no es muy
trascendente. Entre los temas se reitera una cortina con
Pinchevsky en violín y Pappo en piano. Cierran con una
versión de la Sanmartiniana "Marcha de San Lorenzo".
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La Pesada del Rock
& Roll
Tontos (1972)
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La Pesada del Rock
& Roll
Billy Bond y La Pesada. Vol 4 (1973)
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Pescado Rabioso
Desatormentándonos (1972)
Para este álbum intervienen Frascino, Amaya y Spinetta.
Cutaía solo como invitado y con escasa participación,
tocando solo en "Serpiente", uno de los mejores momentos del
disco. El contenido musical está inmerso en una atmósfera
psicodálica, pero variando desde la energía rockera de "Algo
Flota en la Laguna" o "Blues de Cris" (dedicado a la
"Muchacha Ojos de Papel" de Almendra) hasta el clima
reposado de "Dulce 3 Nocturno". Spinetta demuestra su placer
en ejecutar riffs de guitarra, probablemente producto de su
relación con Norberto "Pappo" Napolitano. Definitivamente
Spinetta no está en su punto más alto con las líricas. Muy
buen arte de tapa de Jorge Visñovezky, acorde al contenido
del disco. La edición en CD contiene temas de dos simples
posteriores, todos clásicos de la banda: "Me gusta ese
Tajo", "Despiertate Nena" y "Post Crucifixión". Estos dos
pueden verse en vivo en el film "Rock hasta que se Ponga el
Sol" o escucharse en su banda sonora.
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Pescado Rabioso
Pescado 2 (1973)
Es difícil hablar en pocas palabras del contenido de este
álbum. Por eso me limitará a decir que es una de las obras
más representativas del rock argentino y por ende de la
música de Spinetta en los 70s. La banda ahora con Lebón en
bajo y la incorporación de lleno de Cutaia, desarrolla un
estilo iniciado en el anterior álbum, pero aquí con mayor
vuelo y despliegue. A esto hay que agregar la definitiva
adscripción de Spinetta a esa peculiar forma de surrealismo
en sus letras. El álbum es parejo en calidad aunque por
nombrar algunos temas puedo decir que la intensidad de
"Petiribí" o "Sombra de la Noche Negra" son desbordantes con
un exitante interjuego de guitarra y órgano. Me apena que
Spinetta mismo calificara luego de años como "aberración" a
este último tema ( ver libro "Como Vino la Mano" de Miguel
Grimberg). Los mejores momentos de reposo se pueden escuchar
en "Madreselva" y el pasajes de la hermosa "Cristálida", con
arreglos orquestales de Cutaia. Originalmente concebido como
doble vinilo, está reeditado en un solo CD con el contenido
completo de la obra. Imprescindible.
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Pescado Rabioso
Artaud (1973)
¿Pescado era solo Spinetta?¿Los músicos eran sólo
instrumentos del "Flaco"? El porquá de firmar el álbum con
el nombre de PR en lugar de con su propio nombre nunca se ha
aclarado. La música es despojada pero conserva la esencia,
el sentido y un anacronismo comparable al que tiene Barrett
fuera de Pink Floyd. La exploración poática de Spinetta más
que nunca recala en el surrealismo y de a momentos la música
parece sólo un envase para contener sus palabras (escuchar
"Por"). Es cierto que el Pescado de los anteriores discos
retorna en "Superchería" o en "Cementerio Club" pero la
introspección predomina y la guitarra acústica es el
instrumento preferido. Sin embargo Spinetta se da el gusto
de experimentar con el sonido en "Starosta, el Idiota",
donde incluye un sampler (ahora de decimos así) de The
Beatles en una elección para nada casual. Por si todo esto
fuera poco "Bajan" es uno de los temas más hermosos que he
escuchado. La cubierta original tenía la forma de la imagen
que aparece en verde, tratando de reflejar la peculiar
visión de la realidad contenida en el álbum. Decir que este
es un álbum progresivo es tan complejo como afirmar que la
obra toda de Spinetta es progresiva.
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Piel de Pueblo
Rock de las heridas (1972)
Pajarito Zaguri es un personaje presente en el rock
argentino desde sus inicios, aunque no haya logrado un
reconocimiento masivo. Miembro de los míticos Beatniks y las
más tarde de otra banda legendaria: La Barra de Chocolate,
se reencuentra con su antiguo compañero en este último grupo
Nacho Smilari, quien tuvo un paso por Vox Dei luego de la
salida de Juan Carlos Godoy. Sobre una correcta y en
momentos muy buena base de rock brindada por la dupla
Calabró - Pedemonte, dan rienda suelta a la expresividad de
la guitarra eláctrica con todo tipo de aditamentos.
Generalmente Zaguri se encarga de la guitarra rítmica, pero
los mejores momentos son aquellos en los que se animan al
duelo de guitarras enfrentando sus solos. En dos de los
temas participa Háctor López Furst en violín, otorgando un
toque de sutileza ante tanto rock duro. Zaguri se las
arregla para darle expresividad a sus letras politizadas.
Más que aceptable para amantes de esta vertiente del rock. .
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Jorge Pinchevsky
Jorge Pinchevsky
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Raúl Porchetto
Cristo Rock (1972)
Billy Bond y La Pesada, abarcaron en aquellos años
cuanto estilo podía imaginarse dentro del rock: la
canción para adolescentes de Sui Generis, el engendro
sinfónico de la nueva versión de La Biblia, el rock &
roll de los álbumes de Billy Bond, o la fusión
blues-tango-jazz en el álbum Buenos Aires Blues. El
eclecticismo de esta agrupación queda reafirmado en este
proyecto de resultado irregular con muy buenos momentos debidos a la
participación de Charly García en órgano y Claudio Gabis
con su guitarra endemoniada (si vale el termino en un
álbum que lleva semejante título). Fuera de estos
interesantes pasajes de rock progresivo la obra presenta
algunas canciones de corte pastoral, baladas orquestadas
y ciertos intentos de experimentación. Letras que tratan
sobre la tergiversación del mensaje de Jesús. Debo
admitir que no me gusta como canta Porchetto y me
resulta algo molesto tanto manierismo. Cuenta la leyenda
que la obra fue compuesta en tres días (y no tengo
motivos para no creerlo). Participan además de los
nombrados Alejandro Medina y Cacho Lafalce en bajo, Moro
y Jimmy en batería, Kubero Díaz en guitarra y otros. Los
arreglos de cuerdas pertenecen a Charly García y la
dirección orquestal a Gustavo Beytelman.
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Raúl Porchetto
Porchetto (1976)
Segundo álbum solista de Porchetto realizado en forma más o
menos contemporánea al proyecto Por Sui Gieco, en el que
participa junto a los miembros de Sui Generis y León Gieco
en una suerte de "supergrupo" acústico, y posteridad a Reino
de Munt, banda que no llegó a a grabar. Incluso parte del
material, como el brillante "La Batalla del Rey y los
Angeles" pertenecen al repertorio de esta banda. Aquí
Porchetto se orienta más decididamente al rock progresivo.
Cuenta entre las filas de su banda con el virtuoso
guitarrista Lito Epumer, ex miembro de la mítica banda Madre
Atómica, Eduardo Criscuolo que se encarga del bajo,
guitarras y melloton, Roberto Pardiñas en batería y flauta y
Alejandro Lerner en teclados. Ha trabajado mejor las líneas
melódicas de las partes cantadas disimulando algo la
insistente afectación de su voz. El trabajo de Lerner es
bueno y el de Epumer es sencillamente brillante. El
resultado final es una obra con buenas melodías, muy
agradables instrumentaciones, que el algún momento pueden
recordar a Genesis, pero que en general desarrollan un
estilo bastante personal. En mi impresión lo mejor de
Porchetto. Durante el 2001 este álbum y el que le sigue,
Chico Cósmico fueron reeditados juntos en CD doble bajo el
nombre de "Archivos EMI, Porchetto".
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Raúl Porchetto
Chico Cósmico (1977)
Un álbum de canciones delicadas unidas por un hilo
conceptual. Con instrumentaciones sofisticadas, cuenta otra
vez con un excelente guitarrista, en este caso Luis Borda de
Ave Rock, quien además se encarga del sintetizador Moog,
compartiendo la tarea con el mismo Porchetto. El bajo está a
cargo de Francisco Ojsterseck, en la batería Osvaldo Valls y
Daniel Volpini y en la dirección orquestal el magnífico
Rodolfo Alchourron, más un extenso número de invitados. Muy
buena calidad de grabación a cargo de Josá Soler y Carlos
García. Si bien las composiciones no son tan atractivas como
en el anterior álbum, la calidad de la realización las
eleva, destacándose algunos muy buenos momentos como en "Luz
Marrón", "Hombre intergaláctico de hace 7.000 años" o "baila
Payaso".
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Rayuela
Rayuela (1977)
Integrado por Marcelo Morano en teclados, András Goldstein
en guitarra y voz, Willy Camping en bajo y voz, Guillermo
Nojechowicz en batería y voz y Eduardo Beristein en vientos
y percusión. Desarrollan en el álbum estilos que van desde
baladas bellamente instrumentadas ("Los Últimos Grillos",
"Vendrá con el Viento, tema muy agradable") hasta fusión de
jazz y rock ("Aáreo") coronado con temas de intenciones
claramente progresivas ("Acaso Tu Crees, Que No Me Di Cuenta
Que Te Fuiste Hace Diez Años", instrumental, uno de los
puntos más altos del álbum). La calidad de la
instrumentación es más que aceptable, con destacados
trabajos de teclados (sintetizador, piano, órgano) y saxos.
La calidad cae cuando se acercan demasiado al blues
("Vientos de Calma") o cuando en sus incursiones jazzísticas
se aproximan demasiado al funk y ritmos latinos. Encuentro
recomendable este único trabajo discográfico de Rayuela. No
ha sido reeditado en CD.
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Relax
Padre (1975)
Varios de los temas del álbum están construidos sobre un
fraseo o riff sobre el que, con algunas temáticas
secundarias (Al Umbral del Futuro) o sin ellas (Correr el
Tiempo) la guitarra de Grasso desarrolla solos a veces
interesantes, en ocasiones solo discretos. Este tipo de
construcción es algo limitante en el desarrollo musical,
pero es contundente, muy "rockero" y personalmente lo
disfuto. Otros temas presentan un mayor áxito expresivo a la
vez que un desarrollo algo más complejo (Padre un Amigo que
se Fue), es interesante escuchar el jugueteo entre las dos
guitarras una haciendo solo y la otra intentando escapar del
mero riff para trazar un esbozo de línea melódica. también
hay algún acercamiento a ritmos jazzeros. La banda nunca
alcanzó notoriedad y produjo solo este álbum. Tal vez
analizando factor por factor no concluyamos en que sea una
producción musical sobresaliente, sin embargo siento que
visto en su conjunto es aceptable y que vale la pena
escucharlo.
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Rockal y la Cría
Salgan del Camino (1973)
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Sacramento
Sacramento (1972)
Separados Los Gatos, el baterista Moro acompaña a Litto
Nebbia en diferentes proyectos como Nebbia’s Band y
Huinca. Por su parte el bajista Alfredo Toth y el
tecladista Ciro Fogliatta se unen al baterista Roberto
López (ex Walkers) y Ricardo Jeliciá en bajo. Alfredo
Toth, como en los últimos tiempos de Los Gatos, tras la
salida de Pappo se encarga de la guitarra. El LP esta
integrado por once temas de influencias variadas pero
con una recurrente cercanía a Traffic, con buenas
melodías e instrumentaciones. Toth presenta un correcto
trabajo, particularmente en guitarra acústica y
Fogliatta, con el piano y predominantemente con el
órgano es quien conduce el frente melódico, con momentos
destacados aunque estos no abunden. Un álbum bastante
agradable con un lado A bastante más interesante que el
B, más monótono. Se ha reeditado en CD. En el libro de
Marcel Camerlo, The Magic Land, se comenta sobre la
grabación de un segundo álbum que nunca fuera editado.
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Seru Giran
Seru Giran (1978)
Album debut del cuarteto formado por Charly García y
David Lebón en Brasil, cuando luego de lanzarse a
componer deciden convocar a Oscar Moro para la batería y al juvenil
Pedro Aznar para ocuparse del bajo.
El resultado fue más que asombroso. La complementación
de los cuatro dio pie a una seguidilla de composiciones
y arreglos que con la colaboración de Billy Bond en el
papel de manager y tácnico de consola le permite al
cuarteto grabar un disco "redondo" en todos los
aspectos. Ocho temas robustos y complejos con tres
canciones que terminan siendo clásicos: "Seminare",
"Eiti Leda", "Voy a mil" y los también celebrados
"Autos, Jets, Aviones, Barcos" y "El mendigo en el
andán"
Los coros de García, Lebón y Aznar junto a las bellas y
pegadizas líneas melódicas inclinan a la prensa y al
público a bautizarlos "los Beatles argentinos".
Tácnicamente, la percusión Moro es el complemento
perfecto a los suaves rock y blues progresivos de García
y Lebón; la voz de Charly envuelve y conmueve, la de
David se multiplica en timbres y potencias, Pedro hace
proeza tras proeza con su bajo fretless y además aporta
maestría con los teclados complementarios.
Hay una fuerte influencia de Genesis en Charly que se
nota en algunas de las orquestaciones pero que no
empañan este gran trabajo de una de las bandas más
importantes de todos los tiempos en el rock progresivo
argentino.
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Seru Giran
La Grasa De Las Capitales (1979)
Arrancando con el tema que le da nombre a la placa este
segundo disco de SG es la piedra fuundamental de su
estilo, ahora maduro y personal -aunque guardando un
guiño a anteriores producciones de García-.
Ahora son nueve los temas entre los que hay que destacar
"La grasa...", "Perro andaluz", "Viernes 3 AM" y
"Canción de Hollywood". Hay cortes, cambio de ritmo,
instrumentación compleja y armonías sumamente logradas
en un repertorio realmente parejo y de alta calidad.
Los teclados de Charly trabajan aquí más en función de
los temas y la guitarra de David posee un rol más
destacado en los colores y climas. La base rítmica por
su parte, vuelve a descollar con un trabajo impecable de
Moro y la destreza de Pedro que maravilla con su bajo
cantarín.
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Seru Giran
Bicicleta (1980)
Desde lo tácnico y compositivo probablemente el mejor
disco de Seru.
Bicicleta fue presentado en vivo con grandilocuencia, un
decorado impresionante y un sonido acorde a la calidad
del evento presagiando el áxito del disco. Nuevamente
ocho composiciones cuidadosamente elegidas para
balancear la fuerza del rock, el ritmo del funk, el
sombrío clima de la experimentación sonora, la poesía
crítica y el arsenal de arreglos y sonoridades que se
trae el cuarteto.
Además de la imponente intro de "A los jóvenes de ayer"
el encomiable trabajo del dúo Moro-Aznar se destaca en
"Cuánto tiempo más llevará" (clásico absoluto de la
banda), "Tema de Nayla" y el dylanesco "Encuentro con el
Diablo". No obstante la majestuosa interpretación de
Aznar en su composición "Luna de marzo" o la sublime
inspiración de García en su bellísmo "Desarma y sangra",
las palmas se las lleva uno de los mejores temas del
rock nacional: "Tema de Alicia en el país", en donde
encontramos, además de una exquisita composición
clásica, uno de los picos creativos de Charly en una
poesía que encierra en el surrealismo la más brutal
crítica a la situación político-social del país.
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Seru Giran
Peperina (1980)
Otro LP llamado a ser exitoso, transitando con seguridad
por el camino ya establecido por la banda. Cambios de
ritmo, fuerza, sorpresa, musicalidad, grandes solos,
coros perfectos, una poesía crítica costumbrista son
algunos de los ingredientes que hacen de Peperina una
obra destacable.
Cuatro canciones: "Parado en medio de la vida",
"Esperando nacer", "Cinema Veritá" y "Salir de la
melancolía" serán reclamadas y coreadas por el público
en cada presentación del grupo. Una nueva composición de
Aznar "Lo que dice la lluvia" trae con emotividad un
tono contemplativo mientras que "Josá Mercado" devela
las reales preocupaciones de la clase media argentina
con su andar oscuro y su lírica corrosiva.
Son para destacar las progresiones de acordes abiertos
del tema "Peperina" en el que Charly entrega una muestra
gratis de las estructura lógica y armónica que
predominará a futuro en su composición.
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Seru Giran
No Llores Por Mi Argentina (1982)
Decidida la separación del grupo, principalmente por un
agotamiento en las relaciones pero amparados en la
inminente partida a USA de Pedro Aznar, quien se sumaría
a las filas del Pat Metheny Group, el cuarteto realiza
una serie de conciertos de "despedida" en el mítico
escenario del Estadio Obras Sanitarias, de los cuales se
extraen los diez temas grabados en vivo que integran
este disco.
A las canciones ya tradicionales se les agrega en este
caso el inádito tema que da título al disco y una
versión muy zafada de un clásico beat de los años '60,
originalmente ejecutada por Johnny Tedesco, un
integrante del 'Club del Clan' y convertida aquí en un
furioso rock and roll.
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Síntesis
Síntesis (1976)
Integrado por Josá A. Migoya en guitarra, Juan C. Ricci
en batería, Julio Cusmai en batería, con la
colaboraciones de Sergio Polizzi en violín, Mariano
Zarich y Cachi Ferreyra en saxos, Santiago Aldana en
clarinete, Oscar Tissera en flauta. Provenientes de la
ciudad de Rosario, despliegan un rock progresivo con
muchos ingredientes de jazz y blues y apenas alguna
aproximación sinfónica. Las composiciones son
íntegramente instrumentales y se destaca el liderazgo de
la guitarra con atinados arreglos de cuerdas y vientos.
Como curiosidad, este recomendable álbum se registró en
dos días, el primero de ellos coincidente con el golpe
militar que instalo una de las más sangrientas
dictaduras que asoló a la Argentina. Los seis temas no
llegan a ocupar media hora de registro. Aún así el álbum
es recomendable, pero es otra de las tantas obras que no
ha sido reeditada en CD.
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Soluna
Energía Natural (1977)
Ya fuera de Arco Iris Santaolalla encara este proyecto
acompañado por Gianello y un numeroso grupo. Dejan de
lado los ritmos folklóricos y encaran un estilo de folk
rock. La banda ensayo varios meses, bajo la estricta
disciplina impuesta por Santaolalla, antes de debutar en
público. Se destaca el extremo cuidado de las voces y la
delicada instrumentación en la que se combinan
adecuadamente las instrumentaciones eláctricas y
acústicas. El trabajo de Polizzi en el violín es
excelente. Santaolalla está correcto con su guitarra que
ya no suena tan ácida como en Arco Iris. Sobresalen
temas como "Espárame encendida" y "Voy a hacer las
pases" en donde se conjugan buenas melodías y cuidadas
armonizaciones. Lamentablemente no tuvieron la
repercusión esperada y al poco tiempo se separaron
dejando este único álbum como testimonio
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Luis Alberto Spinetta
Spinettalandia y sus Amigos (ó "La Búsqueda de la
Estrella" ó Almendra") (1972)
Spinetta tenía un contrato que lo ligaba a su sello
grabador. Con los aportes de varios músicos amigos graba
este álbum en 30 horas. Participan Pappo, Miguel Abuelo,
Victor Kesselman, Elisabeth Vierner y Pomo. Fue definido
años más tarde por Spinetta como "una cosa gitana, o
hippie, mejor dicho". Varios de los temas son de corte
experimental con altas dosis de improvisación, pasando
de canciones al estilo de Almendra hacia ritmos folk
ciertamente inmersos en un clima hippie. Pero también
está presente el rock duro en temas como "Era de Tontos"
ó "Castillo de Piedra", que posteriormente Pappo
incluyera en el volumen 2 de Pappo's Blues con el nombre
de "Hay Tiempo para Elegir). Spinetta está en busca de
un estilo que desarrollará plenamente durante su ápoca
en Pescado Rabioso
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Luis Alberto Spinetta
A 18' del Sol (1977)
Pasan 5 años, con Pescado Rabioso e Invisble en el
medio, para que el "Flaco" realice otro álbum solista.
Aunque debe tenerse en cuenta que "Artaud" no es en
realidad un disco de Pescado sino una obra personal.
Spinetta había tenido algunos acercamientos al jazz rock
durante los tiempos de Invisible. Sin embargo esto no
había pasado de un cierto coqueteo con el estilo. En
este álbum puede decirse que establece una relación
estrecha. Decidido a jerarquizar los pasajes musicales
trabaja con Diego Rapoport en teclados, Osvaldo López en
la batería Machi en bajo. En el tema que abre el álbum,
"Viento del Azur" cuenta con Marcelo Vidal en bajo y
Gustavo Spinetta en batería. Sin dejar de lado las
canciones nos ofrece las excelentes melodías de "Toda la
Vida Tiene Música" y "Canción para los Días de la Vida"
en la que retoma brevemente una instrumentación más
acústica. El disco es excelente aunque muy diferente de
la obra previa de su autor y un punto de inicio para la
música que consolidaría en los 80s con la agrupación
Jade.
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Sui Generis
Vida (1972)
Primer disco de SG, grabado con todo el apoyo del sello
Microfón consolidar el apabullador áxito obtenido por el
dúo en el Festival B.A.Rock con su atemporal "Canción
para mi muerte".
El disco sobrevuela un clima folk con algunos pequeños
toques blueseros por aquí y por allá de la mano de
Claudio Gabis y alguna pequeña dosis de histrionismo
protoprog gracias a la formación clásica de Charly
García.
Las letras -contrariamente al neto enfoque folk
norteamericano que este disco posee- describen con
inusual certeza historias de distintos personajes
urbanos, sin estar exentas de poesía y sin escatimar la
fuerza interpretativa necesaria en diversos pasajes
oscuros. Las esmeradas armonías vocales se conjugan a la
perfección con los timbres de voz de los jóvenes Mestre
y García, lo que se complementa con una adecuada
ejecución del piano acústico, la guitarra acústica y la
flauta traversa.
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Sui Generis
Confesiones De Invierno (1973)
Este disco representa un verdadero paso hacia adelante
en la carrera del dúo. Se aprecia un crecimiento muy
marcado en la utilización de las impostaciones de la voz
para lograr los nuevos climas rockeros que invaden el
LP. La participación de David Lebón es decisiva para
aportar el toque rockero, la orquestación de "Rasguña
las piedras" le da un carácter más formado a la obra y
anuncia el ensachamiento de los horizontes de Sui
Generis. Con la inclusión de un rock and roll
completamente ácido y satírico ("Mr. Jones") y un jazz
valseado con una excelente zapada (La historia del hada
y el cisne"), el disco llega a la categoría de clásico
mostrando que los niños prodigio del Rock Nacional valen
lo que pesan.
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Sui Generis
Pequeñas Anácdotas Sobre Las Instituciones (1974)
En el momento de mayor áxito, contando con la absoluta
adhesión de todos los medios y habiendo conseguido
seducir a una masa de público impensada para un grupo de
rock, Sui Generis se lanza al vacío conformándose como
grupo con Juan Rodríguez en la batería, Rinaldo
Rafanelli en el bajo y con la participación de David
Lebón como quinto integrante en vivo y lanza esta
verdadera obra de arte.
"Pequeñas anácdotas..." iba a ser un disco aún mucho más
crítico, pero debido a la fuerte censura reinante en el
momento (aún en democracia) se suavizaron algunos temas
ásperamente tratados y se reemplazaron ciertas palabras
para poder lanzar el disco al mercado. En el plano
sonoro la revolución no fue menor. García cambia el
piano vertical por una pequeña artillería de teclados
que incluye un piano eláctrico RMI, un MiniMoog y la
vedette del rock vernáculo: un Mellotron.
Los temas son minisuites con las letras bravíamente
encajadas y una suerte de caledoscopio climático pone
los colores en el tono ocuro global del disco.
El pico se alcanza en una composición paradigmática de
esta verción progresiva de SuiGeneris: "Tango en
segunda", verdadero anticipo de lo que vendrá de la mano
de Charly en su futura Máquina de Hacer Pájaros primero
y Seru Giran después.
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Sui Generis
Adiós Sui Generis (1975)
Un disco doble que registra las mejores interpretaciones
de los dos recitales de despedida que ofreció el
cuarteto el 5 de septiembre de 1975 en el Luna Park.
también se filmó un largometraje a cargo del director
'NN' pero que tanto por cuestiones tácnicas como por el
enfoque buscado, no logra transmitir la magia y la
energía del grupo ni la comunión con su público
(juntaron más de 30.000 personas en solamente dos
funciones).
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Ara Tokatlian y Enrique Villegas
Inspiración (1975)
Luego de Sudamárica e Inti Raymi, Santaolalla
comienza a dar algunos recitales solistas de
inclinación acústica. Los miembros de Arco Iris
habían entablado relación con el pianista de
jazz Enrique Villegas, quien gustaba de su
música e incluso asistía a las presentaciones.
Enrolado en el jazz y la fusión en un clima
reposado Ara en vientos y percusión y Villegas,
lógicamente en el piano, desarrollan complejas
armonías, acompañados por el contrabajo y
percusiones adicionales de Bordarampe. El
resultados es un álbum sorprendente por su
calidad. Ha sido muy poco difundido, y ese ha
sido el precio a pagar por haber tomado el
camino de se mejantes riesgos. En lo personal lo
encuentro absolutamente recomendable, aunque la
falta de reediciones lo convierten en una pieza
difícil de localizar.
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Vox Dei
Caliente (1970)
Excelente álbum debut, editado por el mítico
sello Mandioca. Una equilibrada combinación de
rock muchas veces duro que en general presenta
matices psicodálicos ("No es por Falta de
Suerte", "Cuero", "Total quá") y baladas cuyas
melodías han trascendido los tiempos y las
generaciones ("Canción para una mujer (que no
está)", "Presente"). La sólida base constituida
por Willy Quiroga ("Willie" en los créditos) y
Rubán Basoalto se refuerza con la participación
de un pecusionista panameño cuyo nombre no
figura entre los participantes. El trabajo entre
las guitarras de Soulá y Godoy tiene momentos
maravillosos con un guitarra rítmica limpia y
machacosa y una primera guitarra distorsionada,
casi podrida muy propia del momento. Un álbum
absolutamente recomendable. Una de las
reediciones en CD cuenta con bonus tracks de los
simples que la banda había editado hasta ese
momento y que no habían aparecido en el disco
"Azúcar amarga", "Quiero ser", "Dr Jekill".
Lamentablemente la más reciente reedición de
Sony símil LP no cuenta con estos temas.
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Vox Dei
La Biblia (1971)
Considerada una de las obras fundamentales del
rock argentino, se trata sin duda del trabajo de
Vox Dei que más ha perdurado a travás de los
años. Numerosas versiones se han editado con
posterioridad, dos comandadas por Billy Bond,
una de ellas con el llamado Ensamble Musical
Buenos Aires y otra en Brasil. Los miembros
mismos de Vox Dei editaron años después una
nueva versión que completaba la obra,
aparentemente inconclusa en esta edición
original. Sin embargo ninguno de estos intentos
llegó a alcanzar el nivel del original.
Verdaderamente inspirados los músicos recorren
el rock progresivo, las canciones pastorales, la
psicodelia, el rock &roll y el blues que
enmarcan esta obra conceptual basada en los
Testamentos. De las sesiones de grabación surgen
prolongados pasajes instrumentales con un
atrapante trabajo de guitarras, las
orquestaciones y coros dirigidos por Roberto Lar
aportan un matiz sinfónico adecuadamente ubicado
a lo largo de la obra. Cada uno de estos temas
se ha transformado en clásicos del rock
argentino. La obra dura poco más de 55 minutos y
fue editada originalmente en doble vinilo. Sobre
el tan mentado "visto bueno" que habría dado la
cúpula eclesiástica hablamos con Willy Quiroga
en el reportaje que aparece en esta página.
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Vox Dei
Jeremías Pies de Plomo (1972)
Sin duda debe ser difícil para una banda poder
ofrecer un álbum que conforme, luego de haber
desarrollado una obra como La Biblia. Nacho
Smilari había ingresado para las presentaciones
de ese disco e incluso llega a registrar con la
banda un simple (Dónde has estado todo este
tiempo / Tan sólo un hombre). Sin embargo
Jeremías se graba como trío. Y el sonido es bien
propio de este tipo de formación, Rock más duro,
canciones más directas, de menor despliegue
instrumental, sin que por esto en el álbum
falten solos de guitarra. Los temas siempre
están sostenidos por la ajustada base que
conforma Quiroga y Basoalto. El estilo abarca
canciones bluseadas (Detrás del vidrio, parte
1), rock & roll duro (Jeremías, pies de plomo,
Por aquí se te echó de menos), canciones
acústicas (Sin separarnos más), etc. Vox Dei
ahora integrado por Soulá, Quiroga y Basoalto,
comienza a delinear en este clásico del rock
argentino su estilo definitivo. Las autoría de
las composiciones pertenece en forma equilibrada
a Soulá y a Quiroga. Temas como " Ahora es el
preciso instante", " Ritmo y blues con
armónicas" y otros forman parte de una suerte de
tradición del rock argentino.
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Vox Dei
Cuero Caliente (1972)
Luego de editar "Jeremías Pies de Plomo" se
publica también por el sello Disc Jockey, "Cuero
Caliente", que en realidad es en gran parte la
regrabación del primer álbum, "Caliente", que
había salido por el sello Mandioca un par de
años antes. Ahora con formato de trío, Vox Dei
produce un sonido más duro y propio de los 70s,
en contraposición de los aires psicodelicos de
su primera obra. No incluyen "No es por falta de
suerte", pero si dos temas que habían salido en
simples "Dr. Jekill" (ahora rebautizado "El
regreso del Dr. Jekill") y Azúcar Amarga.
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Vox Dei
La Nave Infernal (1973)
Para poder cumplir con la situación contractual
que los ligaba al sello Disc Jockey, se publica
un álbum con temas en vivo grabados durante una
gira auspiciada por una marca de ropa.
Registrado con un grabador Revox, la calidad de
sonido dista de ser del nivel que puede
pretenderse. Sin embargo puede ser interesante
como documento que exhibe el sonido de la banda
en vivo. Mayoría de temas nuevos, que no fueron
posteriormente grabados en estudio (9.000 veces
más, Vueltas y vueltas alrededor del sol, Un
renegado... áse soy yo, Amor y seis, La nave
infernal) junto a otros de La Biblia (Gánesis )
y Jeremías Pies de Plomo (Sin separarnos más).
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Vox Dei
Es Una Nube, No hay Duda (1973)
La banda se desliga del sello Disc Jockey, y
firma para la CBS. Cuentan ahora con mayor capacidad de
producción y logran otro de los álbumes clásicos del
grupo. Los temas son en general menos pesados que lo
demostrado en anteriores producciones. "Es una nube no
hay duda" y "Loco, hacela callar" de Willy Quiroga y "La
verdadera historia de Sam, el montañás" de Ricardo Soulá
pueden ser considerados clásicos del rock argentino.
Muchos a esta altura reclamaban un mayor desarrollo
musical en la obra de Vox Dei. Sin embargo, la intención
de la banda era la de proseguir con un estilo que ya le
era propio. La edición en vinilo estaba confeccionada en
un papel texturado símil tela, algo todavía inusual en
una producción de la ápoca.
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Vox Dei
Vox Dei Para Vox Dei (1974)
Un disco parejo, con temas de prolija
instrumentación pero que de alguna manera
denotan un estancamiento creativo de la banda,
que parece resignada a hacer canciones que
entren en un estilo ya definido repitiendo las
fórmulas que en anteriores obras les hicieron
ganar el favor de una parte del público. Soulá
decide partir de la banda para una carrera
solista y un viaje a Londres en el que se
contactará con Heavy Metal Kids, una banda que
grabaría algunos temas suyos, en la que
participaba Daniel Peyronel, futuro miembro de
Riff. La decisión de separarse estaba tomada ya
mientras se grababa el disco y probablemente
esto haya tenido que ver con los resultados
finales. Carlos Rodríguez, que participó en la
banda en la ápoca previa al registro del álbum,
como segunda guitarra, ha hecho declaraciones en
el sentido de que participó de los registros del
álbum sin que se lo reconociera en los créditos.
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Vox Dei
Estamos en la Pecera (1975)
A pesar del alejamiento de Ricardo Soulá,
Quiroga y Basoalto tienen decidida la
continuidad de la banda. Se comentaba que se
estaba buscando un tecladista, pero siempre se
ha comentado que se intentó incorporar primero a
Yodi Godoy y posteriormente a Nacho Smilari sin
que aceptaran (esta última versión es desmentida
por Willy Quiroga en el reportaje que le
hicimos). Finalmente se incorporan Beto
Fortunato y Daniel Michelini. Sin embargo
Fortunato se aleja antes de grabar el disco. El
álbum no tiene gran repercusión y las criticas
no son las mejores. Sin embargo se trata de una
cambio en la banda que suena fresca y con nuevas
ideas. El trabajo en guitarras de Michelini
tiene un gran protagonismo y es interesante
ofreciendo muy diversos matices en prolongados
pasajes instrumentales. Sin embargo esta
formación solo registrará este álbum. Puede
suponerse que un cambio tan marcado en la
agrupación no era ambicionado por Quiroga y
Basoalto y tal vez tampoco deseado por los
seguidores más fieles de Vox Dei.
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Vox Dei
Ciego de Siglos (1976)
Para "Ciegos de Siglos" la formación de Vox Dei
cambia nuevamente, incorporando dos miembros de
"La Máquina" en guitarras y voz. Tal como fuera
"Estamos en la Pecera", áste también es un disco
diferente dentro de la discografía de la banda.
El habitual R&R es alguna veces más duro y
acelerado y se atreven a incursionar en otras
vertientes como la fusión ("Reflexión de Dos por
Miles a la Medianoche") o a introducir toques de
soul en sus composiciones ("Solo Hoy te
Pertenece, Mañana es Ilusión"). Un disco que
suena fresco, con un muy buen trabajo de los
guitarristas casi circunstanciales. El regreso
de Ricardo Soulá provoca la separación de estos
miembros y un retorno a el estilo más
convencional.
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Vox Dei
Gata de noche (1978)
El regreso de Ricardo Soulá a la banda marca
también un claro retorno a un estilo en el que
se mueven con comodidad y que se supone del
agrado del público seguidor de la banda. Rock &
Roll, blues y canciones de tinte melódico. Siete
temas de Soulá y tres de Quiroga cierran el
ciclo de la banda durante los años 70s, sin
mayores avances con respecto a lo anteriormente
conocido. Soulá continuará su carrera solista,
Quiroga pasará su experiencia con Destroyer y
Vox Dei retornará periódicamente, a veces con
Soulá y otras con Quiroga-Basoalto y diversos
guitarristas.
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